SIMONE VAN OLST
  • Home
  • Beelden
    • Beelden < 250 euro
    • Beelden van 250-600 euro
    • Beelden > 600 euro
    • Exposities
    • Sieraden en cadeau artikelen
    • Werk in opdracht
  • Workshops
    • Bedrijven >
      • Bedrijfsworkshops
      • Keiharde Coaching
      • Ondernemende carrieretijgers
      • Verhuur vergader / werk ruimte
    • Studenten
    • Lezingen met workshop >
      • In de voetsporen van Henry Moore
      • Metamorfose volgens Arp
      • De natuur volgens Barbara Hepworth
      • Schets naar Beeld Basis
      • Schets naar Beeld Gevorderd Abstract
    • Groepsworkshops
    • Thematische verdiepingsworkshops >
      • Anatomische torso workshop
      • Natuurlijke vormen
      • Organische vormen
      • Schaal maken workshop
      • Torso workshop
      • Uit je bolletje workshop
      • Vogel workshop
    • Wiskundige verdiepingsworkshop >
      • Binnenstebuiten enkel en dubbele workshop
      • Lemniscaat & 3-knoop
      • Modulelessen verdieping
      • Möbiusband 1 draai & 4 draai workshop
      • Dichte Oloïde & Open Olöide workshop
    • Workshops voor speciale gelegenheden >
      • Bedank workshop na de bruiloft
      • Moederdag & Vaderdag workshop
      • Valentijnsworkshop
      • Vrijgezellenfeest workshop
    • Zaterdagworkshops
  • Cursussen
    • Doorlopende cursus >
      • Strippenkaarten
    • Jaarkaart beeldhouwen
    • Topklas
    • Winteracademie
    • Zomeracademie
  • Agenda
  • Blogs
  • Boeken
    • Natuur beeldhouwen in steen
    • De kunst van anatomisch beeldhouwen
    • Ontdek: Schets naar Beeld
  • webshop
  • Contact
    • Ander werk >
      • Kunstverleners
      • Kunstcollectief De Mors
      • Trex
      • Drawing her Story
      • Thuis Op Straat
      • Mozaïek projecten
      • Urban Knitting
      • Publicaties
    • Cadeaubon
    • Inspiratienieuws
    • Over ons
    • Openingstijden
    • Veel gestelde vragen
    • Vakantieschema
    • Winkel, materialen & service
    • Vacatures
    • Privacyverklaring
    • Cookieverklaring
    • Algemene voorwaarden

De stille dialoog: Hoe tweedimensionale meesters het beeldhouwen in steen kunnen inspireren

11/6/2025

0 Opmerkingen

 
In de wereld van de beeldende kunst lijken de disciplines soms werelden van elkaar verwijderd. Een schilder, met een palet vol kleuren en de vrijheid van het doek, tegenover een beeldhouwer, worstelend met de weerbarstigheid van het materiaal, de beperkingen van de massa en de afwezigheid van aangebrachte kleur. Toch, als we dieper kijken, voorbij de oppervlakte van techniek en materiaal, ontvouwt zich een rijke, stille dialoog. Juist in de wereld van de schilderkunst, op het platte vlak van het schilderij, ligt een schat aan inspiratie verborgen voor wie in steen werkt. Het is een bron die, mits goed aangeboord, kan leiden tot een ongekende ‘burst’ in creativiteit en een verdieping van het eigen driedimensionale werk. Bij ons in beeldhouwatelier in Leiden, waar Simone van Olst en Alex Sluimer dagelijks de grenzen van steen verkennen, moedigen we deze kruisbestuiving actief aan. Want hoe vertaal je de essentie van een kleurrijk, lichtgevend schilderij naar de monochrome, massieve realiteit van steen? Het antwoord ligt in het leren kijken, het leren ontleden, en het leren ‘voelen’ van de fundamentele elementen die elke krachtige visuele expressie, tweedimensionaal of driedimensionaal, onderbouwen.
​

Het lijkt misschien contra-intuïtief. Steen is zwaar, onvergevingsgezind en inherent driedimensionaal. Een schilderij is een illusie, een venster op een wereld gecreëerd met pigment en lijn op een plat oppervlak. De beperkingen van steen zijn evident: de kleur is die van de steen zelf, tenzij men later wassen of andere materialen toevoegt, wat in de pure beeldhouwkunst minder gebruikelijk is. Vormen kunnen niet zomaar zweven; ze moeten verbonden zijn, ondersteund door de massa van het materiaal, tenzij men met uiterst complexe constructies en risico’s werkt. Maar juist deze zogenaamde beperkingen dwingen de beeldhouwer tot een diepere focus op de kernelementen van de kunst: vorm, volume, textuur, lijn, en de cruciale interactie met licht en schaduw. En waar beter deze elementen in hun puurste, meest bestudeerde vorm te observeren dan in de meesterwerken van de schilderkunst? Schilders zijn meesters in illusie, maar die illusie is gebouwd op een ijzersterk begrip van hoe wij de wereld waarnemen en hoe visuele elementen emotie en betekenis overbrengen. Voor de beeldhouwer in steen is het de kunst om deze illusionaire technieken te ‘stelen’ en ze te transformeren naar tastbare realiteit. Het gaat er niet om een schilderij letterlijk te kopiëren in steen – een zinloze exercitie – maar om de onderliggende principes, de visuele intelligentie, te absorberen en te herinterpreteren binnen de unieke taal van het steenbeeldhouwen.
Een van de meest directe lessen die een beeldhouwer kan trekken uit de schilderkunst is het meesterschap over compositie. Hoe een schilder elementen binnen het kader van het doek ordent – de balans tussen figuren en achtergrond, de leidende lijnen die het oog van de kijker sturen, de ritmische herhaling van vormen of kleuren, de creatie van een dynamisch of juist sereen brandpunt – dit alles is van onschatbare waarde. Een beeldhouwwerk bestaat weliswaar in een 360-graden ruimte, maar elke individuele aanblik, elk mogelijk standpunt van de beschouwer, vormt in feite een eigen compositie. Door te bestuderen hoe schilders als Vermeer een serene, uitgebalanceerde spanning creëren, of hoe een barok-meester als Rubens met wervelende diagonalen een gevoel van drama en beweging oproept, kan de beeldhouwer leren om zijn massa’s bewuster te verdelen, om de interactie tussen het beeld en de omringende ruimte (de negatieve ruimte, zo cruciaal in zowel 2D als 3D) te optimaliseren. De ‘regels’ van compositie – de gulden snede, de regel van derden – zijn even relevant voor een blok marmer als voor een linnen doek. Het bestuderen van hoe schilders deze principes toepassen, en soms moedwillig doorbreken, scherpt het oog van de beeldhouwer voor de ruimtelijke relaties binnen zijn eigen werk. Het helpt om een sculptuur te ontwerpen die vanuit elke hoek boeit, die een visueel pad biedt voor de kijker, en die een duidelijke artistieke intentie communiceert door de pure ordening van vormen.
​
Vervolgens is er het spel van licht en schaduw, misschien wel de meest directe brug tussen schilderkunst en beeldhouwen. Schilders, van de Renaissance tot heden, hebben licht gebruikt om vorm te suggereren, volume te creëren, textuur te accentueren en een specifieke sfeer of emotionele lading op te roepen. Denk aan het dramatische clair-obscur van Caravaggio of Rembrandt, waar figuren uit een diep duister oplichten, hun vormen gedefinieerd door sterke contrasten. Voor een beeldhouwer is licht niet een illusie die met verf wordt gecreëerd, maar een fysieke partner. De manier waarop het licht over de oppervlakken van de steen strijkt, hoe het in diepe inkepingen duikt en schaduwen werpt die de vorm versterken of juist mystificeren, is een essentieel onderdeel van het uiteindelijke kunstwerk. Door te kijken naar hoe schilders lichtval en schaduwpartijen gebruiken om bijvoorbeeld de ronding van een wang, de plooi van een gewaad of de spanning van een spier te suggereren, kan de beeldhouwer leren om zijn vlakken, curven en inkepingen zo te bewerken dat ze optimaal met het natuurlijke of kunstmatige licht interageren. Een gepolijst oppervlak reflecteert anders dan een ruw gehakt vlak; een scherpe rand vangt het licht anders dan een zachte overgang. De ‘kleur’ van de monochrome steen wordt dan de gradatie van licht naar donker, de subtiele nuances in de schaduwen, de heldere accenten op de hooglichten. De studie van licht in de schilderkunst kan de beeldhouwer inspireren tot moediger gebruik van diepte, tot het creëren van meer dynamische oppervlakken, en tot een beter begrip van hoe het uiteindelijke beeld zal ‘leven’ in zijn omgeving, veranderend met de lichtomstandigheden gedurende de dag.
Ook de lijn en contour bieden een vruchtbaar studiegebied. Schilders gebruiken lijnen niet alleen om de omtrekken van objecten te definiëren, maar ook om beweging, richting, en emotie over te brengen. De vloeiende, sensuele lijnen in een werk van Botticelli, de nerveuze, energieke lijnen van een Egon Schiele (was een Oostenrijks expressionistisch kunstschilder, of de strenge, geometrische lijnen van een Mondriaan – elk type lijn heeft een eigen expressieve kracht. In steen worden lijnen gecreëerd door de randen van vlakken, door de overgang van de ene vorm naar de andere, of door ingekerfde details. De beeldhouwer kan van schilders leren hoe een lijn spanning kan opbouwen, hoe een contour een gevoel van volume kan suggereren nog voordat de massa volledig is uitgewerkt, en hoe de ‘flow’ van lijnen door een compositie een gevoel van eenheid en harmonie kan creëren. Zelfs in sterk abstracte schilderkunst kan de interactie van lijnen en de energie die ze uitstralen een directe inspiratiebron zijn voor de beeldhouwer die op zoek is naar een krachtige, lineaire expressie in steen. Het vertalen van een geschilderde lijn naar een stenen rand vereist een diep begrip van hoe die rand het licht zal vangen en hoe het de algehele perceptie van de vorm zal beïnvloeden.
​

De illusie van diepte en perspectief op een plat vlak is een andere fascinerende uitdaging die schilders al eeuwenlang aangaan. Technieken zoals atmosferisch perspectief (waarbij objecten in de verte vager en blauwer worden), lineair perspectief (met vluchtpunten en verdwijn-lijnen) en het simpelweg overlappen van vormen, creëren een gevoel van ruimtelijkheid. Hoewel een beeldhouwer met werkelijke diepte werkt, kan de studie van deze 2D-technieken toch inspirerend zijn. Hoe kan men bijvoorbeeld in een reliëf, dat ergens het midden houdt tussen 2D en 3D, de suggestie van grote diepte wekken? Hoe kan men in een vrijstaand beeld de interactie tussen voor-, midden- en achterplan zo orkestreren dat er een boeiende ruimtelijke ervaring ontstaat, zelfs als de fysieke diepte beperkt is? Het kijken naar hoe schilders de kijker ‘in’ het schilderij trekken, kan de beeldhouwer helpen om zijn werk zo te componeren dat het uitnodigt tot verkenning vanuit verschillende hoeken, en dat het een dynamische relatie aangaat met de ruimte eromheen.
Misschien wel het meest ongrijpbare, maar tevens meest waardevolle element dat uit de schilderkunst kan worden overgenomen, is de emotionele inhoud en het narratief. Een schilderij kan een verhaal vertellen, een stemming oproepen, een filosofisch idee verkennen, of een diepe menselijke emotie uitdrukken, puur door de keuze van onderwerp, kleur, compositie en licht. Een steenbeeldhouwer, ontdaan van de directe verhalende mogelijkheden van figuratieve schilderkunst of de emotionele directheid van kleur, moet deze aspecten vertalen naar de taal van vorm, textuur en ruimtelijke aanwezigheid. De intense psychologische lading in een portret van Rembrandt, de serene spiritualiteit in een landschap van Caspar David Friedrich, of de rauwe energie in een abstract expressionistisch werk van Jackson Pollock – hoe kan dit vertaald worden naar steen? Dit is waar de alchemie van de artistieke vertaling werkelijk begint. Het gaat erom de essentie van die emotie of dat verhaal te vatten. Een gevoel van melancholie kan worden uitgedrukt in neerwaartse, zware vormen en een gesloten compositie. Vreugde kan zich manifesteren in opwaartse bewegingen, open vormen en een dynamisch spel van licht. De uitdaging is immens, maar de beloning – een beeld dat resoneert op een diep emotioneel niveau – is navenant.
​

En wat te denken van textuur? Schilders zijn meesters in het suggereren van textuur: de zachtheid van fluweel, de ruwheid van een bakstenen muur, de gladheid van huid. De beeldhouwer werkt met werkelijke textuur. De steen zelf heeft een inherente textuur, die kan variëren van de grove korrel van kalksteen tot de fijne, dichte structuur van marmer. Maar daarbovenop kan de beeldhouwer door middel van bewerkingstechnieken – polijsten, schuren, boucharderen, frijnen ( een vorm van handmatige sier bewerking van natuursteen, waarbij evenwijdige lijnen in het oppervlak geslagen worden),  hakken – een oneindige variëteit aan oppervlaktestructuren creëren. De suggestie van textuur in een schilderij kan de beeldhouwer inspireren om te experimenteren met de tactiele kwaliteiten van zijn werk. Een glad geschilderd oppervlak in een portret kan leiden tot een zorgvuldig gepolijste afwerking van een stenen gezicht, terwijl de impasto techniek van een Van Gogh, met zijn dikke verflagen, kan aanzetten tot een ruwere, expressievere behandeling van het steenoppervlak, waarbij de sporen van het gereedschap bijdragen aan de zeggingskracht.
De abstractie van vorm, een proces dat in de schilderkunst van de 20e eeuw een enorme vlucht nam, is eveneens zeer relevant. Schilders als Picasso, Kandinsky of Malevich reduceerden de zichtbare werkelijkheid tot geometrische basisvormen, kleurvlakken of pure lijnen, op zoek naar een diepere, universele waarheid of een directe emotionele expressie. Steen, met zijn massiviteit en de noodzaak tot vereenvoudiging (men kan niet elke minuscule detail uit een blok steen hakken), leent zich bij uitstek voor abstractie. Het bestuderen van hoe schilders vormen abstraheren, hoe ze de essentie van een object of een idee vangen in een vereenvoudigde, maar krachtige vorm, kan de steenbeeldhouwer helpen om los te komen van een louter mimetische weergave en te zoeken naar een meer symbolische of conceptuele uitdrukkingskracht. Het dwingt tot nadenken over welke details weggelaten kunnen worden en welke juist essentieel zijn om de beoogde boodschap over te brengen.
​

En laten we de negatieve ruimte niet vergeten. In de schilderkunst is de ruimte rondom en tussen de objecten net zo belangrijk als de objecten zelf. Het draagt bij aan de compositie, de balans en de algehele sfeer. Voor een beeldhouwer is negatieve ruimte de lucht die het beeld omringt, de openingen die erdoorheen gaan, de leegtes die evenveel ‘vorm’ en betekenis hebben als de massieve delen van de steen. Het bestuderen van hoe schilders negatieve ruimte gebruiken om hun positieve vormen te versterken, kan de beeldhouwer inspireren om moediger om te gaan met het weghalen van materiaal, om te spelen met doorkijkjes en om de interactie tussen het beeld en zijn omgeving te intensiveren.
Nu, hoe vindt deze vertaling van het tweedimensionale naar het driedimensionale, van de kleurrijke illusie naar de monochrome realiteit, concreet plaats? 

Dus, ga in de actiestand, pak je chaos schriftje:

Het begint, zoals gezegd, met intensief en analytisch kijken. Bezoek musea, bestudeer kunstboeken, niet passief, maar met een ‘sculpteurs-oog’. Deconstrueer een schilderij. Wat zijn de dominante lijnen? Waar valt het licht het sterkst? Welke vormen dragen de meeste emotionele lading? Maak schetsen, niet om het schilderij te kopiëren, maar om de elementen te isoleren die u aanspreken. Een snelle schets van alleen de licht-donker contrasten, of alleen de hoofdlijnen van de compositie, kan al enorm verhelderend zijn.
​

De grootste uitdaging is wellicht het gemis aan kleur. Hoe vertaal je de emotionele impact van een vurig rood, een diepblauw, of een zonnig geel naar de beperkte tonaliteit van steen? Hier komt een meer synesthetische benadering van pas. Kleur is niet alleen een visuele sensatie; het roept ook gevoelens, associaties, en zelfs fysieke sensaties op. Een helder, warm rood kan vertaald worden naar scherpe, dynamische, opwaartse vormen in steen, of naar een textuur die energie uitstraalt. Een koel, rustgevend blauw kan inspireren tot gladde, vloeiende, horizontale vormen, of tot een serene, gepolijste afwerking. De intensiteit van een kleur kan zich vertalen in de diepte van de inkepingen of de prominentie van een bepaald volume. Het is een subjectief proces, maar wel een dat getraind kan worden. Soms kan zelfs de keuze van de steensoort een rol spelen: het diepe, bijna zwarte van Belgisch hardsteen kan de dramatiek van een donker schilderij echoën, terwijl het zachte crème van een Franse kalksteen kan aansluiten bij een lichter, etherischer palet.
Vervolgens komt de stap van 2D-analyse naar 3D-creatie. Maak kleine maquettes in klei of was. Draai ze rond, bekijk ze van alle kanten. Hoe verhouden de vormen zich tot elkaar in de ruimte? Hoe verandert de schaduwwerking als de lichtbron beweegt? Dit is het moment om te experimenteren, om de vertaalslag te maken van de platte compositie naar een ruimtelijk object dat vanuit elke hoek moet overtuigen. De ‘achterkant’ van een schilderij bestaat niet, maar die van een sculptuur is even belangrijk als de voorkant. Dit vereist een constante mentale rotatie en een voorstellingsvermogen dat getraind wordt door te doen.
​

De vermeende beperkingen van steen kunnen hierbij juist als een kracht worden ingezet. De afwezigheid van kleur dwingt tot een uiterste concentratie op vorm, textuur en het spel van licht. De weerbarstigheid van het materiaal eist een weloverwogen aanpak, een dialoog met de steen, waarbij de beeldhouwer soms zijn oorspronkelijke plan moet bijstellen als de steen zijn eigen ‘wil’ toont door een onverwachte ader of breuklijn. Deze focus op de pure, tastbare kwaliteiten van het materiaal kan leiden tot werken met een grote directheid en authenticiteit. De permanentie van steen, in tegenstelling tot de relatieve kwetsbaarheid van een doek, geeft het werk een gewicht en een tijdloosheid die uniek is voor dit medium.
Stel je de dramatische lichtval in een schilderij van Caravaggio voor: de diepe schaduwen, de helder uitgelichte figuren. Een beeldhouwer kan dit vertalen door te werken met sterke contrasten in diepte, met diepe ondersnijdingen en scherp gedefinieerde vlakken die harde schaduwen werpen, waardoor een vergelijkbaar gevoel van drama en tastbaarheid ontstaat. Of neem de geometrische abstractie van Mondriaan: de heldere vlakverdeling, de strenge lijnen. Dit kan een beeldhouwer inspireren tot het creëren van abstracte, architectonische vormen in steen, waarbij de nadruk ligt op de pure relatie tussen volumes en de ritmiek van lijnen en vlakken. De emotionele turbulentie en de expressieve textuur in een werk van Van Gogh kunnen aanzetten tot een krachtige, bijna ‘impressionistische’ bewerking van het steenoppervlak, waarbij de sporen van de beitel zichtbaar blijven en bijdragen aan de emotionele zeggingskracht van het beeld. Zelfs de subtiele atmosferische effecten in een landschap van Turner, de suggestie van mist of zonlicht, kunnen, hoe abstract ook, een beeldhouwer prikkelen om na te denken over hoe de oppervlaktebehandeling van de steen – van fluweelzacht gepolijst tot korrelig en ruw – een bepaalde ‘atmosfeer’ kan oproepen.
​

Bij ons atelier in Leiden moedigen we onze cursisten en collega-kunstenaars, vaak aan om musea te bezoeken met precies deze ‘vertalende’ blik. Neem een schetsboek mee. Focus niet op het onderwerp, maar op de onderliggende structuur. Maak ‘licht-donker’ studies. Analyseer de compositie. Probeer de emotionele kern te vatten. Thuis kan je dan experimenteren: hoe zou die geschilderde curve aanvoelen als een stenen volume? Hoe zou die kleur vibratie zich uiten in textuur? Creëer een ‘moodboard’ waarop u reproducties van schilderijen combineert met foto’s van steensoorten, texturen, of zelfs abstracte schetsen van driedimensionale vormen.
Kortom, de wereld van de schilderkunst is geen verre, vreemde planeet voor de beeldhouwer. Het is een complementair universum, vol lessen, inspiratie en visuele strategieën die wachten om ontdekt en getransformeerd te worden. Door de ogenschijnlijke barrières van medium en dimensie te doorbreken, en door te leren kijken naar de fundamentele artistieke principes die alle grote kunst verbinden, kan de beeldhouwer in steen zijn eigen werk verrijken, zijn creatieve horizon verbreden en nieuwe diepten van expressie vinden in de tijdloze taal van de vorm. Het is een ontdekkingsreis die niet alleen leidt tot betere sculpturen, maar ook tot een dieper begrip van de kunst zelf, in al haar verschijningsvormen. En die reis, die stille dialoog tussen het platte vlak en de volle steen, is een van de meest lonende die een kunstenaar kan ondernemen. Wij, Alex en ik nodigen je uit om deze dialoog zelf aan te gaan, en wellicht ontdek je, net als wij, dat de inspiratie voor uw volgende beeld verborgen ligt in de penseelstreken van een oude of nieuwe meester.
​

Laat je weten wat je vond van dit blog? Ik hoor graag je hersenspinsels en je visie!
0 Opmerkingen

Jouw zaterdag transformatie: Elke week nieuwe kunst, nieuwe ontdekkingen!

11/6/2025

0 Opmerkingen

 
Vergeet de alledaagse sleur – Laat je handen spreken!

Droom je van een dag helemaal voor jezelf? Een dag waarop je creativiteit de vrije loop krijgt, waar je met je handen iets tastbaars en moois creëert?

Op zaterdag opent Beeldhouwatelier Simone van Olst haar deuren voor een onvergetelijke reis in de wereld van steenbeeldhouwen. Onder de bezielende leiding van Alex en Simone, meesters in hun vak, ontdek je de oeroude kunst van het transformeren van ruwe steen tot een persoonlijk kunstwerk. Dit is meer dan een workshop; het is een ervaring die je inspireert, ontspant en oplaadt.


​
Maak kennis met de drijvende kracht: Alex & Simone - Jullie mentoren in steen

De ziel van Beeldhouwatelier Simone van Olst wordt gevormd door Alex en Simone. Met samen tientallen jaren ervaring in het beeldhouwen en het met passie begeleiden van cursisten, zijn zij de gidsen die jouw creatieve potentieel helpen ontsluiten.
  • Alex Sluimer: "Met een diepgewortelde liefde voor geometrische vormen en een ongekend technisch inzicht, weet Alex als geen ander de verborgen schoonheid in elke steen naar boven te halen. Zijn geduldige aanpak en vermogen om complexe technieken eenvoudig uit te leggen, maken hem een geliefde mentor."
  • Simone van Olst: "Simone's kracht ligt in haar intuïtieve benadering en haar talent om abstracte concepten en emoties in steen te vangen. Ze inspireert je om buiten de gebaande paden te denken en je eigen, unieke verhaal in je werk te leggen. Haar enthousiasme is aanstekelijk!"
​
Samen vormen Alex en Simone een dynamisch duo dat garant staat voor persoonlijke, diepgaande begeleiding. Ze zien jouw unieke talent, dagen je liefdevol uit en vieren elk succesmoment met je mee. Bij hen ben je geen nummer, maar een gewaardeerde kunstenaar in wording. Hun expertise is de sleutel tot jouw succesvolle en vreugdevolle beeldhouw ervaring.
Jouw creatieve zaterdag: Kies jouw unieke project en laat de magie beginnen!
​

Elke zaterdag workshop biedt een schat aan mogelijkheden. Speciaal voor jou hebben we een diverse selectie van projecten samengesteld, perfect voor beginnende beeldhouwers die de magie van steen willen ontdekken. Welk verhaal ga jij in steen vertellen?

Kies uit een van deze inspirerende projecten:

Wiskundige dag projecten: 
  • De binnenste buiten (enkele draai). Ontdek de spanning van interne en externe vormen in een elegante, vloeiende beweging. Een fascinerend project dat je uitdaagt anders te kijken en leer gebruik maken van maar één lijn in je steen.
  • De dichte Oloïde. Een intrigerende, wiskundige vorm die continu rolt en verrast vanuit elke hoek. (Let op: dit is een prachtige uitdaging, maar die vraagt ook om geduld en precisie).
  • Een simpele Lemniscaat. Het symbool van oneindigheid, gevangen in steen. Een elegant en tijdloos ontwerp met een mooie symboliek. (Let op: een elegante uitdaging vraagt aandacht voor de flow).

Thematische dag projecten: 
  • Een simpele torso. Werk vanuit een startmodel of een ruwe, simpele vorm en ontdek de schoonheid van het menselijk lichaam in abstractie.
  • Een natuurlijke vorm. Laat je inspireren door de natuur - een schelp, een blad, een waterdruppel - en vertaal de organische schoonheid naar steen.
  • Een simpele organische vorm. Geef je intuïtie de vrije loop en creëer een abstracte, vloeiende vorm die spreekt vanuit het hart van de steen en jezelf.
  • Een klein, elegant schaaltje. Praktisch én mooi! Maak een uniek, handgevormd schaaltje, perfect als decoratief object of voor kleine schatten.
  • Het tulpje ("Uit je Bolletje" workshop). Een vrolijk en symbolisch project waarbij je een gestileerd tulpje uit de steen laat ontluiken - een ode aan groei en bloei!
  • Een simpel vogeltje. Breng een charmant vogeltje tot leven in steen. Een geliefd project dat altijd een glimlach tovert.
  • De betoverende kerst workshop. Creëer een uniek kerst thema beeldje (engel, ster, kerstboom) en voeg een persoonlijk, handgemaakt accent toe aan je feestdagen. (Seizoensgebonden thema, ideaal om de kerstspirit in steen te vangen!).
  • De ''Ik weet het nog niet'' optie. Natuurlijk kunnen wij je ook een fantastische workshop ervaring bieden als je van te voren nog geen keuze hebt gemaakt, of zelf een idee hebt wat je wilt maken!
​
Onze belofte: Ongeacht je keuze, Alex en Simone begeleiden je stap voor stap. Ervaring is niet nodig, enkel de wens om te creëren!
​De Beeldhouwatelier Simone van Olst zaterdag ervaring: Meer dan zomaar een workshop!

Op zaterdag transformeer je bij ons niet alleen ruwe steen, maar ook je eigen weekend. Inspiratie ligt er voor het oprapen, wachtend om door jouw handen gevormd te worden, en het beste? Je neemt die creatieve vlam gewoon mee naar huis! Jouw zaterdag wordt een reis van onthulling en genieten, van begin tot eind. Van de eerste slag op de steen tot de laatste polijst beweging, ervaar je die diepe voldoening die alleen echt creëren kan geven. Want aan het einde van de dag ga je niet alleen naar huis met een kunstwerk; je draagt pure trots met je mee.

Wij geloven dat een creatieve dag ook een verwendag mag zijn. Daarom is onze zaterdag workshop een all-inclusive ervaring, ontworpen om jou volledig te ontzorgen en te inspireren:
  • Persoonlijke & zeer uitgebreide begeleiding. Dankzij kleine groepen krijg je alle aandacht die je nodig hebt van Alex en Simone. Hun expertise tilt jouw werk naar een hoger niveau.
  • Een culinaire verwennerij. Tussen het creatieve werk door geniet je van een zeer uitgebreide, huisgemaakte lunch, bereid met liefde. Een moment van rust en gezellig samenzijn, perfect om even op te laden.
  • Alles inbegrepen voor een vaste prijs. Voor slechts €99,00 is alles geregeld:
    • Jouw gekozen project en de bijbehorende inspiratie.
    • Een steen van kwaliteit tot 2 kg (grotere of andere stenen zijn mogelijk tegen een kleine, vooraf besproken bijbetaling).
    • Onbeperkt gebruik van ons zeer diverse en uitgebreide professionele handgereedschap.
    • Alle nodige veiligheidsmiddelen: veiligheidsbril, schort en handschoenen.
    • De uitgebreide lunch, plus onbeperkt koffie, thee en water gedurende de dag.
  • Een inspirerend en veilig atelier. Ons atelier ademt creativiteit en biedt een warme, veilige en goed uitgeruste omgeving waar je je direct thuis voelt.
  • Trots en voldoening gegarandeerd. Aan het einde van de dag ga je niet alleen naar huis met een uniek, zelfgemaakt kunstwerk, maar ook met nieuwe energie, inspiratie en een onvergetelijke herinnering aan jouw creatieve doorbraak.

Jouw zaterdag transformatie kan nu beginnen! 
Deze vernieuwde opzet maakt het nog makkelijker om die eerste stap te zetten, of om je creatieve routine te vinden. Het gaat om het plezier van het maken, de rust van het concentreren en de trots van het resultaat.

In ons beeldhouwatelier voel je die unieke, creatieve stroom, die momenten waarop de wereld stilvalt en jij één wordt met de steen. Het is daar, tussen de rust van het materiaal en de beweging van je handen, dat jouw verhaal tot leven komt. Elke slag, elke schuur, onthult niet alleen een vorm in steen, maar ook een stukje van jezelf. Stap binnen en ontdek de diepe voldoening van het creëren, want jouw unieke kunst wacht om door jou gevormd te worden. Laat die creatieve vonk in jou de weg wijzen en vind jouw flow bij ons in Leiden.


  • Praktische details van jouw zaterdag-avontuur:
    • Wanneer: Vrijwel elke zaterdag! Bekijk onze actuele agenda voor beschikbare data.
    • Tijden: Van 10:00 uur tot 16:00 uur. We nodigen alle deelnemers uit voor een inloop vanaf 9:30 uur. Leer ons, Alex en Simone, alvast kennen en maak contact met je mededeelnemers onder het genot van lekkere koffie en thee, vóór een volle dag creatie!
    • Locatie: Beeldhouwatelier Simone van Olst, Kenauweg 17A, 2331BA Leiden.
    • Parkeren: Voor de deur en op eigen terrein gratis parkeren.
    • Openbaar vervoer: Buslijn 1 & 2 richting Station de Vink, Halte Hadewychlaan, stoppen bij ons om de hoek. Buslijn 43 richting Den Haag, bushalte Haagse Schouw, is op 5 minuten lopen van ons atelier. 
    • Buiten werken: Heb je zin om buiten te werken? Dat kan! Zorg dan zelf voor een laagje kleding en een zonnebril of hoed!
    • Dieetwensen: Laat ons minimaal een week van te voren weten of wij rekening moeten houden met allergieën of diëten!
    • Jouw investering in jezelf: Slechts €99,00, all-inclusive!
    • Wat zelf meenemen: Draag kleding die comfortabel zit en vuil mag worden (beeldhouwen kan stoffig zijn!). Stevige, gesloten schoenen zijn essentieel voor je veiligheid. En natuurlijk: je enthousiasme en zin om te creëren!
Dit is jouw moment – geef je creativiteit de ruimte!
​

Stel het niet langer uit. De zaterdag workshops bij Beeldhouwatelier Simone van Olst zijn een unieke kans om te ontsnappen aan de hectiek, je handen te laten werken en je creatieve ziel te voeden. Onder de deskundige en warme begeleiding van Alex en Simone ontdek je talenten waarvan je misschien niet eens wist dat je ze had.

Op deze zaterdagen wacht er meer dan alleen een workshop; daar wacht een verrassing. Misschien ontdek je talenten waarvan je niet wist dat je ze had, want die zitten diep in jou! Zie hoe je handen iets creëren, slag voor slag, en voel die ongekende trots. Wie weet ben jij wel degene die, verrast door eigen kunnen, gelijk doorgaat met onze doorlopende cursus. Geloof ons: je zult zeker niet de enige zijn die zichzelf verrast en het is een prachtig avontuur om te starten!
​

De voldoening van het creëren van iets blijvends met je eigen handen is ongeëvenaard. Gun jezelf deze boost van creativiteit en inspiratie! De plaatsen zijn gewild en beperkt om optimale persoonlijke begeleiding te garanderen.
Boek nu jouw creatieve zaterdag!
Welkom thuis in ons atelier
​
​
Bij Beeldhouwatelier Simone van Olst zien we ons atelier niet zomaar als een werkplek; het is ons huis. Een plek waar de geur van steen en de klank van creativiteit samenkomen met de warmte van vriendschap. Hier ontvangen we je graag als een goede vriend, en delen we samen de passie voor steen die ons zoveel moois te bieden heeft. We heten je van harte welkom bij onze familie, en zijn er zeker van dat jouw bezoek een fantastische start van je weekend zal zijn.

Nog vragen? We staan met plezier voor je klaar! WhatsApp ons op 06-28568997 of stuur een e-mail naar [email protected].
0 Opmerkingen

De jaarkaart: Jouw ononderbroken stroom van creativiteit

10/6/2025

0 Opmerkingen

 
Afbeelding
Bij Beeldhouwatelier Simone van Olst is het iedere dag weer een feest om jullie te verwelkomen. We zien hoe jullie passie voor beeldhouwen groeit, hoe jullie techniek zich verfijnt, en hoe elk nieuw project een stukje van jullie ziel blootlegt. Jullie toewijding inspireert ons elke dag opnieuw.

​
De afgelopen jaren hebben we gemerkt dat velen van jullie een constante stroom van creativiteit zoeken. Niet alleen af en toe een les, maar een vaste plek voor jullie passie in een drukke week. De behoefte aan een naadloze voortzetting, zonder het gedoe van strippenkaarten die aflopen of opnieuw gekocht moeten worden, klonk steeds luider.
​

En daarom, met veel enthousiasme en vanuit een diepgevoelde overtuiging, introduceren wij vandaag iets heel bijzonders: Alex & Simone Unlimited - jouw sleutel tot een heel jaar ononderbroken beeldhouwplezier.
Onze gedachte achter Alex & Simone Unlimited: investeren in jouw creatieve flow

Dit jaar is extra speciaal voor ons. We vieren namelijk ons 10-jarig jubileum op deze fantastische atelier locatie in Leiden! Hoewel we als Beeldhouwatelier Simone van Olst al veel langer bestaan - onze reis begon reizend van atelier naar atelier - heeft deze plek zich in de afgelopen tien jaar ontwikkeld tot een ware thuishaven voor creativiteit. De Alex & Simone Unlimited Jaarkaart is onze manier om dit te vieren en onze diepe verbinding met jullie, onze loyale cursisten, verder te verdiepen. Daarnaast is de Unlimited Jaarkaart een start van een reeks aan bijzondere, verdiepende nieuwe ontwikkeling in ons atelier, die van jou een nog betere beeldhouwer gaan maken! 

De Alex & Simone Unlimited Jaarkaart is meer dan zomaar een abonnement; het is een reflectie van onze filosofie en een investering in jóuw creatieve welzijn. We geloven dat echte creativiteit gedijt bij consistentie en de ruimte om diep te duiken.

Mihaly Csikszentmihalyi, de psycholoog die het concept 'Flow' introduceerde, beschrijft het als die staat van opperste concentratie waarin je volledig opgaat in een activiteit. Tijd verdwijnt, zorgen vervagen, en alleen jij en je creatie bestaan. Deze momenten zijn essentieel voor ons welzijn en onze persoonlijke groei. Met de Jaarkaart willen we precies dát faciliteren:
  • Creëer vrijheid in drukte. In een wereld die steeds sneller gaat, is het een bewuste keuze om tijd te maken voor jezelf en je passie. De Jaarkaart neemt de drempel weg. Je hoeft niet elke keer na te denken over het kopen van een nieuwe kaart; je plek is er, altijd. Dit creëert een rustpunt in je week, een vaste afspraak met je creativiteit.
  • Dieper duiken in je projecten. Grote, complexe ideeën vragen om tijd en consistentie. Met een Jaarkaart kun je ongestoord werken aan langlopende projecten, wetende dat je lessen gegarandeerd zijn. Dit leidt tot een nog rijkere ontwikkeling van je vakmanschap en je artistieke expressie.
  • Word deel van de kernfamilie. Als jaarkaarthouder ben je een onmisbaar onderdeel van de Beeldhouwatelier Simone van Olst familie. Je bent een van de meest betrokken en loyale cursisten, en dat waarderen we enorm.
​Wat omvat jouw exclusieve Alex & Simone Unlimited Jaarkaart?
Met de jaarkaart investeer je in een heel jaar vol artistieke groei en plezier. Dit is wat je krijgt:
​

Jouw kernpakket - De basis voor succes:
  • 60 Lessen beeldhouwen. Ruim voldoende om meerdere projecten te realiseren, je technieken significant te verdiepen en écht te groeien als beeldhouwer.
  • 12 maanden geldigheid. Start flexibel wanneer het jou uitkomt; je kaart is een volledig jaar geldig vanaf je eerste les. Geen stress over vervaldata!
  • Onze aller-scherpste lesprijs: Slechts €24,17 per les! Dit is veruit de meest voordelige manier om bij ons te lessen, perfect voor de toegewijde beeldhouwer.
  • Totale investering: €1450,00 (eenmalige betaling voor een jaar lang onbeperkt voordeel).

Jouw exclusieve VIP-voordelen - omdat jij speciaal bent:
✓ 5% korting op materialen. Bespaar op al je stenen, beitels en andere benodigdheden uit ons atelier. Zo wordt experimenteren nog aantrekkelijker.
✓ 10% korting op speciale workshops & masterclasses. Verbreed je horizon met korting op ons aanvullende aanbod. Duik dieper in specifieke technieken of materialen.
✓ Voorrang bij inschrijving. Wees als eerste verzekerd van een plek bij populaire workshops met beperkte plaatsen. Mis nooit meer een kans om je vaardigheden uit te breiden.
✓ Persoonlijk voortgangsgesprek. Een exclusief 1-op-1 gesprek (30-45 min) met Alex of Simone om jouw ontwikkeling en doelen te bespreken. Jouw groei staat centraal.
✓ Welkomst- & loyaliteitsattentie. Een speciaal gebaar van waardering van ons voor jou, omdat jouw toewijding voor ons zo waardevol is.
✓ "Breng een vriend(in) mee" optie. Deel je passie en laat een vriend(in) eenmalig gratis kennismaken met het atelier tijdens jouw les. Samen creëren is nog leuker!

Altijd inbegrepen bij Beeldhouwatelier Simone van Olst:
✓ Deskundige begeleiding. Continue ondersteuning en advies van de ervaren beeldhouwers Alex Sluimer en Simone van Olst. Zij zijn toegewijd aan jouw persoonlijke groei als kunstenaar.
✓ Professioneel atelier & gereedschap. Vrij gebruik van ons goed uitgeruste atelier en een uitgebreid assortiment professioneel handgereedschap. Alle middelen die je nodig hebt, liggen voor je klaar.
✓ Veiligheid & comfort. Inclusief gebruik van veiligheidsbril, werkschort en handschoenen. Jouw comfort en veiligheid staan voorop.
✓ Inspirerende sfeer. Een warme, ondersteunende en motiverende omgeving om in te creëren, omringd door gelijkgestemde zielen.
Jouw plek in het atelier: lesdagen en tijden
Met de Jaarkaart kies je zelf wanneer jij je creativiteit de vrije loop laat. We bieden flexibele lestijden die passen bij diverse agenda's:
  • Dinsdagavond: 19:30 - 22:00 uur
  • Woensdagavond: 19:30 - 22:00 uur
  • Donderdag, vrijdag & zaterdag:
    • Ochtendsessie: 10:00 - 12:30 uur
    • Middagsessie: 13:30 - 16:00 uur
Meerdere lessen per dag koppelbaar, zodat je lekker de hele dag aan de slag kunt! Ideaal om volledig op te gaan in je project en het maximale uit je bezoek te halen.

Is de Alex & Simone Unlimited Jaarkaart de juiste keuze voor jou?
De Jaarkaart is perfect als je:
  • Een toegewijde beeldhouwer bent (of wilt worden) en regelmatig (gemiddeld 1-2 keer per week) wilt lessen om echt vooruitgang te boeken.
  • Een volledig jaar commitment wilt aangaan om serieus aan je vaardigheden te werken, zonder onderbrekingen.
  • Wilt profiteren van de allerlaagste lesprijs per uur en exclusieve extra voordelen.
  • Je artistieke ontwikkeling een serieuze impuls wilt geven met continue, deskundige begeleiding van Alex & Simone.
  • De rust en de focus van het beeldhouwen een vaste en voordelige plek in je leven wilt geven.
Begeleid door experts: Alex & Simone
Jouw creatieve reis wordt begeleid door Alex en Simone, wier gecombineerde ervaring en passie voor steenbeeldhouwen garant staan voor een leerzame en inspirerende ervaring. Zij zijn toegewijd aan jouw persoonlijke groei als kunstenaar, en met de Jaarkaart krijg je de mogelijkheid om een nog diepere band met hen en hun expertise op te bouwen.

Investeer in jouw passie - Kies voor de Beeldhouwatelier Simone van Olst Jaarkaart!
Dit is jouw kans om een jaar lang volop te beeldhouwen, te leren en te groeien in een stimulerende omgeving, met de beste prijs en de meeste voordelen. Laat dit jubileumjaar het jaar zijn waarin jij jouw creativiteit onbeperkt de vrije loop laat!

Ontdek alle details en schrijf je in op onze speciale Jaarkaart-pagina:
Heb je vragen of wil je overleggen welke optie het beste bij jou past? Neem gerust contact met ons op. We denken graag met je mee.
​

We kijken ernaar uit om jou een heel jaar lang te mogen inspireren en begeleiden in ons prachtige atelier. En wie weet, vieren we dan volgend jaar ons 11e jubileum samen!
Bestel hier je Alex & Simone Unlimited Jaarkaart!
0 Opmerkingen

Zomeracademie beeldhouwen

10/6/2025

0 Opmerkingen

 
Jouw creatieve zomer aan de kust en aan de rand van Leiden! 

Lieve kunstliefhebbers, zomergasten, en iedereen die droomt van een zomer vol inspiratie en ontspanning,

Stel je voor: de frisse zeewind door je haren, het geluid van de golven op de achtergrond, en de geur van zout op je huid. En de volgende dag? Je duikt in de rustgevende concentratie van ons lichte atelier, waar je met je handen in de steen duikt en je creativiteit de vrije loop laat. Klinkt dat niet als de perfecte zomer?
​

Bij Beeldhouwatelier Simone van Olst maken we die droom werkelijkheid met onze speciale Zomeracademie. Gelegen in het prachtige en centraal gelegen Leiden, bieden we jou de unieke kans om jouw passie voor beeldhouwen te combineren met een heerlijke vakantie aan de Nederlandse kust en een culturele ontdekkingstocht door onze historische binnenstad.
​​Jouw zomer: De perfecte mix van kunst, kust en cultuur
​

Onze Zomeracademie is speciaal ontworpen voor iedereen die de diepte van beeldhouwen wil ervaren, zonder in te leveren op de geneugten van een zomervakantie. Of je nu een beginner bent die de magie van steen wil ontdekken, of een ervaren beeldhouwer die een week lang intensief wil werken aan een nieuw project - wij bieden de ideale setting.

De unieke combinatie:
  • Vakantie aan zee. Onze ligging is ongeëvenaard. De bruisende badplaatsen Katwijk, Noordwijk en het chique Wassenaar liggen letterlijk 'om de hoek'. Binnen een kwartier tot twintig minuten rijd je van het atelier naar het strand! Dit betekent:
    • Begin de dag met een verfrissende strandwandeling of een duik in de Noordzee.
    • Laat de zeewind je hoofd leeg waaien na een intensieve ochtend in het atelier.
    • Geniet van heerlijke visgerechten in de strandpaviljoens na een productieve middag.
    • Beleef prachtige zonsondergangen over de branding.
    • Kortom: een vakantie aan de kust is direct binnen handbereik!
  • Historisch Leiden als thuishaven. Ons atelier bevindt zich in het hart van de regio, met de historische binnenstad van Leiden als je charmante uitvalsbasis. Leiden is meer dan alleen een studentenstad; het is een bruisend cultureel centrum met:
    • Musea in overvloed. Duik in de wereld van Rembrandt in Museum De Lakenhal, ontdek eeuwenoude beschavingen in het Rijksmuseum van Oudheden, of laat je verwonderen door de natuur in Naturalis. Er zijn talloze musea om je creatieve geest te voeden en nieuwe inspiratie op te doen voor je sculpturen.
    • Prachtige grachten en hofjes. Struin door schilderachtige straatjes, ontdek verborgen hofjes en geniet van de unieke sfeer die Leiden te bieden heeft. Perfect om uit te waaien na een intensieve lesdag.
    • Fantastisch shoppen. Van gezellige boetiekjes tot bekende winkelketens, Leiden biedt volop mogelijkheden om te winkelen en te genieten op de terrassen.
​De perfecte basis voor jouw creativiteit

Bij Beeldhouwatelier Simone van Olst zorgen we ervoor dat jouw creatieve week soepel en inspirerend verloopt.
  • Deskundige begeleiding. Simone van Olst en haar team staan garant voor persoonlijke en professionele begeleiding. Of je nu je eerste slagen in speksteen waagt, of een complexer project in albast of marmer aanpakt; je krijgt de aandacht die je nodig hebt.
  • Een plek om thuis te komen. Ons lichte en ruime atelier is jouw plek van rust en concentratie. Hier kun je ongestoord werken, omringd door andere enthousiaste makers.
  • Alles binnen handbereik. Wij zorgen voor een ruim assortiment aan stenen en gespecialiseerd gereedschap, zodat je direct aan de slag kunt.
  • Gratis parkeren op eigen terrein - Voor de deur! Dit is een enorm voordeel, zeker als je van verder weg komt en met de auto reist. Je parkeert gratis en direct voor de deur van ons atelier. Ons adres: Kenauweg 17A, 2331BA Leiden.

De Zomeracademie opties

Tijdens de Zomeracademie bieden we intensieve blokken aan, perfect om je volledig onder te dompelen in het beeldhouwen.
  • Driedaagse 'Knallen!' beeldhouw intensives. Speciaal voor jou die er echt even helemaal uit wil en diep wil duiken in de materie!
    • Donderdag, vrijdag en zaterdag, van 10:00 tot 16:00 uur.
    • Drie volle dagen 'knallen' aan jouw beeldhouw-project onder intensieve begeleiding.
    • Inclusief uitgebreide lunch op alle drie de dagen, zodat je ongestoord kunt doorwerken en je energie op peil blijft.
    • De perfecte manier om een grote stap te maken in je beeldhouw ontwikkeling en tegelijkertijd te genieten van de omgeving van Leiden en de kust.
    • Op zaterdag afsluitend een heerlijke borrel met elkaar om nog even na te praten voordat het weekend aan de kust een boekje op het strand wordt!
  • Strippenkaart flexibiliteit. Heb je al een strippenkaart? Dan kun je deze uiteraard ook gebruiken voor je zomerse lessen. Met kleine bijbetaling van €13,50 per dag voor de uitgebreide lunch. ​
​Waarom jouw zomeracademie bij ons?

  • Unieke combinatie. Nergens vind je de perfecte combinatie van intensief beeldhouwen, een relaxte vakantie aan zee en de culturele rijkdom van een historische stad.
  • Focus op creativiteit. Onze academie is gericht op jouw creatieve ontwikkeling en het plezier van het maken.
  • Optimale bereikbaarheid. Of je nu met de auto (gratis parkeren!) of het openbaar vervoer komt, ons atelier is makkelijk te bereiken, zelfs vanuit de verste uithoeken van Nederland en België.
  • Inspirerende community. Ontmoet gelijkgestemde zielen en word deel van onze bloeiende beeldhouw-familie.

Laat deze zomer de kans niet liggen om je creativiteit te laten bloeien. Combineer je passie voor beeldhouwen met een heerlijke week(end) vol ontspanning en ontdekkingen.
​

Klaar voor jouw creatieve zomer? Bekijk nu ons programma voor de Zomeracademie en schrijf je in. Jouw beeldhouw-avontuur wacht op je!
Ja, ik kom beeldhouwen deze zomer!
Heb je nog vragen? Neem gerust contact met ons op via WhatsApp 06-28568997 of [email protected]. We kijken ernaar uit je te verwelkomen voor een onvergetelijke zomer!
0 Opmerkingen

​Het alfabet van het universele: Waarom symbolen het hart van mijn werk en jouw werk zijn

5/6/2025

0 Opmerkingen

 
Als Simone van Olst draag ik het materiaal van steen niet alleen in mijn handen, maar ook in mijn ziel. De tijdloosheid van steen, de verhalen die het millennia lang in zich draagt, fascineren mij mateloos. Maar hoe vertel je met dit oeroude medium een hedendaags verhaal, een verhaal dat resoneert met de complexheid van onze tijd? Hoe doordrenk je een vorm met een betekenis die verder reikt dan de esthetiek? Het antwoord ligt diep verankerd in de kracht van symboliek in kunst - de onzichtbare taal die het hart van de mensheid verbindt.

In mijn boekenkast, naast werken over de anatomie van de mens en de geologie van de aarde, staat een schijnbaar droog, maar onmisbaar compendium: Henry Dreyfuss' Symbol Sourcebook: An Authoritative Guide to International Graphic Symbols. Dit boek, een encyclopedie van duizenden symbolen uit alle windstreken en domeinen – van religieuze iconen tot verkeersborden, van astronomische tekens tot industriële pictogrammen – is een goudmijn voor elke kunstenaar die zich wil verdiepen in visuele communicatie.
​

Maar de reden dat dit boek zo dierbaar is en zo vaak teruggrijp in mijn masterclasses, zoals "Schets naar Beeld", is niet alleen de inhoud. Het is de wetenschap dat het een sleutelrol speelde in het explosieve, zij het tragisch korte, leven van een van de meest invloedrijke kunstenaars van de 20e eeuw: Jean-Michel Basquiat. Zijn unieke benadering van storytelling in kunst en zijn meesterlijke gebruik van symboliek zijn voor mij een constante inspiratiebron en het Symbol Sourcebook was daarin een stille, maar krachtige medespeler.


​De strijdlustige dichter van de straten: Het korte, vurige leven van Basquiat


​
Het verhaal van Jean-Michel Basquiat is er een van een meteoor die door de kunstwereld schoot. Geboren in 1960 in Brooklyn, New York, uit een Haïtiaanse vader en een Puerto Ricaanse moeder, was hij al op jonge leeftijd een kind van twee werelden, gedoopt in de rijke culturele smeltkroes van New York. Zijn moeder, die hem op jonge leeftijd meenam naar kunstmusea, voedde zijn vroege creativiteit. Het trauma van een auto-ongeluk op zevenjarige leeftijd, gevolgd door het krijgen van Grey's Anatomy als ziekenhuiscadeau, plantte de zaden van een blijvende fascinatie voor de anatomie en de kwetsbaarheid van het menselijk lichaam, thema's die vaak terugkeren in zijn latere werk.

Afbeelding
Basquiat was een autodidact, een autodidactische intellectueel die de grenzen van de kunst niet alleen opzocht, maar ook herschreef. Op 17-jarige leeftijd verliet hij de middelbare school en zijn ouderlijk huis en stortte zich in de rauwe energie van Lower Manhattan's underground scene. Samen met zijn vrienden Al Diaz en Shannon Dawson begon hij de straten van New York te beplakken met poëtische, maatschappijkritische graffiti onder de tag "SAMO©" (Same Old Shit). Deze teksten, vaak doorspekt met anarchistische humor en scherp commentaar op consumentisme en racisme, waren al de eerste tekenen van zijn diepgaande narratief in zijn werk. Dit was zijn vroege artistieke visie die zich uitte in de openbare ruimte.

Het is in deze periode, de vroege jaren '80, dat ook mijn eigen interesse in kunst, en met name in street art, enorm groeide. De rauwe energie, de directheid en de maatschappelijke relevantie van deze kunstvorm spraken enorm tot mijn verbeelding. Het was een tijd van artistieke revolutie op straat, en Basquiat was daar een van de meest schitterende exponenten van. Het is dan ook niet zo verwonderlijk dat het Symbol Sourcebook, een testament van universele visuele communicatie, al sinds die tijd in mijn bezit is. Het is meer dan een naslagwerk; het is een stille getuige van mijn eigen jeugd, van een tijd waarin de wens om later als kunstenaar door het leven te gaan al heel groot was, en de vonk voor het creëren al volop aanwezig was.

​
Vanuit deze 'graffiti-kunst'-achtergrond explodeerde zijn carrière in de vroege jaren '80. Hij was nog maar 20 toen hij in 1980 debuteerde in "The Times Square Show", en de kunstwereld viel als een blok voor zijn energieke, rauwe en tegelijkertijd intellectuele werk. Hij combineerde invloeden van Pop Art, Expressionisme en tribale kunst met zijn unieke straatwijsheid en culturele achtergrond. Zijn schilderijen werden een symbool van het Neo-Expressionisme, een reactie op de koelte van het minimalisme.
Basquiat was een fenomeen. Hij werkte met ongelooflijke snelheid en productiviteit, vaak in een koortsachtige staat, (net als ik vaak, tot wanhoop van Alex, mijn arme man, en Imke, mijn arme redacteur) met meerdere doeken tegelijkertijd. Hij was een non-conformist, een rebel die de elitaire kunstwereld confronteerde met de realiteit van de zwarte ervaring en de rauwe energie van de straat. De vriendschap en samenwerking met Andy Warhol waren iconisch, een botsing van twee artistieke giganten. Echter, de roem en de druk eisten hun tol. Zijn strijd met heroïneverslaving intensiveerde, en na de dood van Warhol in 1987 gleed hij verder af. In augustus 1988, op slechts 27-jarige leeftijd, stierf Jean-Michel Basquiat aan een overdosis. Zijn dood liet een leegte achter, maar zijn werk, vol van symboliek, emotie en gelaagde betekenislagen, blijft onverminderd krachtig en relevant.
De codetaal van de meester: Basquiats gebruik van het Symbol Sourcebook

​
En hier komen we terug bij de Henry Dreyfuss' Symbol Sourcebook. Het is bekend dat Basquiat dit boek verslond. Hij sleepte het overal mee naartoe, las het als een roman, en absorbeerde de talloze universele tekens die erin werden gepresenteerd. Hij was een spons voor informatie, een bibliotheek op benen, en dit boek was een van zijn meest geliefde bronnen.
Wat deed Basquiat met dit boek, en waarom is dat zo inspirerend voor elke kunstenaar, inclusief de ambitieuze beeldhouwer?
  • Verdieping van narratief: Basquiat gebruikte symbolen niet om letterlijke verhalen te vertellen, maar om complexe narratieven in zijn werk te weven. Hij koos symbolen die resoneren met zijn thema's van racisme, identiteit, heldendom, dood en commercie. Een kroon, vaak gezien als een symbool van royalty of goddelijkheid, werd in zijn werk een herhaald motief, een erkenning van de zwarte figuren die hij als koningen en helden afbeeldde, in contrast met de marginalisering die ze in de samenleving ervaarden. Hij 'gaf' de kroon aan figuren als jazzmuzikanten en boksers, verheffende hun status.
  • Gelaagde betekenissen: Hij combineerde symbolen uit verschillende contexten, waardoor nieuwe, vaak ambigue, betekenislagen ontstonden. Een schedel naast een kroon, of een grafiet symbool naast een wetenschappelijk diagram. Dit dwong de kijker om dieper te graven en hun eigen interpretaties te vormen. Hij creëerde een visuele poëzie die even complex was als de stad waaruit hij kwam.
  • Visuele communicatie en beeldtaal: Dreyfuss' boek is gericht op universele visuele communicatie. Basquiat begreep de kracht van een enkel, herkenbaar symbool om direct een boodschap over te brengen, zelfs in een complexe, chaotische compositie. Deze symbolen werden onderdeel van zijn unieke beeldtaal, direct herkenbaar, zelfs voor degenen die onbekend waren met hun specifieke herkomst. Voor een beeldhouwer, die vaak met beperkte middelen en vormen werkt, is het essentieel om te begrijpen hoe een enkele, goed geplaatste lijn of vorm een krachtig symbool kan worden.
  • De her-contextualisering van symbolen: Basquiat nam symbolen uit hun oorspronkelijke context en plaatste ze in zijn eigen unieke, vaak rauwe, artistieke universum. Dit gaf de symbolen nieuwe betekenissen en scherpte de maatschappijkritiek in zijn werk. De doodskop, een universeel symbool voor sterfelijkheid, kreeg in zijn handen een extra lading van raciale onderdrukking en de vergankelijkheid van roem.
Afbeelding

​​De spirit van Afrika en de Caraïben: Robert Farris Thompsons Flash of the Spirit

Naast Dreyfuss' compendium was er nog een cruciaal boek dat Basquiat's denken en werk diepgaand beïnvloedde: Robert Farris Thompson's Flash of the Spirit: African & Afro-American Art & Philosophy. Dit boek was een openbaring voor Basquiat en veel van zijn tijdgenoten. Het bracht de rijke filosofie, esthetiek en spirituele praktijken van Afrikaanse en Afro-Amerikaanse culturen in kaart, en toonde de diepe verbindingen tussen Yoruba-spiritualiteit, jazz, en moderne kunst.
Wat leerde Basquiat en wat kunnen wij daaruit leren?
  • Culturele identiteit en erkenning: Thompson's werk gaf Basquiat een academisch kader en een diepere waardering voor zijn eigen Haïtiaanse en Afro-Caribische wortels. Het bevestigde de rijkdom en diepgang van zwarte culturen, vaak ondergewaardeerd in de westerse kunstgeschiedenis. Dit voedde zijn drang om zwarte figuren te eren en hun verhalen te vertellen.
  • Het spirituele in kunst: Flash of the Spirit benadrukt de spirituele dimensie in veel Afrikaanse kunst, waar vormen en symbolen niet alleen esthetisch zijn, maar ook rituele en transcendente betekenissen dragen. Basquiat integreerde dit concept in zijn eigen werk, waar zijn figuren, zelfs die met schedel gezichten, vaak een diepe spirituele of voorouderlijke aanwezigheid lijken te hebben. De energie in zijn werk voelt bijna ritueel aan.
  • Visuele retoriek van Afrikaanse kunst: Thompson analyseert de beeldtaal van Afrikaanse kunst, zoals de nadruk op textuur, herhaling, het gebruik van maskers en de representatie van het 'geestelijke oog'. Basquiat absorbeerde deze elementen en vertaalde ze naar zijn eigen context. Denk aan de herhaalde, vaak doorstreepte woorden, die een soort bezwering of ritmische chant kunnen vormen, vergelijkbaar met mondelinge tradities.
Samen vormden Dreyfuss' Symbol Sourcebook en Thompson's Flash of the Spirit een intellectueel en spiritueel fundament voor Basquiat, waardoor hij zijn artistieke visie kon verdiepen en een universele beeldtaal kon ontwikkelen die zowel persoonlijk als maatschappelijk relevant was. Hij was een meester in het synthetiseren van deze diverse invloeden tot zijn unieke artistieke eigenheid.
De eer van het vak: Waarom deze boeken in mijn atelier staan

Ik voel een diepe connectie met de zoektocht naar betekenis en expressie die Basquiat belichaamde. Het Symbol Sourcebook en Flash of the Spirit staan niet voor niets prominent in mijn atelier in Leiden en zijn onmisbare tools in de masterclasses die ik geef, zoals "Schets naar Beeld".
  • Verdieping van conceptontwikkeling: Net als Basquiat ben ik ervan overtuigd dat een krachtig kunstwerk begint met een diepgaand concept. Deze boeken bieden een schat aan inspiratie voor conceptontwikkeling en het creëren van symboliek en betekenislagen. Ik leer mijn studenten, zowel de (hobbymatige) beeldhouwers als de professionele kunstenaars, hoe zij deze visuele lexicons kunnen gebruiken om hun eigen verhalen te vertellen, of ze nu abstract of figuratief werken.
  • De universele taal van steen: Steen is een medium dat spreekt door de eeuwen heen. Door de principes van symboliek en narratief te begrijpen, kunnen beeldhouwers werken creëren die verder reiken dan de tijd. De robuustheid van de steen kan de tijdloze kracht van een symbool versterken, terwijl de textuur en de lijnen kunnen bijdragen aan de emotie in sculptuur.
  • Vrijheid in expressie: Basquiats werk, vol van her-contextualisatie en eigenzinnig gebruik van symbolen, moedigt non-conformiteit en artistieke eigenheid aan. Dit is een kernwaarde in ons atelier. Wij begeleiden jou, niet om onze stijl te kopiëren, maar om jouw unieke stem te vinden en te versterken. Dit is waar de begeleiding van Alex Sluimer en mij, Simone van Olst, essentieel is. Alex, met zijn encyclopedische kennis van materialen en technieken, helpt je de technische middelen te beheersen om jouw visionaire symbolen in steen te beitelen. Ik focus op het begeleiden van de emotionele en conceptuele diepgang, om ervoor te zorgen dat jouw sculptuur werkelijk jouw verhaal vertelt.
  • Kritische analyse en zelfreflectie: Net zoals Basquiat zijn bronnen verslond en her-interpreteerde, moedigen wij aan tot zelfreflectie op je creatieve proces en werk, en tot effectief feedback geven en ontvangen. De 'chaos schriftjes' die ik aanraad, zijn hierbij onmisbaar. Ze zijn jouw persoonlijke 'Symbol Sourcebook', een plek om je eigen visuele lexicon te ontwikkelen en je verhaal te analyseren.
De lessen van Basquiat, gevoed door boeken zoals Dreyfuss' Symbol Sourcebook en Thompson's Flash of the Spirit, zijn tijdloos. Ze herinneren ons eraan dat kunst een krachtig middel is voor communicatie, voor het uitdrukken van identiteit en voor het oproepen van diepe emotie. Het is een eerbetoon aan de menselijke behoefte om betekenis te creëren en deze te delen.
Voor elke ambitieuze beeldhouwer die zijn of haar werk wil doordrenken met deze diepgang, die wil dat de steen niet alleen gezien, maar ook gevoeld en begrepen wordt, is het moment van handelen aangebroken. Het is tijd om je te verbinden met een plek waar deze principes tot leven komen, waar je onder de begeleiding van meesters jouw unieke verhaal in steen leert beitelen.
0 Opmerkingen

Voorbij het zichtbare: Ruimtelijk inzicht in de Zomeracademie

4/6/2025

0 Opmerkingen

 
 Herzie je beelden met een nieuwe blik en mijn expertise
​
Als beeldhouwer met jarenlange ervaring in mijn atelier in Leiden heb ik duizenden kilo's steen bewerkt, van ruwe blokken tot verfijnde sculpturen. En in al die jaren heb ik één cruciale les geleerd die ik met jullie wil delen: de ware essentie van een krachtig beeld schuilt niet alleen in wat je eraan toevoegt, maar vooral in hoe je de ruimte begrijpt en gebruikt die je beeld omringt en doordringt.
​Dit is geen blog over 'hoe te hakken' of 'welke beitel te gebruiken'. Nee, dit gaat over de diepere laag van inzicht die een amateur onderscheidt van een meester. Het gaat over het trainen van je oog en je geest om je werk te zien zoals een architect een gebouw ziet: als een samenspel van massa en leegte, licht en schaduw, aanwezigheid en afwezigheid. Het is precies deze expertise die ik doorgeef in mijn intensieve Zomeracademie, en eerlijk gezegd, de plaatsen zijn schaars omdat de impact enorm is.
​De onbenutte ruimte: De stilte tussen de vormen
Vaak zie ik cursisten worstelen. Ze voegen toe, hakken, voegen weer toe, en het beeld wordt "vol". Maar zelden wordt het sprekend. Waarom? Omdat ze zich uitsluitend richten op de positieve ruimte – de massa van het beeld zelf. Ze vergeten de even belangrijke negatieve ruimte: de lege gebieden rondom het beeld, en net zo cruciaal, de openingen en uithollingen binnenin het beeld.

Stel je voor dat je een danser probeert te schilderen door alleen de huidskleur te gebruiken. Je mist de dynamiek van de beweging, de stroom van de stof, de leegte die de armen en benen omlijst. Bij beeldhouwen is het net zo. De ruimte tussen de arm en het lichaam, de opening die een gebogen knie creëert, de silhouetlijn van het beeld tegen de achtergrond – dit zijn allemaal actieve elementen die bijdragen aan de zeggingskracht van je werk.
Afbeelding
​Ik nodig je uit om je beelden - de beelden waar je nu mee bezig bent, of die al klaar zijn - met deze nieuwe blik te bekijken. Loop eromheen. Kruip eromheen. Ga op je knieën, ga op een krukje staan. Fotografeer ze vanuit ongebruikelijke hoeken. En stel jezelf deze vragen:
  • Hoe definieert de negatieve ruimte mijn positieve vormen? Is de leegte een actieve partner in het ontwerp, of is het slechts 'restruimte'?
  • Kan ik door het creëren van een opening of een uitholling, de suggestie van beweging, lichtheid of spanning vergroten?
  • Wat gebeurt er als ik de contourlijn van mijn beeld verander, zelfs maar minimaal? Hoe beïnvloedt dit de perceptie van het geheel?
  • Spreekt mijn beeld vanuit alle kanten? Of is er een "beste" kant waar alle aandacht naar toe gaat? Een meesterwerk is vanuit 360 graden boeiend.
Dit is waar mijn expertise binnenkomt. Ik leer je hoe je deze onzichtbare elementen niet alleen 'ziet', maar ook bewust manipuleert en integreert in je ontwerp. Dit is de kern van een krachtig ruimtelijk inzicht.
​De Zomeracademie: Duik diep in jouw beeldhouwkunst
Dit diepe inzicht in ruimte, licht en vorm is precies wat we aanpakken in mijn intensieve driedaagse Zomeracademie hier in Leiden. Dit zijn geen workshops waar je een kant-en-klaar stappenplan krijgt om een specifiek beeld te maken. Nee, dit zijn immersie-sessies die je denkproces als beeldhouwer transformeren.

Mijn benadering is uniek. Ik combineer praktische oefeningen met gerichte feedback en diepgaande discussies over de principes van driedimensionaal ontwerpen. We kijken niet alleen naar de buitenkant van je beeld, maar graven dieper:
  • De intentie achter de vorm: Wat wil je écht zeggen met dit beeld, en hoe kun je de vorm zo zuiver mogelijk maken om die boodschap over te brengen?
  • De dialoog met het materiaal: Hoe luister je naar de steen en laat je je inspireren door zijn unieke eigenschappen, terwijl je toch jouw visie realiseert?
  • Het ontwikkelen van jouw eigen 'beeldhouwersoog': Ik leer je mijn methoden om je werk kritisch te analyseren en te verfijnen, zodat je ook na de workshop zelfstandig je vaardigheden blijft ontwikkelen.
​Deze zomer is jouw kans om te putten uit mijn eindeloze hoeveelheid kennis en ervaring. Ik deel mijn geheimen, mijn valkuilen en mijn triomfen. Ik daag je uit om anders te kijken, anders te denken, en daarmee je beelden naar een niveau te tillen dat je misschien nooit voor mogelijk had gehouden.

Let op: de plaatsen voor de Zomeracademie zijn zeer beperkt en snel vol! Dit is geen marketingtruc; ik werk met kleine groepen om iedereen de persoonlijke aandacht en intensieve begeleiding te kunnen bieden die nodig is voor deze diepgaande transformatie. De vraag is groot, en de beschikbare plekjes voor deze zomer slinken met de dag. Meld je dus nu aan via
​deze link!


Als je het gevoel hebt dat je vastzit, dat je beelden net dat 'iets' missen, of als je gewoon je vaardigheden naar een hoger, meer verfijnd niveau wilt tillen, dan is dit jouw moment.
Afbeelding
Investeer in jezelf, investeer in je kunst. Het is tijd om voorbij het zichtbare te gaan en je beelden echt te laten spreken.
0 Opmerkingen

Een ode aan albast: De fluistering van licht en kleur in mijn handen

23/5/2025

0 Opmerkingen

 
In de wereld van steen, waar elke klopper en beitel een dialoog aangaat met het materiaal, is er één steensoort die mijn hart keer op keer sneller doet kloppen: albast. Het is niet zomaar een steen; het is een poëtische omarming van licht, kleur en transparantie. In mijn atelier in Leiden, waar de steenstof vaak danst in het zonlicht, staat albast centraal in vele van mijn creaties. De liefde voor deze steen sijpelt niet alleen door in de vloeiende lijnen en de zachte vormen die ik eruit haal, maar ook in de pure vreugde die ik voel bij elke snipper die valt.
Voor mij is albast een levend materiaal. Het is de steen die ademt, die het licht omhelst en transformeert. Wanneer ik een blok albast voor me heb, zie ik niet alleen een statische massa, maar een canvas vol potentiële nuances, een sluier die wacht om gelicht te worden. Het is een bijna meditatieve ervaring om te werken met een steen die zoveel inherent mysterie in zich draagt.
​De magie van Europese albast: Een kleurenpalet uit de aarde
Mijn primaire liefde, en de focus van veel van mijn werk, ligt bij de prachtige Europese albast. De variëteit aan kleuren en de vaak adembenemende transparantie zijn ongeëvenaard.
De meest bekende en geliefde vindplaatsen voor Europese albast zijn:
  • Spanje (Aragon). Dit is een van de meest productieve regio's voor albast. Hier vind je de klassieke, vaak doorzichtige tot doorschijnende witte en crèmekleurige variëteiten. Maar Spanje verrast ook met prachtige tinten van oker, zachtroze en zelfs subtiele grijstinten. De aderen en patronen in de Spaanse albast zijn vaak fijn en organisch, perfect voor beelden die zachtheid en beweging uitdrukken.
  • Italië (Volterra, Toscane). De albast uit Volterra is wereldberoemd en wordt al eeuwenlang gebruikt door beeldhouwers. Hier wordt voornamelijk de klassieke, bijna pure witte, doorschijnende albast gewonnen. Deze 'marmerachtige' albast is geliefd om zijn uniformiteit en zijn vermogen om licht prachtig te verspreiden. Daarnaast vind je er ook albast met fijne, delicate aderen in crème en zachtgeel. Naast Volterra zijn er nog meer prachtige soorten en vindplaatsen in Italië te vinden. 
  • Engeland (Cheshire). De Engelse albast, vaak uit de gebieden rond Newark en Chellaston, is bekend om zijn vaak roodbruine, oranje en roze tinten, veroorzaakt door ijzeroxiden. Soms is de albast hier meer opaak dan de Spaanse of Italiaanse varianten, maar de rijke, aardse kleuren zijn van een ongekende schoonheid.
Wat deze Europese albasten zo bijzonder maakt, naast hun prachtige esthetiek, is hun bewerkbaarheid. Het zijn relatief zachte steensoorten (ongeveer 2 op de schaal van Mohs), waardoor ze toegankelijk zijn voor zowel beginners als ervaren beeldhouwers. Ze laten zich prachtig raspen, vijlen en polijsten, en de doorschijnendheid komt pas echt tot leven na een grondige polijstbeurt. Dit is precies waarom albast zo prominent aanwezig is in mijn doorlopende cursussen en workshops. Ik wil mijn cursisten laten ervaren hoe vergevingsgezind en tegelijkertijd expressief dit materiaal kan zijn.
​De transparantie: Een licht op zichzelf
Het is de transparantie die albast onderscheidt van bijna elke andere steensoort. Wanneer je een dunne wand van gepolijste albast tegen het licht houdt, lijkt het te gloeien van binnenuit. Dit effect is betoverend en stelt je in staat om met licht als een integraal onderdeel van je sculptuur te werken.
In mijn beelden manipuleer ik vaak de dikte van de steen om variaties in lichtdoorlatendheid te creëren. Een dunne, bijna papierachtige sectie kan het licht volledig doorlaten, waardoor een etherisch effect ontstaat, terwijl een dikker deel een zachte, diffuse gloed behoudt. Dit spel met licht en schaduw, met doorschijnendheid en opaciteit, geeft albasten beelden een dynamiek en een levendigheid die je zelden in andere materialen vindt. Het is bijna alsof het beeld van binnenuit ademt, constant veranderend met de stand van het licht.
​Een wereld aan albast: Kleuren verder weg
Hoewel de Europese albast mijn primaire focus is vanwege de hoge kwaliteit en de ethische winstpraktijken, wordt albast ook gewonnen in andere delen van de wereld, en deze variëteiten brengen hun eigen unieke kleurenpaletten met zich mee:
  • Verenigde Staten (Colorado, Utah, Oklahoma). De Amerikaanse albast is vaak te vinden in indrukwekkende formaties en kan variëren van pure wit tot roze, rood, geel, oranje en zelfs diepe karmozijnrode tinten, veroorzaakt door de aanwezigheid van mineralen als hematiet en ijzeroxiden. Deze kleuren zijn vaak veel intenser en levendiger dan de meer pastelkleurige Europese varianten.
  • Mexico (Puebla, Tecali). Mexicaanse albast, vaak 'Tecali-albast' genoemd, staat bekend om zijn heldere, vaak doorschijnende groenachtige tinten, veroorzaakt door koperafzettingen. Daarnaast zijn er ook variëteiten in crème, honinggeel en lichtbruin. Deze groenige albast is bijzonder fascinerend en biedt een heel ander esthetisch spectrum dan de warmere Europese tonen.
  • Egypte. Historisch gezien was Egypte een belangrijke bron van albast, gebruikt voor vazen en sarcofagen in de oudheid. Deze Egyptische albast is vaak crème-wit tot lichtgeel, met kenmerkende gelaagde patronen.

Waarom zijn deze exotische kleuren dan niet algemeen verkrijgbaar in Nederland (en Europa)?
De redenen zijn vaak complex, een combinatie van logistiek, kosten en duurzaamheid:
  • Transportkosten. Het importeren van zware steenblokken van zo ver weg is extreem duur. De transportkosten alleen al maken het vaak onbetaalbaar voor reguliere verkoop aan hobbyisten en kleinere ateliers.
  • Winstmethoden en duurzaamheid. De winstmethoden in sommige van deze landen zijn niet altijd duurzaam of ethisch verantwoord, wat de commerciële import bemoeilijkt. Ik hecht persoonlijk veel waarde aan het werken met materialen die op een verantwoorde manier zijn gewonnen, en dat is gemakkelijker te garanderen bij Europese leveranciers.
  • Kwaliteitscontrole. Het is lastiger om de constante kwaliteit en transparantie te garanderen bij import van zo ver weg. Europese albast heeft een gevestigde reputatie en is vaak van een zeer consistente kwaliteit.
  • Culturele waarde en lokale markt. Veel van deze bijzondere albastkleuren worden lokaal gewonnen en verwerkt voor de eigen kunstnijverheid of export naar specifieke markten, waardoor ze niet breed beschikbaar komen op de algemene Europese markt.
De focus op Europese albast in mijn atelier is dus niet alleen een kwestie van voorkeur, maar ook van praktische overwegingen en een diep respect voor de herkomst van het materiaal.
​Albast en seleniet: Zusters van de gipsfamilie
Een veelvoorkomende vraag is: "Wat is het verschil tussen albast en seleniet?" Het is een uitstekende vraag, want de relatie is fascinerend en onthult een diepere geologische connectie.
Zowel albast als seleniet zijn variëteiten van het mineraal gips (CaSO₄·2H₂O). Ze zijn in wezen chemisch identiek, maar verschillen in hun kristalstructuur en uiterlijk:
  • Albast. Dit is de massieve, fijnkorrelige variëteit van gips. Het heeft een compacte, dichte structuur, waardoor het ideaal is om te beeldhouwen. De transparantie varieert van doorschijnend tot opaak, en de kleuren zijn zoals eerder beschreven. De dichtheid maakt het mogelijk om het tot een glad, glanzend oppervlak te polijsten, waardoor de doorschijnendheid optimaal tot zijn recht komt. Albast breekt conchoïdaal (schelpvormig), wat bijdraagt aan de bewerkbaarheid.
  • Seleniet. Dit is de kristallijne variëteit van gips. Seleniet vormt vaak grote, heldere, doorschijnende of transparante kristallen die vaak een perfecte splijting vertonen in dunne, flexibele bladen. Het is de 'doorzichtige' broer of zus van albast. Vanwege zijn splinterige aard en perfecte splijting is seleniet minder geschikt om te beeldhouwen in de traditionele zin. Natuurlijk, het kan wel maar vergt iets meer aandacht en beleid. Het wordt vaker gebruikt als decoratief mineraal of in spirituele praktijken vanwege zijn helderheid.

Overeenkomsten:
  • Beide zijn vormen van gips (calciumsulfaat dihydraat).
  • Beide zijn relatief zacht (2 op de schaal van Mohs).
  • Beide zijn doorschijnend tot transparant, vooral in dunnere platen of secties.

Verschillen:
  • Structuur. Albast is massief en compact; seleniet is kristallijn en bladvormig.
  • Bewerkbaarheid. Albast is uitstekend te beeldhouwen; seleniet splintert en splijt gemakkelijk en is niet geschikt om te hakken of te raspen. In ons atelier leren wij onze cursisten wel hoe je deze goed kunt “hakken” met een guts. 
  • Uiterlijk. Hoewel beide transparant kunnen zijn, heeft albast vaak een meer 'melkachtige' of 'bewolkte' doorschijnendheid met subtiele kleurnuances, terwijl seleniet vaak een 'glazige' helderheid heeft.
​
Het begrijpen van dit verschil is cruciaal voor iedereen die met steen wil werken, want het voorkomt frustratie als je per ongeluk een selenietkristal probeert te beeldhouwen!
​Werken met liefde: Waar moet je op letten bij albast?
​Albast is een genot om mee te werken, maar net als elke steen heeft het zijn eigenaardigheden. Mijn expertise, opgedaan in jaren van vallen en opstaan (en heel veel polijsten!), stelt me in staat om mijn cursisten de cruciale tips mee te geven die het verschil maken:
  1. Watergevoeligheid. Albast is een gipsgesteente en reageert op water. Langdurig contact met water kan het oppervlak dof maken of zelfs de structuur aantasten. Daarom werk je met albast vrij droog, en gebruik je weinig water bij het polijsten (tenzij je een specifiek nat schuurproces beheerst, maar dat is voor gevorderden). Schoonmaken doe je met een droge of licht vochtige doek, nooit wrijven.
  2. Breekbaarheid. Hoewel relatief zacht, kan albast bros zijn, vooral bij dunne wanden of onondersteunde uitsteeksels. Voorzichtigheid is geboden, vooral met de klopper. Ik leer je de juiste slagtechniek en hoe je de steen kunt ondersteunen om breuk te voorkomen.
  3. Kneuzing. Albast kneust snel, bewerking met klopper en beitel vergt voorzichtigheid. Gebruik altijd een kunsstof of houten klopper, nooit metaal. En voor je beitel geen tandbeitel (alleen als je heel ervaren bent) maar liever een rondeel of vlakbeitel. Liefst met aan het einde (waar je op slaat) een klopperkopje (een klein champignonvormig dopje) Deze zorgt voor demping in je steen zodat je geen kneuzingen krijgt. Witte plekken dieper in je steen. Deze zijn zeer ontsierend. 
  4. Krasgevoeligheid. Door zijn zachtheid is albast gevoelig voor krassen. Tijdens het bewerken is het belangrijk om schoon te werken en geen grof stof of gruis op het oppervlak te laten liggen dat krassen kan veroorzaken. Zelfs kleine korreltjes zand kunnen diepe sporen achterlaten.
  5. Het belang van polijsten. De ware schoonheid en transparantie van albast komen pas echt tot leven na een grondige polijstbeurt. Dit proces, van grof schuurpapier tot ultrafijn, is essentieel. Ik leer je de technieken om die spiegelgladde glans te bereiken die het licht zo prachtig vangt.
  6. Stofmanagement. Bij het bewerken van albast komt fijn, wit stof vrij. Dit kan irritatie veroorzaken aan de luchtwegen. Goede ventilatie is absolute noodzaak. Veiligheid in het atelier staat voorop.
  7. De 'verborgen' kleuren. Soms lijkt een albasten blok aan de buitenkant effen en onopvallend. Maar als je begint te hakken, kunnen er prachtige aderen, kleurverlopen of zelfs onverwachte kristallisaties verschijnen. Dit is het avontuur van albast: elke keer is het een verrassing wat de steen prijsgeeft. Dit versterkt de dialoog met de steen en leidt vaak tot de mooiste en meest unieke beelden.
​Een liefdesrelatie met de steen
Mijn fascinatie voor albast is geen toeval. Het is een steen die je uitdaagt om te voelen, te zien, te luisteren en te reflecteren. Het dwingt je tot precisie en respect. En in ruil daarvoor beloont het je met een ongeëvenaarde schoonheid en een gevoel van diepe verbinding met de aarde.
Deze bloemlezing, deze ode aan albast, is een uitnodiging. Een uitnodiging om zelf de magie van deze steen te ervaren. Of je nu een beginner bent die zijn eerste stappen zet, of een ervaren beeldhouwer die op zoek is naar verdieping, albast heeft altijd iets nieuws te bieden.
In mijn atelier in Leiden deel ik mijn diepe liefde en kennis van deze steen met mijn cursisten. Ik help je om de technieken te beheersen, de valkuilen te vermijden en de ware schoonheid van albast in jouw handen tot leven te laten komen. Want voor mij is albast meer dan alleen een materiaal; het is een venster naar creativiteit, een bron van oneindige inspiratie en een constante herinnering aan de pracht van de natuur.
​

Kom en ervaar zelf de fluistering van licht en kleur. Laat je leiden door de steen, en creëer iets blijvends moois. Jouw ode aan albast wacht om gehouwen te worden.
0 Opmerkingen

De dans met de steen: Waarom beeldhouwen leven geeft (en je nooit echt stopt met leren)

22/5/2025

0 Opmerkingen

 
Er zijn momenten in het leven waarop je je volledig één voelt met wat je doet. Voor mij, en voor Alex, is dat wanneer we omringd zijn door de steen, de geur van stof, en de rustgevende klank van de beitel, klopper en rasp in ons atelier in Leiden. Beeldhouwen is voor mij niet zomaar een ambacht; het is een diepgewortelde passie, een constante zoektocht naar vorm en expressie die mijn leven verrijkt en vormgeeft. Het is een proces dat je mentaal en fysiek uitdaagt en dat je de onbetaalbare les leert dat je nooit, maar dan ook nooit, uitgeleerd bent.

(Klik op de foto om deze te vergroten en helemaal te zien!)
​De essentie vangen: Mijn liefde voor vormstudie en vooronderzoek
Voordat de eerste beitel de steen raakt, gebeurt er iets magisch: de vormstudie en het vormonderzoek. Dit is de fase die ik zo ontzettend koester en waar mijn hart sneller van gaat kloppen. Het is het proces van het vangen van een idee, een gevoel, een beweging, en het langzaam verfijnen ervan tot de essentie overblijft.
​

Een beeld begint zelden met een perfect helder eindresultaat. Vaak is het een flits, een intuïtie, een waarneming. Een lichte, lange bruine albast kan me doen denken aan de complexiteit van een lichaam dat een transformatie doormaakt - van ziek en zwaar naar slank en veerkrachtig, met de littekens en de genezen plekken die het verhaal vertellen. Om zo'n abstract idee te vangen, duik ik in een diepgaand vooronderzoek:
  • Schetsen, schetsen, schetsen. Ik pak mijn schetsblok en begin te tekenen. Niet perfecte lijnen, maar snelle, intuïtieve schetsen vanuit verschillende hoeken. Hoe zou het eruitzien van boven? Van opzij? Welke beweging wil ik uitdrukken? Hoe verhoudt de positieve vorm zich tot de negatieve ruimte? Dit is een dans tussen mijn hand en mijn geest, een manier om het concept driedimensionaal te visualiseren voordat het fysiek bestaat.
  • Studies in klei, gips en plastiline. Dit is waar het idee echt vleugels krijgt. Ik pak een zacht, kneedbaar materiaal - klei, gips of plastiline - en begin te boetseren. Dit zijn mijn driedimensionale schetsen. Ik kan snel verschillende vormen uitproberen, volumes toevoegen of weghalen, de balans testen, de lichtval bestuderen. Als ik werk aan een abstractie die de complexiteit van een lichaamstransformatie wil vangen, begin ik met het creëren van holtes en gaten in de zachte materie, en zoek ik naar de vloeiende lijnen die de overgang van 'oud' naar 'nieuw' uitdrukken. Ik voel met mijn handen, roteer het model, speel met de schaduwen. Dit zijn cruciale stappen om de vorm te 'voelen' en te begrijpen voordat je die in de harde steen hakt. Het is de meest bevrijdende fase, waarin de mogelijkheden nog oneindig lijken en de ideeën vrij kunnen stromen.
​
Deze liefde voor vormstudie is de ruggengraat van mijn eigen werk en de kern van wat ik mijn cursisten bijbreng. Het is de brug tussen een abstract concept en een tastbaar kunstwerk.
​De vonk overslaan: Lesgeven als levenswerk
Mijn passie voor beeldhouwen is zo groot dat ik het niet voor mezelf kan houden. De liefde voor het lesgeven, voor het overbrengen van mijn kennis en kunde, is net zo diepgaand als mijn liefde voor de steen zelf. Het is een enorme voldoening om te zien hoe de vonk overspringt.
Tijdens mijn lessen, workshops, masterclasses en lezingen is mijn doel altijd hetzelfde: jou de tools en het vertrouwen geven om je eigen artistieke stem te vinden.
  • In de doorlopende cursus. Hier begeleid ik je wekelijks, stap voor stap. Of je nu je eerste snipper afhakt of worstelt met een complex marmeren project, ik ben er. Ik deel mijn diepgaande kennis over materialen, gereedschappen, technieken en de essentie van vorm. Ik zie het als mijn taak om je te begeleiden door de frustratie van een blokkade, om je te inspireren wanneer de moed je in de schoenen zinkt, en om je te leren luisteren naar de steen en naar je eigen intuïtie. De waarde die ik elke les geef aan mijn klanten zit niet alleen in de technische tips, maar ook in de aanmoediging, de gerichte feedback en de persoonlijke aandacht die ze krijgen.
  • De energie van workshops en masterclasses. Tijdens intensieve workshops en masterclasses duiken we dieper in specifieke onderwerpen. Dit zijn momenten van geconcentreerde groei, waar je in korte tijd enorme stappen kunt zetten. Ik geniet ervan om mijn expertise op een intensieve manier over te dragen, en te zien hoe cursisten in een paar dagen hun blik op beeldhouwen volledig transformeren.
  • Inspiratie in lezingen. In mijn lezingen deel ik niet alleen mijn kennis, maar vooral mijn verhaal en mijn filosofie. Ik neem je mee in de gedachten achter mijn werk en dat van andere, beroemde kunstenaars, de uitdagingen die ik tegenkom, en de lessen die ik leer. Het gaat erom te inspireren, om te laten zien wat er mogelijk is wanneer je je hart volgt.

De dynamiek in onze groepen is altijd bijzonder. Van absolute beginners die voorzichtig hun eerste snede maken, tot (ver)gevorderde kunstenaars die de grenzen van het materiaal opzoeken - iedereen leert van elkaar. De sfeer is er een van wederzijds respect en gedeelde passie. Het is een genoegen om deel uit te maken van zo'n levendige en ondersteunende gemeenschap.
​De unieke synergie: Samen creëren, samen genieten
Mijn artistieke reis zou niet compleet zijn zonder Alex. Onze samenwerking als beeldhouwers en als docenten, maar vooral als partners in het leven en in ons atelier, is een bron van constante vreugde en kracht. Ik geniet enorm van onze creatieve momenten om samen te beeldhouwen. Er is een diep begrip, een onuitgesproken communicatie die ontstaat wanneer we zij aan zij aan een project werken. De ene keer pakt de een de klopper, de andere keer de ander, en er is altijd een gedeeld doel en een gedeeld gevoel van voldoening.
​

Alex is mijn rots in de branding, letterlijk en figuurlijk. Terwijl mijn expertise ligt in het vormgeven en het artistieke proces, is Alex de meester van het materiaal, de techniek en de logistiek. Hij zorgt ervoor dat de zware blokken veilig op hun plek staan, dat het gereedschap perfect geslepen is, en dat de technische aspecten van het beeldhouwen soepel verlopen. Deze aanvulling is van onschatbare waarde voor mij, en voor al onze cursisten. Je kunt je volledig concentreren op je creatie, wetende dat alle praktische ondersteuning aanwezig is.
​De toekomst vormgeven: Jong volwassenen opleiden
Maar onze passie reikt verder dan alleen het begeleiden van onze wekelijkse cursisten. Een van de meest trotse aspecten van ons werk is het opleiden van jongvolwassenen in de kunst. Het is een privilege om jonge, enthousiaste geesten alles te leren over het lesgeven en hoe je als beeldhouwer/kunstenaar gaat groeien in je vak.

We begeleiden hen niet alleen in de technieken van het beeldhouwen, maar ook in de kunst van het lesgeven: hoe je een veilige en inspirerende leeromgeving creëert, hoe je feedback geeft die opbouwend is, en hoe je studenten stimuleert om hun eigen pad te vinden. We delen onze filosofie over het creatieve proces, de omgang met tegenslag, en de vreugde van de artistieke expressie.

Het is een ongelooflijk bevredigend gevoel om hen hun vleugels te zien uitslaan. Wanneer we ze zien groeien, niet alleen als beeldhouwers maar ook als inspirerende docenten, dan weten we dat we iets blijvends bijdragen aan de kunstwereld en aan de volgende generatie kunstenaars. Hun succes is ons succes, en het bewijs dat onze methode werkt.
​De dans gaat door: Altijd meer te leren, altijd meer te creëren
De reis van een beeldhouwer is een continue stroom van ontdekking. Elke steen vertelt een nieuw verhaal, elke techniek opent nieuwe mogelijkheden. Of je nu een beginner bent die zijn eerste stappen zet, een ervaren hobbyist die de grenzen wil verleggen, of een jonge professional die zijn eigen weg zoekt - de steen wacht altijd met nieuwe lessen.

Beeldhouwen is een constante uitnodiging tot diepgang, tot expressie, en tot een diepere verbinding met jezelf en de wereld om je heen. Het is een proces dat je mentaal scherpt, fysiek versterkt en emotioneel verrijkt. De rust in het atelier, de concentratie op de steen, de voldoening van het creëren - het zijn momenten die ik voor geen goud zou willen missen.

En in ons atelier in Leiden, met onze doorlopende cursussen en het flexibele strippenkaartsysteem, creëren we de perfecte omgeving om deze reis te omarmen. Stel je voor: je bent 's ochtends aan het werk, helemaal in de flow, en je kunt makkelijk besluiten om 's middags lekker door te gaan in je steen. Maximaal genieten, maximaal leren, maximaal creëren.

Ik geloof dat iedereen de potentie heeft om te beeldhouwen, om die innerlijke creativiteit te ontgrendelen. En ik, samen met Alex en ons geweldige team van toekomstige docenten & kunstenaars, staan klaar om je te begeleiden op deze prachtige, levenslange reis.

Kom en ervaar de diepe roep van de steen. Laat je leiden door de vorm, de kleur, de textuur. En ontdek hoe beeldhouwen niet alleen je handen vormgeeft, maar ook je ziel. Jouw meesterwerk, jouw verhaal, wacht op je.
0 Opmerkingen

"Ik ben niet goed genoeg": De mythe die je weerhoudt van beeldhouwen

22/5/2025

0 Opmerkingen

 
Ik hoor het zo vaak. De aarzeling in de stem aan de telefoon, de onzekere blik tijdens een open dag in ons atelier in Leiden. "Ik ben niet creatief," zeggen sommigen. "Ik heb geen beeldend inzicht," zeggen anderen. "Ik ben niet sterk genoeg om met steen te werken," is ook een veelgehoorde zorg, soms gekoppeld aan lichamelijke ongemakken. Er is een diepgeworteld geloof dat beeldhouwen alleen is weggelegd voor een selecte groep 'geboren kunstenaars' of mensen met uitzonderlijke fysieke kracht.

Als ik dan naar mijn eigen handen kijk, die duizenden kilo's steen hebben bewerkt, en naar de vele, vele cursisten die ik in de loop der jaren heb mogen begeleiden - van absolute beginners tot mensen die denken dat ze 'twee linkerhanden' hebben - dan weet ik dat deze gedachten niets anders zijn dan mythen. Hardnekkige mythen die je weerhouden van een van de meest bevredigende en aardse creatieve processen die er bestaan.
​

Laat me je vertellen, vanuit het hart van ons ruime, lichte atelier: iedereen kan leren beeldhouwen. En ik ben hier om je te laten zien hoe.

(Klik op de foto's om ze volledig te zien!)
​De angst voor het 'Niet goed genoeg' zijn: Waar komt het vandaan?
Die gedachte dat je niet 'goed genoeg' bent, komt vaak voort uit een paar specifieke bronnen:
  1. De 'Talent'-mythe. We denken dat creativiteit een aangeboren talent is, iets wat je hebt of niet hebt. In werkelijkheid is creativiteit, net als een spier, iets dat je kunt trainen en ontwikkelen. Het is een vaardigheid, geen magische gave.
  2. Vergelijken met anderen. We zien voltooide, perfecte kunstwerken in musea of op sociale media en voelen ons geïntimideerd. We vergeten de jaren van oefening, de fouten, de lessen die daaraan voorafgingen.
  3. Onbekendheid met het proces. Beeldhouwen lijkt van buitenaf misschien complex en ontoegankelijk. Je ziet de eindvorm, maar niet de stappen, de gereedschappen, de technieken die het mogelijk maken.
  4. Lichamelijke zorgen. Vooral de angst voor de fysieke belasting van steenhouwen kan een enorme drempel zijn. "Is dit wel iets voor mij, met mijn rugklachten?" of "Ik ben niet sterk genoeg om die steen te tillen of te hakken."


Laten we deze mythen doorbreken en je laten zien hoe de werkelijkheid in ons atelier is.
Mythen ontkrachten: Zo beeldhouwt iedereen (echt waar!)
​

Mythe 1: "Ik heb geen beeldend inzicht / Ik ben niet creatief"
Dit is veruit de meest voorkomende zorg, en het is de gemakkelijkste om te ontkrachten. Beeldend inzicht is niet iets wat je 'hebt', het is iets wat je ontwikkelt. En creativiteit is een proces, geen vaststaand kenmerk.
  • Praktisch beginnen. In ons atelier beginnen we met eenvoudige, toegankelijke materialen zoals speksteen. Dit is een zachte steensoort die je met handgereedschap – vaak zelfs zonder klopper – kunt bewerken. Je hoeft geen ingewikkelde vormen te visualiseren; je begint met een blok en leert de basisprincipes van vorm en volume door te voelen en te doen.
  • De steen als gids. Ik moedig mijn cursisten altijd aan om te beginnen met luisteren naar de steen. Elke steen heeft een natuurlijke vorm, een structuur, soms zelfs een kleurverloop dat al een suggestie geeft. Het gaat er niet om dat je een perfect beeld in je hoofd hebt en dat dwingend uit de steen haalt. Het gaat erom dat je een dialoog aangaat met het materiaal. Misschien zie je een organische welving, of een hoek die om een scherpere lijn vraagt. Dat is al beeldend inzicht in actie!
  • Stap voor stap ontwikkelen. We werken met duidelijke, praktische oefeningen die je stap voor stap meenemen in het proces. Van het begrijpen van positieve en negatieve ruimte tot het creëren van harmonie en balans. Je zult zien hoe je 'beeldhouwersoog' zich week na week, les na les ontwikkelt. Je gaat details zien die je eerst over het hoofd zag, en oplossingen vinden die je eerder niet voor mogelijk hield. En dat is diepgang. En daar help ik je bij!
Voorbeeld: Een cursist kwam eens binnen en zei: "Ik kan niet eens een rechte lijn tekenen, laat staan iets driedimensionaals maken." Na een paar lessen, waarin we werkten aan het vereenvoudigen van vormen en het voelen van volumes, maakte ze een prachtige, abstracte vorm die perfect in balans was. Ze had niet 'gezien' wat ze moest maken, maar ze had gevoeld wat de steen vroeg. Dat is de essentie van beeldend inzicht.
​Mythe 2: "Ik ben niet sterk genoeg / Ik heb lichamelijke ongemakken"
Dit is een terechte zorg, maar in ons atelier hebben we de kennis en de hulpmiddelen om hier perfect mee om te gaan. Beeldhouwen is niet per se een kwestie van brute kracht. Het is eerder een kwestie van techniek, efficiëntie en slim werken.
  • Materiaal keuze. We beginnen vaak met zachtere steensoorten zoals speksteen of albast, die relatief gemakkelijk te bewerken zijn en minder fysieke kracht vereisen. Zelfs marmer kan met de juiste techniek en het juiste gereedschap verrassend toegankelijk zijn.
  • Techniek boven kracht. Ik leer je de juiste lichaamshouding, de meest efficiënte slag met de klopper, en de beste manier om je gereedschap te gebruiken. Dit minimaliseert de fysieke belasting en maximaliseert je effectiviteit. Je leert hoe je het gewicht van je lichaam kunt gebruiken, in plaats van alleen spierkracht.
  • Ergonomisch werken. We hebben in ons ruime atelier in Leiden verschillende werkbanken en opstellingen die aangepast kunnen worden aan jouw lengte en houding. Als je staat werkt, is het essentieel dat je comfortabel staat en dat je steen op de juiste hoogte is. Dit helpt klachten te voorkomen.
  • Aanpassing voor lichamelijke ongemakken. Dit is een punt waar onze expertise echt uitblinkt. Ik heb jarenlange ervaring met het begeleiden van cursisten met diverse lichamelijke ongemakken, van rugklachten tot gewrichtsproblemen.
    • Zitten of staan. We kunnen kijken of zitten voor jou comfortabeler is, en daar de werkplek op aanpassen.
    • Gereedschap keuze. Er zijn lichtere kloppers, beitels met ergonomische handvatten, en zelfs speciale gereedschappen die het werk lichter maken. We bespreken samen wat het beste bij jouw situatie past.
    • Pauzes en ritme. Ik moedig altijd aan om naar je lichaam te luisteren en voldoende pauzes te nemen. Het gaat niet om snelheid, maar om duurzaamheid en plezier.
    • Kleinere projecten. We kunnen ook werken met kleinere stenen of projecten, zodat de belasting beheersbaar blijft en je toch de voldoening van het creëren ervaart.
Voorbeeld: Een cursist met ernstige reuma dacht dat beeldhouwen onmogelijk was voor haar. Na een gesprek over haar beperkingen hebben we een aangepaste werkplek ingericht en gekozen voor zeer zachte steen en lichter gereedschap. Ze werkte langzaam, nam veel pauzes, maar het resultaat was een prachtig, gevoelig beeld. Het ging niet om kracht, maar om precisie en doorzettingsvermogen, aangepast aan haar mogelijkheden.
​De doorlopende cursus: Jouw steunpilaar in het proces
Onze doorlopende cursus in Leiden is speciaal ontworpen om deze drempels weg te nemen en je te begeleiden, ongeacht je startniveau of fysieke gesteldheid.
  • Op jouw tempo. Er is geen druk om snel resultaat te boeken. Je werkt op je eigen tempo, aan je eigen projecten, onder mijn begeleiding. Dit is cruciaal voor beginners die nog onzeker zijn en de tijd nodig hebben om te wennen aan het materiaal en de gereedschappen.
  • Persoonlijke begeleiding. Met kleine groepen krijg je de persoonlijke aandacht die je nodig hebt. Ik sta naast je, beantwoord je vragen, geef gerichte feedback en help je door de momenten van twijfel heen. Ik help je die 'blokkades' te zien als leerzame momenten, in plaats van struikelblokken.
  • Alle expertise onder één dak. Ik deel mijn enorme kennis en ervaring over alle aspecten van het beeldhouwen: van materiaalkeuze en gereedschapsonderhoud tot geavanceerde technieken en artistieke expressie. En ja, ook over hoe je omgaat met lichamelijke beperkingen. Je hoeft het wiel niet opnieuw uit te vinden; ik help je op weg.
  • Een inspirerende omgeving. Ons ruime atelier in Leiden is een plek waar je je direct thuis voelt. Er hangt een sfeer van concentratie, creativiteit en onderlinge steun. Je bent omringd door andere enthousiaste cursisten, van absolute beginners tot meer ervaren beeldhouwers. Het delen van ervaringen, het zien van elkaars werk – dat is enorm stimulerend en helpt je te realiseren dat je niet alleen bent in je proces.
  • Alle materialen en gereedschappen. Je hoeft niet direct te investeren in duur gereedschap. In het begin kun je gebruikmaken van het gereedschap van het atelier, en we kunnen je adviseren bij eventuele aankopen later.
Het beste advies: Begin gewoon!
De grootste belemmering is vaak de angst om te beginnen. De gedachte "wat als het niet lukt?" of "wat als ik het verkeerd doe?" Mijn advies is simpel: begin gewoon. Die eerste slag met de klopper en beitel, die eerste snipper die wegvliegt – dat is het moment waarop de magie begint. Het is een tastbaar proces, en dat is zo bevrijdend. Je werkt met je handen, je bent volledig in het moment. Het is een oase van rust in een drukke wereld.

Denk niet te veel na over het 'perfecte' resultaat. Denk aan het plezier van het proces, het ontdekken van de mogelijkheden van de steen, het voelen hoe de vorm langzaam onder je handen ontstaat.
Het is zo gaaf om te zien hoe mensen opbloeien in ons atelier. Hoe hun onzekerheid langzaam verdwijnt en plaatsmaakt voor trots en voldoening. Hoe ze de moed vinden om te experimenteren en hun eigen unieke stem te vinden in de steen.

Die twijfel die je nu voelt, is de allereerste stap op weg naar iets nieuws. Het is een uitnodiging om uit je comfortzone te stappen en iets te ontdekken waarvan je nooit dacht dat je het kon.
Dus, als je nieuwsgierig bent, als die gedachte aan beeldhouwen blijft kriebelen, laat die onzekerheid je dan niet langer tegenhouden. Ons atelier in Leiden staat open voor iedereen. Met onze expertise, onze aangepaste aanpak voor lichamelijke ongemakken, en de warme, ondersteunende sfeer, kunnen we jou begeleiden op jouw beeldhouwreis.​


Ben je klaar om die mythe te ontkrachten en de betoverende wereld van het beeldhouwen te ontdekken? Neem contact met ons op voor de doorlopende cursus. We kijken ernaar uit je te verwelkomen en je te laten zien hoe bijzonder het is om met steen te werken!
Er zijn nog maar beperkt aantal plaatsen om gelijk te starten of in september, dus wacht niet te lang!

Klik hier voor aanmelding!
0 Opmerkingen

De kunst van het kijken: ruimtelijk inzicht begint met vertraging

21/5/2025

0 Opmerkingen

 
In een wereld waarin alles snel moet – waarin we scrollen, klikken, posten en dóórrennen - vraagt beeldhouwen iets radicaal anders van ons: vertraging. Beeldhouwen begint namelijk niet met een beitel of een steen, maar met kijken. Echt kijken. En dat is iets wat we vaak vergeten te oefenen.
In deze blog neem ik je mee in een andere manier van denken over ruimtelijk inzicht. Geen tips of trucjes, maar een uitnodiging om het proces zelf te vertragen en te verdiepen. Want hoe beter je leert kijken, hoe helderder je vormen worden - van buiten én van binnen.
Afbeelding
Kijken als eerste gereedschap
Als beeldhouwer werk je met massa en ruimte, met licht en schaduw, met vorm en tegenvorm. Maar vóór je iets tastbaars maakt, moet je het eerst zien. Niet zomaar “zien” in de alledaagse zin - maar met aandacht, met verwondering.
Ruimtelijk inzicht ontstaat wanneer je leert kijken zonder meteen te willen maken. Wanneer je jezelf de tijd geeft om te begrijpen wat je ziet, in plaats van direct te reageren.
De stilte vóór de vorm
Neem een eenvoudige oefening: een wc-rol met een paar uitgesneden vormen, op een wit vel papier. Zet er een lamp op en kijk naar de schaduw. Dat lijkt niets bijzonders. Maar als je het serieus neemt, ontdek je een wereld aan nuances. Wat zie je echt? Waar buigt de vorm? Hoe verandert de schaduw als je het object draait? Hoe voelt de ruimte tussen het licht en het donker? Dit soort oefeningen zijn geen trucjes. Ze brengen je terug naar een staat van waarnemen - zonder oordeel, zonder haast. En juist daar begint jouw ruimtelijk meesterschap.
"De steen vertelt je iets. Maar alleen als je stil genoeg bent om te luisteren."​
Niet weten is een kracht
Veel mensen zeggen: “Ik heb geen ruimtelijk inzicht.” Maar wat ze vaak bedoelen is: ik heb nog niet geleerd om met aandacht te kijken. Ruimtelijk inzicht is niet iets waarmee je geboren wordt of niet. Het is iets wat groeit door nieuwsgierigheid en geduld. Door het durven aangaan van niet-weten. Bijvoorbeeld tijdens modeltekenen. Niet om een perfect lichaam na te bootsen, maar om te onderzoeken: hoe zit dat been eigenlijk aan dat bekken vast? Hoe loopt de spanning door de ruggengraat? Elk lichaam is een landschap.
Ruimtelijk inzicht is een innerlijk proces
Wat er van buiten zichtbaar wordt in steen, ontstaat van binnen. Hoe meer je je openstelt voor wat er is, hoe sterker je werk wordt. Niet omdat je de ‘juiste’ techniek toepast, maar omdat je ruimte geeft aan het proces. Ruimtelijk inzicht is dan niet langer iets technisch - het wordt een manier van zijn. Van in de wereld staan met open ogen.
Afbeelding
De waarde van vertraging
In mijn atelier zeg ik vaak: “Langzaam is sneller.” Want wanneer je vertraagt, zie je méér. Je ziet dat een fout in verhouding al begint bij het kijken, niet bij het hakken. Je voelt dat een sculptuur zijn kracht niet haalt uit perfectie, maar uit balans - en die balans ontdek je alleen door aandacht. Of je nu een beginnende of gevorderde beeldhouwer bent: neem je tijd. Ga wandelen met je werk. Bekijk het in ochtendlicht en in avondlicht. Leg je gereedschap soms bewust neer en kijk alleen maar. Maak foto’s, draai ze om, en zie het met frisse ogen.
Zin om dit zelf te ervaren?
Tijdens de tweedaagse workshop Schets naar Beeld duiken we precies in dit proces. Geen haast, geen druk. Wel: kijken, voelen, onderzoeken en vormgeven. We gaan samen van observatie naar expressie - en van waarnemen naar beeld.

Laat het beeld ontstaan in de stilte van je aandacht. En ontdek hoe jouw manier van kijken de wereld vormgeeft – in steen, in lijnen, in ruimte.
0 Opmerkingen
<<Vorige

    Simone van Olst

    Beeldhouwer, begeleider kunstenaars, museum lover, organisator culturele projecten, kunstlezingen, schrijver.

    Archief

    Juni 2025
    Mei 2025
    April 2025
    Maart 2025
    Februari 2025
    Januari 2025
    December 2024
    November 2024
    September 2024
    Februari 2022
    Januari 2022
    December 2021
    November 2021
    Oktober 2021
    September 2021
    Juni 2021
    December 2020
    November 2020
    Oktober 2020
    September 2020
    Oktober 2019
    Juni 2019
    Oktober 2018
    September 2018
    Juni 2018
    Mei 2018
    December 2016
    November 2016
    Oktober 2016
    September 2016
    Augustus 2016
    Juli 2016
    Juni 2016
    Mei 2016
    April 2016
    Maart 2016
    Februari 2016
    Januari 2016
    December 2015
    November 2015
    Oktober 2015
    September 2015
    Augustus 2015
    April 2015
    Maart 2015
    Januari 2015
    December 2014
    November 2014
    September 2014

    Categorie

    Alles
    Abstractie
    Balans
    Beelden
    Beeldhouwen
    Compositie
    Creativiteit
    Diepte En Perspectief
    Doe Het Zelf
    Emotionele Inhoud
    Energie
    Exposities
    Genieten
    Hygge
    Inspiratie
    Kristal
    Kunstroute
    Lagom
    Narratief
    Negatieve Ruimte
    Productiviteit
    Rust
    SamStone
    Schilderkunst
    Sculptuur
    Slaap
    Slapen
    Speksteen
    Textuur
    Waxinelichtje
    Workshop
    Zelfliefde

    RSS-feed

Neem contact op of kom langs:


Foto

atelier

Kenauweg 17a
2331 BA Leiden
Openingstijden

Telefoon & WhatsApp

06-285 68 997

E-mail

[email protected]

KVK nummer: 57186820
Btw identificatienummer: NL001980586B04