SIMONE VAN OLST
  • Home
  • Beelden
    • Beelden 1
    • Beelden 2
    • Beelden 3
    • Exposities
    • Werk in opdracht
  • Workshops
    • Bedrijfsworkshop
    • Studenten
    • Lezingen met workshop >
      • Masterclass: Schets naar Beeld
      • Masterclass: Chaos Schriftje methode
      • In de voetsporen van Henry Moore
      • Metamorfose volgens Arp
      • De natuur volgens Barbara Hepworth
      • Revolutie in Vorm
    • Groepsworkshops
    • Thematische verdiepingsworkshops >
      • Masterclass: Botanisch beeldhouwen 5 dgn
      • Masterclass: Anatomische torso 5 dgn
      • Natuurlijke vormen
      • Organische vormen
      • Torso uit ruwe vorm
      • Uit je Bolletje
      • Schaal maken
      • Vogel maken
      • Beeldhouwen tijdens Kerst
    • Wiskundige verdiepingsworkshop >
      • Masterclass: Drieknoop (Lemniscaat)
      • Binnenstebuiten: Dubbele Hol & Bol
      • Dubbele Lemniscaat
      • Modulelessen: Verdieping
      • Möbiusband één draai
      • Möbiusband vier draai
      • Open Olöide
    • Boek jouw creatieve zaterdag
  • Cursussen
    • Informatie cursussen >
      • Kies jouw strippenkaart!
      • Boek jouw proefles!
    • Ontdek Alex & Simone Unlimited
    • Mastermind: Masters in Steen
    • Winteracademie
    • Zomeracademie
  • Agenda
  • Blogs
  • Boeken
    • Natuur beeldhouwen in steen
    • De kunst van anatomisch beeldhouwen
    • Ontdek: Schets naar Beeld
  • Webshop
    • Cadeaubon
  • Contact
    • Projecten >
      • Publicaties
    • Inspiratienieuws
    • Over ons >
      • Openingstijden
      • Vakantieschema
      • Vacatures
      • ​Beeldhouwwerk voor film, TV en producties
      • Groendecorateurs
    • Veel gestelde vragen
    • Winkel, materialen & service
    • Algemene voorwaarden >
      • Privacyverklaring
      • Cookieverklaring

Symmetrie in beeldhouwkunst is een mythe die je creativiteit blokkeert

26/2/2026

0 Opmerkingen

 
In ons atelier aan de Kenauweg in Leiden heerst vaak een stilzwijgende wet onder beginnende makers: de wet van de liniaal. Men meet de afstand van de neusvleugel naar de kaaklijn, de breedte van de schouders en de exacte plaatsing van de navel ten opzichte van de bekkenrand. De angst om 'fout' te zitten is groot. Maar wie streeft naar mathematische perfectie, streeft onbewust naar de dood van het beeld.

Mijn naam is Simone van Olst, en in deze eerste blog in aanloop naar onze Anatomische torso vijfdaagse masterclass in mei 2026, werpen we de heilige huisjes van de klassieke symmetrie omver. We gaan onderzoeken waarom die perfecte spiegeling je beeld saai maakt en hoe je juist door 'dynamic imbalance' het leven in de steen activeert.
De neurologische valstrik van perfectie
Wanneer we naar een object kijken dat perfect symmetrisch is, treedt er in ons brein een proces op dat we 'processing fluency' noemen. Onze hersenen zijn geprogrammeerd om patronen te herkennen en te vereenvoudigen. Een symmetrische vorm is voor de visuele cortex extreem makkelijk te verwerken; de linkerzijde vertelt ons immers alles wat we over de rechterzijde moeten weten. Het resultaat? Het brein registreert de vorm, vinkt het af als 'gezien' en schakelt over naar een andere prikkel. In de kunsttheorie noemen we dit de esthetische onverschilligheid.

In de masterclass in mei leren we je dat schoonheid niet zit in de afwezigheid van fouten, maar in de aanwezigheid van karakter. Het menselijk lichaam is in essentie asymmetrisch. Kijk maar eens goed in de spiegel: de ene oogkas ligt vaak net iets dieper, de mondhoek krult aan één kant sterker omhoog en de borstkas vertoont altijd een lichte torsie. Dit is geen 'imperfectie' in de negatieve zin van het woord, maar de weerslag van een leven in beweging. Wanneer jij in je albast of marmer die absolute symmetrie nastreeft, haal je de menselijkheid uit de steen. Je maakt een paspop, geen sculptuur.
steunbeen
Dynamic imbalance: de kracht van de 'croissant'
In onze lessen gebruiken we vaak de metafoor van de croissant voor de lovehandles of de welving van de heup. Stel je nu voor dat je een torso hakt waarbij de figuur op één been steunt — de klassieke contraposto. Op dat moment gebeurt er iets magisch met die croissants. Aan de kant van het steunbeen wordt de croissant samengedrukt; de massa wordt compacter, de plooien dieper, de spanning in de 'huid' van de steen groter. Aan de andere zijde, het speelbeen, wordt de croissant juist uitgerekt; de vorm wordt langer, zachter en minder gedefinieerd.
Dit noemen we dynamic imbalance. Het is het moment waarop de massa van de steen reageert op een innerlijke kracht of een externe zwaartekracht. Als je beide heupen hetzelfde zou hakken, zou het beeld statisch aanvoelen, alsof het bevroren is in een vacuüm. Door de ene kant meer 'druk' te geven dan de andere, creëer je een visuele frictie die de toeschouwer dwingt om te blijven kijken. Het brein probeert de balans te herstellen, en in die poging ontstaat de dialoog tussen het kunstwerk en de kijker. In mei gaan we vijf dagen lang trainen om deze drukverschillen niet alleen te zien, maar ook daadwerkelijk in de vingers te krijgen.
anatomie torso
De academische onderbouwing van de afwijking
Wetenschappelijk onderzoek naar esthetische voorkeuren toont aan dat lichte asymmetrie de 'aesthetic arrest' verlengt. We zijn biologisch geprogrammeerd om alert te zijn op afwijkingen. Een kleine inconsistentie in de anatomie — misschien een schouder die net iets te ver naar voren staat of een 'rookworstje' bij de navel dat door een draaiing van het lichaam asymmetrisch wordt — activeert onze aandachtssystemen.

Dit heeft te maken met de gestaltpsychologie. Onze hersenen willen een geheel maken van wat ze zien. Bij een perfect symmetrisch beeld is dat proces direct klaar. Bij een asymmetrisch beeld moet de toeschouwer 'werken'. Hij moet om het beeld heen lopen om de balans vanuit een andere hoek te begrijpen. Je activeert hiermee de pariëtale kwab, die verantwoordelijk is voor ruimtelijk inzicht en beweging. Je beeld wordt daarmee een fysieke ervaring in plaats van een statisch object.
onnatuurlijke anatomie
Waarom de liniaal je grootste vijand is
Aan de bok in ons atelier zie ik vaak cursisten met een schuifmaat in de weer. Ze willen de anatomische waarheid 'vangen' door getallen. Maar anatomie in de kunst is geen wiskunde; het is architectuur onder spanning. Als je de linkerarm precies zo lang maakt als de rechterarm, negeer je het feit dat perspectief en houding de visuele lengte veranderen.
​

Tijdens de Masterclass in mei leren we je het liniaal weg te leggen en te vertrouwen op je haptische autoriteit. Je leert voelen of een vorm 'klopt' binnen het krachtenveld van het beeld. Een 'baguette' van een arm die iets korter is gehakt maar de juiste spierspanning vertoont, is geloofwaardiger dan een arm die anatomisch exact is maar de 'vitaliteit' mist. We zoeken naar de 'psychological truth' in plaats van de medische waarheid.
De steen als mede-auteur van de asymmetrie
​
De steen zelf is onze grootste bondgenoot in het doorbreken van de symmetrie. In albast en marmer zitten aders, kleurverschillen en insluitingen die je nooit symmetrisch kunt dwingen. Een professionele beeldhouwer gebruikt deze natuurlijke 'fouten' om de asymmetrie van de vorm te ondersteunen.

Stel je voor dat er een donkere ader precies door één van de 'mandarijnpartjes' van de borst loopt. In plaats van te proberen dit weg te werken, kun je de anatomie zo aanpassen dat de draaiing van de torso de aandacht naar die ader trekt, waardoor de asymmetrie een bewuste artistieke keuze wordt. Je werkt niet op de steen, maar met de steen. De beperking van de materie dwingt je om de symmetrie los te laten en te luisteren naar wat het blok je vertelt.
anatomie expressie
torque anatomie
De spanning van de afwijking in de praktijk
Hoe pas je dit nu toe? Het begint bij de opzet. In de vijfdaagse masterclass starten we niet met een statische houding. We zoeken naar de 'torque': de wringing in het lichaam. Wanneer de schouderlijn en de bekkenlijn niet meer parallel lopen, is de symmetrie definitief gebroken. Op dat punt begint het echte beeldhouwen.

Je moet dan beslissingen nemen over waar de massa zich verzamelt en waar deze zich uitrekt. Je gaat op zoek naar de 'spanning van de afwijking'. Elke beitelsteek moet die innerlijke dynamiek ondersteunen. Het is een proces van constante correctie van de balans. Je creëert een wankel evenwicht dat alleen standhoudt door de kracht van de compositie. Dat is het meesterschap waar we in mei naar streven.

De rol van de toeschouwer en de spiegelneuronen
Als een kijker voor jouw asymmetrische beeld staat, gebeurt er iets interessants in hun eigen lichaam via de spiegelneuronen. De kijker voelt de asymmetrische spanning van de 'croissants' en de 'baguettes' in hun eigen spierstelsel. Omdat de vorm niet in rust is, wordt de toeschouwer ook niet 'in rust' gelaten. Er ontstaat een fysieke resonantie.

Dit is de reden waarom beelden van de grote meesters na honderden jaren nog steeds mensen tot tranen roeren. Het is niet de perfectie die raakt, maar de herkenbaarheid van de strijd met de zwaartekracht, de draaiing van de rug en de lichte scheefheid van de houding. In de masterclass leren we je hoe je deze neurologische verbinding tussen beeld en toeschouwer bewust tot stand brengt.
Durf de 'fout' te omarmen
De mythe van de symmetrie is een veilige haven voor wie nog niet durft te varen op de open zee van de eigen waarneming. Maar meesterschap aan de Kenauweg betekent dat je die veilige haven verlaat. Je ruilt de liniaal in voor je intuïtie, de perfectie voor de dynamiek en de rust voor de spanning.

In de Anatomische torso vijfdaagse masterclass in mei 2026 gaan we dieper dan ooit tevoren. We gaan de structuren van het lichaam decoderen en ze vervolgens weer opbouwen tot een levend, asymmetrisch geheel. Je leert hoe je de 'Dynamic Imbalance' inzet als je krachtigste instrument en hoe je een beeld maakt dat niet alleen wordt gezien, maar ook wordt gevoeld.

Ben je klaar om je beelden te laten ontwaken uit de slaap van de perfectie? Wil je de regie nemen over de visuele frictie en de haptische waarheid van de steen ontdekken? Dan is mei het moment. Wees voorbereid op een transformatie van je werk, waarbij we de klassieke kaders afbreken om ruimte te maken voor werkelijk, bezield meesterschap.
Wil je deze diepte zelf ervaren en je techniek naar een professioneel niveau tillen? Meld je dan nu aan voor de Anatomische torso vijfdaagse masterclass in mei 2026. De plekken zijn beperkt, omdat we in kleine groepen werken om de maximale kennisoverdracht en persoonlijke begeleiding te garanderen.
0 Opmerkingen

De grote verbinding: hoe eén reis naar Parijs Hepworth de leider van de abstracte revolutie maakte

25/2/2026

0 Opmerkingen

 
Man, man, man. Als er iets is wat de kunstgeschiedenis keer op keer bewijst, dan is het wel dat echte creativiteit geen eiland is. Zeker niet in de modernistische periode.

Mijn naam is Simone van Olst, welkom op mijn blog. We hadden het er al uitgebreid over: de ongelooflijke, allesbepalende ontmoeting die Barbara Hepworth en Ben Nicholson hadden met Constantin Brâncuși in april 1933. Die ene middag in zijn chaotische, maar serene atelier in Parijs was de ultieme katalysator.

Maar die reis was meer dan Brâncuși alleen. Het was een blikseminslag van internationale ideeën, een intellectuele vuurdoop die Hepworth en Nicholson definitief wegtrok van het conservatieve Britse kunst establishment.

Het gevolg? Ze sloten zich aan bij de meest georganiseerde, meest ambitieuze club van abstracte kunstenaars ter wereld: "Abstraction-Création".

En dat is precies waar we vandaag de diepte ingaan. Want die overstap, het lidmaatschap van deze internationale beweging, veranderde niet alleen hun biografie, het legitimeerde de abstractie in Groot-Brittannië, en gaf Hepworth de vrijheid om die ene, radicale stap te zetten: het gat.

Dit is een essentieel hoofdstuk voor iedereen die bij ons in het atelier in Leiden met steen werkt en denkt over de reden waarom je een vorm abstract maakt. Het gaat om je manifest.
Parijs 1933: de pelgrimage naar de zuiverheid
Laten we de context nog even scherp krijgen. Begin jaren dertig was Groot-Brittannië nogal laag-frequent als het op radicale kunst aankwam. De kunstwereld was terughoudend, de traditie van figuratie was sterk. Hepworth en Nicholson wisten dat hun zoektocht naar abstractie – naar de zuivere, non-objectieve vorm – internationaal moest worden gevalideerd en gevoed. Ze hadden gelijk: je moet de chaos in je eigen hoofd en atelier soms toetsen aan de orde van de grotere wereld.

Ze reisden naar Parijs, het kloppend hart van de modernistische revolutie, en bezochten daar de drie meest invloedrijke, en toch totaal verschillende, kunstenaars van dat moment. Dit was hun creatieve studiereis.
De drie vonken die de Britse scène aanstaken
Vonk 1: Constantin Brâncuși
Zoals we al bespraken, stond Brâncuși voor de absolute essentie. Zijn sculpturen waren meditatieve objecten, teruggebracht tot de oervorm: de ei-vorm, de kolom, de vlucht. De les die Hepworth hier leerde, was de absolute waarheid van het materiaal en de noodzaak om de vorm te strippen tot zijn meest fundamentele, tijdloze kern. Hij gaf hen de filosofische basis voor abstractie: je verwijdert de representatie om de waarheid te onthullen. Zonder deze basis was de stap naar de volgende twee figuren veel te groot geweest.

Vonk 2: Jean (Hans) Arp en Sophie Taeuber-Arp
Dit echtpaar was cruciaal. Hans Arp introduceerde de biomorfe (organische) vorm die Hepworth zo sterk beïnvloedde. Sophie Taeuber-Arp bracht een rationele, geometrische abstractie vanuit haar achtergrond in textielontwerp, wat haar tot een sleutelfiguur maakte in de constructieve kunst. Hun samensmelting van organische en geometrische abstractie was een perfecte les voor Hepworth.


Voor Hepworth, die zo verbonden was met de natuur van Cornwall, was Arp cruciaal. Brâncuși gaf haar de perfecte geometrie; Arp gaf haar de perfecte organische chaos. Hij liet zien dat abstractie niet alleen maar strakke Mondriaan-achtige lijnen hoefde te zijn, maar ook de natuurlijke, onvoorspelbare welving van een lichaam of een rots kon vangen. Dit is het begin van Hepworths vermogen om geologie en het lichaam in één vorm te vangen.

Vonk 3: Pablo Picasso
Hoewel Picasso geen puur abstracte kunstenaar was zoals de anderen, was zijn invloed op de modernisten gigantisch. Zijn cubisme en zijn latere, vaak grillige sculpturale assemblages, gaven Hepworth de radicale toestemming om de regels te overtreden.

Picasso liet zien dat je de werkelijkheid mocht fragmenteren, uit elkaar trekken en weer in elkaar zetten op een totaal nieuwe, persoonlijke manier. Hij toonde de mentale vrijheid om materiaal en vorm te manipuleren zonder je gebonden te voelen aan de traditie.

Dit zette de deur open voor Hepworth om later, toen ze groter ging werken en met brons en assemblages, haar materialen te combineren en de vorm te breken met haar iconische gaten.
Abstraction-Création: het manifest van de orde
Na deze creatieve overdosis in Parijs wisten Hepworth en Nicholson: ze stonden niet alleen. Ze waren onderdeel van iets groters dan de Britse Eilanden. Ze moesten zich aansluiten bij de organisatie die deze ideeën bundelde. En zo geschiedde: ze sloten zich aan bij Abstraction-Création.
Maar wat was Abstraction-Création? Deze beweging werd in 1931 in Parijs opgericht, grotendeels als een protest tegen het Surrealisme. Terwijl de surrealisten (Denk aan Dalí of Miró) zich stortten op het onderbewuste, de droom en de psychoanalyse (de chaos), stond Abstraction-Création voor:
  • Constructieve kunst. Kunst moet rationeel zijn, gebaseerd op geometrie, structuur en constructie.
  • Non-objectieve kunst. De kunst mag geen verwijzing hebben naar de observeerbare werkelijkheid. De vorm is de realiteit.
  • Zuiverheid en orde. Een terugkeer naar de heldere, logische, universele taal van de abstractie.

​Dit was de perfecte omgeving voor Hepworth en Nicholson. Zij, die met hun methodische discipline de chaos van hun brede inspiratie wilden beheersen (denk weer aan mijn ‘chaos schriftjes’ en Hepworths ‘recepten’), vonden hier de intellectuele en artistieke structuur die ze nodig hadden.
sculptuur gat barbara hepworth rijksmuseum
De wereldwijde familie
Het lidmaatschap van Abstraction-Création plaatste Hepworth onmiddellijk in een wereldwijd pantheon van modernistische zwaargewichten:
  • Piet Mondriaan (Nederland)
  • Wassily Kandinsky (Rusland/Duitsland)
  • Theo van Doesburg (Nederland – die de term 'Konkrete Kunst' lanceerde)
  • Sonia Delaunay (Frankrijk)

​Door zich bij deze groep aan te sluiten, claimden Hepworth en Nicholson niet alleen een plek aan de internationale tafel, ze importeerden de radicaliteit van het Europese continent direct naar het Verenigd Koninkrijk.

Dit was een daad van artistieke moed en logistieke intelligentie. Ze begrepen dat kunst ook over netwerken en communicatie gaat. Door hun werk in de jaarlijkse publicaties (Cahiers d'Art) van de groep te laten zien, werd Hepworths werk niet langer beoordeeld door de lokale, conservatieve Britse critici, maar door de meest vooruitstrevende geesten ter wereld.
De fysieke vertaalslag: het manifest in de steen
Wat is nu het directe, fysieke gevolg van dit lidmaatschap en de Parijse vonken? Het is de definitieve, onomkeerbare sprong van Hepworth in de pure, constructieve abstractie. De meest concrete vertaling van de filosofie van Abstraction-Création én de invloed van Brâncuși en Arp zie je in haar doorbraakwerk van 1934: de eerste geperforeerde sculpturen.
sculptuur barbara hepworth
Het gat: abstractie, constructie en leegte.  Het gat (de holte) is de ultieme manifestatie van Abstraction-Création in het driedimensionale vlak.
  • Het is abstract. Het is geen gat in een figuur of een portret. Het is een gat in een vorm die alleen over vorm gaat (Brâncuși's ovaal).
  • Het is constructief. Het gat is niet destructief. Het is structureel. Het definieert de overgebleven massa en bouwt een relatie op met de omgeving. Het is letterlijk een constructie van de leegte.
  • Het is biomorf/organisch. Hoewel rationeel, volgt het vaak de zachte, organische lijnen die ze van Arp leerde, waardoor het toch verbonden blijft met de natuur, maar nu op een gezuiverd, universeel niveau.​
​Door het gat te maken, bevrijdde Hepworth zichzelf definitief van de figuur en de traditie. Ze creëerde een non-objectief sculptuur dat zijn eigen realiteit was. Ze nam de sereniteit van Brâncuși’s ei, en injecteerde er de dynamiek, de beweging en de verbinding met de ruimte in. Dit was haar persoonlijke manifest in steen.
De verbintenis met de chaos-orde balans
Dit alles is de perfecte illustratie van de spanning die jij en ik zo goed kennen: de balans tussen chaos en orde.
  • De chaos. De brede, allesomvattende, ADHD-achtige inspiratie (Picasso's vrijheid, Arp's organische vormen, de zee, de kosmos).
  • De orde. De noodzaak om die chaos te kanaliseren via een rigoureuze structuur (Abstraction-Création, de 'recepten', de wiskunde van de snaren).

Je kunt alleen radicaal abstractie bedrijven als je een ijzersterke discipline hebt. De leden van Abstraction-Création waren geen vrije vogels; ze waren methodische denkers die de ultieme vrijheid vonden in de strikte regels van de geometrie en de ratio.

Dat is de les die ik jullie, bezoekers van ons atelier, wil meegeven. Als je met je speksteen of albast begint, denk dan niet dat je maar wat doet. Je bent bezig met een universele constructie. Je bent bezig met het zuiveren van je idee totdat alleen de absolute, non-objectieve waarheid overblijft. En dat doe je door controle uit te oefenen op de materie.
Van Parijs naar Leiden: ons eigen manifest
De erfenis van Abstraction-Création en de Parijse ontmoeting van 1933 is levend en actueel in ons Beeldhouwatelier in Leiden.

Jij bent, of je het nu beseft of niet, onderdeel van die internationale beweging die streeft naar de helderheid van de vorm.
​
  • Jouw steen is universeel. De albast die je bewerkt, is net zo goed een constructief, abstract object als de beelden die Brâncuși of Hepworth maakten.
  • Jouw holte is jouw manifest. Het gat dat je in een stuk speksteen maakt, is jouw antwoord op de leegte en de chaos van de wereld. Het is jouw constructie.
beeld barbara hepworth
Die reis naar Parijs gaf Hepworth het netwerk en de moed om de abstracte revolutie in het Verenigd Koninkrijk te leiden (denk aan het opzetten van de groep Unit One). Ze liet zien dat je lokale roots (Cornwall) perfect kunt combineren met een universeel, constructief manifest.

De kunst is niet alleen maar het bewerken van de steen; het is de intellectuele en fysieke verbinding met deze geschiedenis. Door te weten hoe Hepworth de absolute zuiverheid zocht bij Brâncuși en de organische flow bij Arp, kun je met veel meer focus en diepgang aan jouw eigen werk beginnen.
Neem de sprong: word lid van de constructieve beweging
Je weet nu dat Hepworth niet zomaar abstract werd. Het was een bewuste, weloverwogen, en methodische keuze die werd gevoed door de absolute top van de internationale kunstscene in 1933.
Wil jij ook die zuiverheid, die constructieve kracht, en die absolute helderheid in jouw werk bereiken? Kom dan naar ons atelier in Leiden!

Meld je aan voor een workshop of pak een strippenkaart en laat ons je begeleiden bij het schrijven van jouw eigen, stenen manifest. We geven je de ‘recepten’ en de intellectuele munitie om met een ongekende focus aan je sculptuur te werken.
​

Sluit je aan bij de constructieve beweging in ons atelier. Ontdek de kracht van jouw eigen, abstracte waarheid.
0 Opmerkingen

Lijn, licht, stilte

24/2/2026

0 Opmerkingen

 
Lieve kunstvrienden, zoekers naar de essentie, en bewonderaars van de stille kracht,

Ik ben Simone van Olst, en vandaag wil ik het met jullie hebben over een kunstenaar wiens werk mij al jaren mateloos fascineert en diep inspireert: Ad Dekkers (1938-1974). Misschien is zijn naam niet bij iedereen direct bekend, en zijn kunst – op het eerste gezicht – van een bijna ascetische eenvoud. Maar juist in die eenvoud, in die ongelooflijke precisie en subtiliteit, schuilt een wereld van diepgang, onderzoek en een bijna poëtische schoonheid. Zijn werk is het ultieme bewijs van het adagium "less is more". Maar vergis je niet: die eenvoud lijkt misschien makkelijk, maar is o zo moeilijk te bereiken. Het is het resultaat van een intense focus, een diepgaand begrip van vorm en ruimte, en een ongekend meesterschap over materiaal en techniek.

Elke keer als ik een werk van Ad Dekkers zie, of het nu in het Kröller-Müller Museum is, het Stedelijk Museum Amsterdam, of in een van de prachtige boeken over zijn oeuvre (zoals die van Carel Blotkamp), word ik getroffen door de stilte die het uitstraalt. Het is kunst die je dwingt om te vertragen, om écht te kijken, om je open te stellen voor de minieme verschuivingen van licht en schaduw, voor de spanning van een ingesneden lijn, voor de vibratie van een nauwelijks van het achtervlak loskomend geometrisch element. Voor mij als beeldhouwer, en zeker als iemand die met de weerbarstige materie steen werkt, is Dekkers' oeuvre een constante bron van inspiratie en een herinnering aan de kracht van precisie en de zoektocht naar de pure, uitgekristalliseerde vorm.

In deze blog wil ik je meenemen in mijn fascinatie voor Ad Dekkers. We duiken in zijn leven en werk, onderzoeken wat zijn kunst zo bijzonder maakt, hoe hij de kunstwereld heeft beïnvloed, en bovenal, hoe zijn visie ons vandaag de dag nog steeds kan inspireren en hoe we zijn werk levend kunnen houden.
sculptuur ad dekkers
Twee identieke vormen, afgeleid uit een kubus (1971) Ad Dekkers, foto van Metzemaekers Kunstmakelaardij
Ad Dekkers: een leven gewijd aan de pure vorm en het subtiele spel
Ad Dekkers werd geboren in Nieuwpoort in 1938 en overleed helaas al op jonge leeftijd in 1974 in Gorinchem. In zijn relatief korte, maar uiterst productieve carrière, heeft hij een oeuvre nagelaten dat een unieke en belangrijke plaats inneemt in de Nederlandse naoorlogse kunst. Hij studeerde aan de Academie voor Beeldende Kunsten in Rotterdam, een periode waarin de Nederlandse kunstwereld volop in beweging was. De echo's van De Stijl en het Bauhaus waren nog voelbaar, en nieuwe internationale stromingen als het minimalisme en de concrete kunst begonnen aan invloed te winnen.

Dekkers voelde zich aangetrokken tot deze zoektocht naar abstractie, naar helderheid, naar een kunst die ontdaan was van alle overbodige franje en die zich concentreerde op de fundamentele beeldende elementen: lijn, vorm, vlak, kleur (of het ontbreken daarvan) en de interactie met licht en ruimte. Hij vond zijn eigen, unieke stem niet in de schilderkunst of de traditionele vrijstaande sculptuur, maar in het reliëf. Het reliëf, dat intrigerende tussengebied tussen het tweedimensionale vlak en de driedimensionale ruimte, werd zijn voornaamste werkterrein.
De essentie van Dekkers' kunst: de illusie van eenvoud, de realiteit van diepgang
Wat maakt een werk van Ad Dekkers nu zo herkenbaar en zo bijzonder?
  • Het reliëf als medium. Dekkers koos bewust voor het reliëf omdat het hem in staat stelde om met minimale middelen een maximale ruimtelijke en perceptuele ervaring te creëren. Zijn werken zijn vaak opgebouwd uit een basisvlak waarop of waarin hij geometrische vormen – cirkels, vierkanten, driehoeken, lijnen – aanbracht. Deze vormen komen soms slechts enkele millimeters naar voren, of zijn juist flinterdun ingezaagd in het oppervlak.
  • Monochroom wit: het canvas voor licht en schaduw. Een van de meest opvallende kenmerken van Dekkers' werk is zijn consequente gebruik van monochroom wit. Dit was geen toevallige keuze. Het wit neutraliseert de afleiding van kleur en legt alle nadruk op de vorm, de structuur, en – cruciaal – de interactie met het licht. Zijn witte reliëfs worden als het ware bespeeld door het licht; de geringste verandering in lichtinval creëert een ander spel van subtiele schaduwen, waardoor de ingezaagde lijnen en de minimale hoogteverschillen van de vlakken tot leven komen. Licht en schaduw worden actieve, vormgevende elementen.
  • De lijn als incisie. De lijn is bij Dekkers zelden een getekende of geschilderde lijn op een vlak. Het is vaker een fysieke ingreep: een scherpe, precieze zaagsnede in het materiaal. Deze ingesneden lijn is niet alleen een scheiding tussen vlakken, maar ook een vanger van schaduw, een element dat diepte en reliëf suggereert, hoe minimaal ook. Het is een lijn die je niet alleen ziet, maar bijna kunt voelen.
  • Geometrische basisvormen. Dekkers werkte met de meest elementaire geometrische vormen. De cirkel in het vierkant, het vierkant in de cirkel, de deling van een vlak door een of meer lijnen – het zijn thema's die hij in talloze variaties en series onderzocht. Het ging hem niet om de symbolische betekenis van deze vormen, maar om hun pure visuele en ruimtelijke eigenschappen en hun onderlinge relaties.
  • Serialiteit en systematiek. Veel van zijn werken maken deel uit van series waarin hij een bepaald formeel probleem of een specifieke geometrische constellatie systematisch onderzocht. Er zit een grote logica en een bijna wetenschappelijke precisie in zijn aanpak.
  • De bedrieglijke eenvoud. Op het eerste gezicht lijken Dekkers' werken misschien eenvoudig, kaal, of zelfs ‘makkelijk’. Maar wie beter kijkt, en zich verdiept in zijn proces, ontdekt de enorme intelligentie, de gevoeligheid en het ongelooflijke vakmanschap dat erachter schuilgaat. Elke lijn, elke verhouding, elke subtiele overgang is het resultaat van intense studie en uiterst precieze uitvoering. Het is een eenvoud die alleen bereikt kan worden door een meesterlijke beheersing van de middelen en een diep doorvoeld begrip van de formele principes. Dáárin schuilt de moeilijkheid en de genialiteit.
Het creatieve proces: van tekening tot minutieus uitgevoerd reliëf
Achter de serene perfectie van Dekkers' reliëfs ging een intensief en methodisch creatief proces schuil.
  • ​De rol van de tekening. Tekeningen speelden een cruciale rol in zijn werk. Het waren niet zomaar voorstudies, maar autonome onderzoekingen naar lijn, vlakverdeling en compositie. In zijn tekeningen, vaak uitgevoerd met een bijna mechanische precisie, verkende hij de mogelijkheden van zijn geometrische systemen voordat hij ze vertaalde naar de driedimensionaliteit van het reliëf.
  • Materiaalkeuze en -bewerking. Dekkers werkte voornamelijk met hout en later met polyester, materialen die hem in staat stelden om de gewenste strakheid en precisie te bereiken. De afwerking was altijd onberispelijk, de witte verflaag perfect dekkend en egaal, zodat niets de aandacht afleidde van de pure vorm en het spel van licht en schaduw.
  • Een meditatieve precisie. Het maakproces zelf moet een oefening in geduld en concentratie zijn geweest. Elke zaagsnede, elke verlijming, elke schuur- en verfbeurt moest met de grootst mogelijke zorgvuldigheid worden uitgevoerd. Het getuigt van een enorme toewijding aan zijn artistieke visie.
schilderij ad dekkers
Verdeeld vierkant gefreesd in vierkant (1973) Ad Dekkers, foto van Metzemaekers Kunstmakelaardij
De betekenis van Ad Dekkers voor de kunstgeschiedenis
Ad Dekkers heeft, ondanks zijn vroege overlijden, een indrukwekkende en blijvende bijdrage geleverd aan zowel de Nederlandse als de internationale kunstgeschiedenis. Zijn werk wordt gerekend tot de meest zuivere en consequente vormen van geometrische abstractie uit de twintigste eeuw, en zijn invloed reikt verder dan zijn relatief kleine oeuvre doet vermoeden.

Hij wordt gezien als een pionier van het minimalisme en de concrete kunst in Nederland. In zijn werk is een duidelijke verwantschap te zien met het gedachtegoed van De Stijl, met name in het streven naar helderheid, harmonie en essentie. Tegelijkertijd gaf Dekkers hier een geheel eigen, verstilde en uiterst precieze invulling aan. Zijn beeldtaal is ingetogen, maar krachtig, en getuigt van een diepgaande concentratie op vorm, maat en verhouding.

Wat Dekkers een bijzondere positie geeft binnen de kunst, is zijn focus op het reliëf. Daarmee bevindt zijn werk zich op het snijvlak van schilderkunst en sculptuur. Zijn objecten zijn geen schilderijen in traditionele zin, maar ook geen beelden zoals we die klassiek kennen. Juist in die spanning tussen vlak en ruimte, tussen licht en schaduw, ontstaat de poëtische kracht van zijn werk.
​
Zijn consequente onderzoek naar de meest fundamentele beeldende middelen – lijn, vorm, ritme en verhouding – heeft een duidelijke invloed gehad op latere generaties kunstenaars en ontwerpers. Door te streven naar een pure, bijna objectieve schoonheid wist hij een beeldtaal te ontwikkelen die niet trendgevoelig is. De focus op universele geometrische principes en de subtiele werking van licht maakt zijn werk tijdloos. Ook vandaag voelt het fris, relevant en verrassend actueel.
Ad Dekkers vandaag: een bron van stille inspiratie (vooral voor ons steenbeeldhouwers!)
Hoe kan het werk van een kunstenaar die voornamelijk witte, minimalistische reliëfs maakte, ons als steenbeeldhouwers vandaag de dag inspireren? Op verrassend veel manieren!
  1. De onschatbare waarde van precisie in steen. Dekkers' bijna obsessieve aandacht voor precisie is een enorme inspiratie. In de steenbeeldhouwkunst, waar elke slag met de beitel telt en waar je materiaal wegneemt dat je niet meer kunt terugbrengen, is precisie geen luxe maar een noodzaak. Het streven naar een perfecte lijn, een zuiver vlak, een exacte hoek – Dekkers laat zien hoe dit kan leiden tot werk van grote kracht en helderheid.
  2. Licht en schaduw als jouw voornaamste "materiaal" in steen. Misschien nog wel belangrijker is Dekkers' meesterschap over licht en schaduw. Als steenbeeldhouwer werk je in feite constant met licht. De manier waarop je de oppervlakken van je steen bewerkt – ruw, glad, gepolijst, met ingesneden lijnen of subtiele niveauverschillen – bepaalt hoe het licht wordt gevangen, gereflecteerd, of geabsorbeerd, en welke schaduwen er ontstaan. Dekkers' witte reliëfs zijn als het ware instrumenten om licht te "sculpteren". Ze leren ons om extreem gevoelig te zijn voor de kleinste nuances in lichtval en hoe die de waarneming van de vorm beïnvloeden.
  3. De kracht van reductie en essentie in steen. De neiging is soms om te veel te willen in een beeld, te veel details, te veel verhaal. Dekkers toont de kracht van het weglaten, van het reduceren tot de absolute essentie. Wat is de meest minimale ingreep die nodig is om jouw idee in steen uit te drukken? Hoe kun je met een paar welgekozen lijnen of vlakken een maximale ruimtelijke of emotionele impact bereiken?
  4. Ruimtelijk inzicht en het ondiepe reliëf. Hoewel veel steensculptuur volrond is, is de techniek van het reliëf ook in steen zeer waardevol. Dekkers' werk kan je inspireren om de mogelijkheden van het lage en hoge reliëf in steen te verkennen, om te spelen met subtiele dieptes en de illusie van ruimte op een beperkt vlak.
  5. Geometrische abstractie als basis. Voor diegenen onder ons die, net als mijn collega Alex Sluimer, gefascineerd zijn door geometrische abstractie, is Dekkers een onuitputtelijke bron. Zijn systematische onderzoek naar de relaties tussen cirkels, vierkanten en lijnen kan leiden tot eindeloze variaties en nieuwe composities, ook in het driedimensionale domein van de steen.
relief kunstwerk ad dekkers
Cirkel en Vierkant in Overgang (Circle and Square in Transition) Ad Dekkers, Metzemaekers Kunstmakelaardij
De blijvende echo van Ad Dekkers' stille kracht
Het werk van Ad Dekkers mag dan op het eerste gezicht minimalistisch en ingetogen zijn, de impact ervan is groots en blijvend. Hij heeft ons geleerd om met nieuwe ogen te kijken naar de meest elementaire vormen, naar de subtiele kracht van een lijn, en naar het magische spel van licht en schaduw. Zijn oeuvre is een ode aan de precisie, de concentratie, en de stille poëzie die kan ontstaan als een kunstenaar met volledige toewijding de essentie van vorm onderzoekt.

Een boek als dat van Carel Blotkamp over Ad Dekkers is een sleutel die ons toegang geeft tot deze bijzondere wereld. Het helpt ons de diepgang achter de bedrieglijke eenvoud te zien en de relevantie van zijn werk voor onze eigen tijd te begrijpen.

Ik hoop dat deze blog je heeft geïnspireerd om het werk van Ad Dekkers (opnieuw) te ontdekken. Ga het zien in de musea, verdiep je in de publicaties, maar bovenal: laat je inspireren om in je eigen (steen)beeldhouwwerk ook te zoeken naar die helderheid, die precisie, en die stille kracht die een beeld tijdloos kan maken.
Met een aandachtige en creatieve groet,

Simone van Olst
Beeldhouwatelier Simone van Olst, Leiden
0 Opmerkingen

De verwevenheid van natuur in het werk van Henry Moore

23/2/2026

0 Opmerkingen

 
Hallo liefhebber van betekenis in kunst,

Mijn naam is Simone van Olst, welkom bij mij blog. Wanneer ik naar Henry Moore kijk, zie ik niet alleen sculpturen; ik zie landschappen, organische vormen en de ritmes van de natuur gevangen in brons en steen. Tijdens mijn lezing en workshop In de voetsporen van Henry Moore vertel ik altijd hoe fascinerend het is om te ontdekken hoe Moore zich liet inspireren door de wereld om hem heen – van de zachte glooiingen van heuvels in Yorkshire tot de ruwe textuur van botten, stenen en planten die hij onderweg vond. 


De natuur was voor hem geen achtergronddecor, maar een bron van constante vernieuwing, een levendig reservoir van vormen, lijnen en energie. Het is een uitnodiging om met nieuwe ogen te kijken en te voelen wat de natuur je kan leren over vormen, ritme en emotie.
De natuur als bron van inspiratie
Moore’s fascinatie voor natuurlijke vormen begon al in zijn jeugd. Het landschap van Yorkshire bood hem een schat aan inspiratie: de ronde contouren van rotsen, de ingewikkelde structuren van botten, de sierlijke lijnen van bomen en planten. Alles om hem heen leek een verhaal te vertellen. Tijdens mijn workshop laat ik deelnemers ervaren hoe je op dezelfde manier kunt leren kijken: niet oppervlakkig, maar aandachtig observeren, de essentie van een vorm voelen en deze vertalen naar iets nieuws.

Zijn sculpturen zijn een direct resultaat van deze observaties. De bekende Reclining Figures, Large Arch en talloze andere werken laten de organische dynamiek van de natuur zien – golvende lijnen, vloeiende vormen, een gevoel van balans dat je meteen herkent uit natuurlijke landschappen. Dit vermogen om de beweging en ritme van de natuur te vertalen naar abstracte sculpturen is een van Moore’s grootste talenten en iets wat we tijdens de lezing tastbaar gaan maken.
schets tekening moore
Van observatie naar abstractie
Moore kopieerde de natuur nooit letterlijk. Zijn kracht lag in het abstraheren van de essentie: het gevoel van gewicht, de ritmes van de lijnen, de spanning tussen massa en ruimte. Vanaf de vroege jaren ’30 begon hij natuurlijke structuren te bestuderen en deze te transformeren in gestileerde, vloeiende vormen. Enkele belangrijke aspecten van Moore’s benadering zijn:
  • Observatie. Leer natuurlijke objecten écht aandachtig bekijken – van stenen en schelpen tot takken en botten. Door te kijken naar structuur, textuur, verhoudingen en details ontwikkel je een dieper begrip van vorm.
  • Abstraheren. Je oefent in het weglaten van het overbodige, zodat alleen de kern van een vorm overblijft. Dit proces helpt je om niet alleen te tekenen wat je ziet, maar vooral weer te geven wat je ervaart.
  • Ritme en beweging. In je werk onderzoek je hoe herhaling, lijnvoering en vormverloop een gevoel van beweging kunnen oproepen. Net als bij natuurlijke landschappen ontstaat er zo een dynamiek die het oog blijft volgen.
  • Emotie en sfeer. Je ontdekt hoe subtiele keuzes in volume, lijn en ruimtelijkheid invloed hebben op de beleving van een werk. Zo kun je met vormtaal gevoelens als rust, spanning, kracht of tijdloosheid oproepen.
  • Verbinding. Je leert zien hoe vorm, ruimte en licht altijd in relatie tot elkaar functioneren. Door hiermee bewust te werken, krijgt je werk meer diepte en wordt het sterker afgestemd op de omgeving, net zoals bij Moore’s sculpturen.

Door deze stappen te volgen, leer je niet alleen Moore’s werk beter begrijpen, maar ontwikkel je ook een nieuw vermogen om naar je eigen omgeving te kijken en inspiratie uit de natuur te halen.
schets tekening henry moore
Moore’s creatieve rituelen
Een minder besproken aspect van Moore’s proces is hoe hij ritueel en systematisch werkte. Elke observatie van de natuur leidde tot schetsen, studies in klei en vervolgens abstracte sculpturen. Fotografie hielp hem daarbij – het vastleggen van vormen, licht en schaduw bood een extra laag reflectie. Deze combinatie van observatie, documentatie en experiment is iets wat ik tijdens de workshop actief met deelnemers oefen: hoe kun je je omgeving observeren, vastleggen en vervolgens vertalen naar een creatief resultaat?

Het mooie van Moore’s methode is dat het iedereen inspireert, ongeacht ervaring. Of je nu een kunstenaar bent, ontwerper of gewoon nieuwsgierig naar creatief denken, zijn werk laat zien dat de natuur altijd een bron van nieuwe inzichten kan zijn.
Waarom jij deze workshop niet wilt missen
​Deze blog is meer dan een kijkje in Moore’s wereld; het is een uitnodiging om zelf deel te nemen aan een unieke ervaring. De lezing en workshop In de voetsporen van Henry Moore geven je de kans om Moore’s technieken, inspiratiebronnen en creatieve filosofie direct te ervaren. Samen gaan we kijken, voelen en experimenteren met vormen, ritme en abstractie, precies zoals Moore dat deed.
  • ​​Leren kijken zoals Henry Moore. Je ontwikkelt een scherpere manier van observeren, waarbij je natuurlijke vormen (zoals stenen, botten, planten en landschappen) leert analyseren en vereenvoudigen tot krachtige, abstracte beelden. Je traint je oog om verder te kijken dan de buitenkant.​
  • Een sterkere verbinding tussen omgeving, proces en resultaat. Je ontdekt hoe je je laat beïnvloeden door je omgeving en hoe je die indrukken bewust inzet binnen je creatieve proces. Hierdoor krijgt je werk meer samenhang en een duidelijkere persoonlijke signatuur.
  • Werken met ritme, licht en ruimte. Je onderzoekt hoe deze elementen spanning, emotie en dynamiek kunnen toevoegen aan je werk. Je leert hoe vorm niet op zichzelf staat, maar altijd in relatie tot haar omgeving functioneert.
  • Van natuur naar creatie: direct toepasbare oefeningen. Door praktische opdrachten ga je zelf experimenteren met vorm en materiaal. Je vertaalt indrukken uit de natuur direct naar beeld, zodat inspiratie niet abstract blijft, maar concreet zichtbaar wordt in je werk.
beelden aan zee henry moore
beeld henry moore
Dit is je laatste kans!
Meld je vandaag nog aan en ontdek de geheimen van Moore’s kunst. Laat je inspireren door de natuur, verrijk je creatieve praktijk en ervaar hoe kunst en natuur samenkomen in een tastbare, leerzame en vooral inspirerende workshop.


Moore liet de natuur spreken in zijn kunst – en nu is het jouw beurt om te luisteren en zelf te creëren. Ik kan niet wachten om je te ontmoeten op 28 februari in In de voetsporen van Henry Moore.
Met hartelijke groet,
​

Simone van Olst
Beeldhouwatelier Simone van Olst
0 Opmerkingen

Perry Green: het atelier en huis van Henry Moore – waar kunst en natuur samenkomen

19/2/2026

0 Opmerkingen

 
Als ik denk aan Henry Moore, denk ik niet alleen aan zijn iconische sculpturen die zo krachtig en organisch aanvoelen, maar ook aan de plek waar al die magie tot leven kwam: Perry Green. Dit pittoreske dorpje in Hertfordshire werd in 1940 het thuis en atelier van Moore en zijn vrouw Irina. Voor mij is Perry Green een bijzondere plek, en tijdens mijn lezing en workshop In de voetsporen van Henry Moore vertel ik deelnemers graag hoe bijzonder het is om hier rond te lopen en de inspiratie te voelen die Moore zelf voelde. Het is een oase van rust, creativiteit en ruimte. Een plek waar je bijna kunt voelen hoe de kunstenaar zijn ideeën vormde en tot leven bracht in brons, steen en hout.

Wat mij in Henry Moore altijd heeft geraakt, is zijn manier van kijken. Hij zag geen losse objecten, maar verbanden: tussen lichaam en landschap, tussen leegte en massa, tussen mens en natuur. Zijn sculpturen zijn geen objecten die je bekijkt, maar vormen die je ervaart – je loopt eromheen, je voelt hoe ze reageren op licht, lucht en ruimte. Precies dat ervaringsaspect is wat Perry Green zo uniek maakt: hier wordt zijn werk geen museumobject, maar een levende aanwezigheid in het landschap.​
Van Londen naar Perry Green
In de donkere jaren van de Tweede Wereldoorlog, met Londen onder constante dreiging van bombardementen, maakten Henry en Irina Moore een levensveranderende beslissing: ze verhuisden naar Perry Green. Hier vonden ze niet alleen veiligheid, maar ook een omgeving die rijk was aan inspiratie. Het landschap – met zijn uitgestrekte velden, glooiende heuvels en oude bomen – werd een actieve gesprekspartner in Moore’s creatieve proces. Je kunt bijna voorstellen hoe hij over de velden liep, ideeën en vormen in gedachten vormde, terwijl de omgeving hem als het ware zijn sculpturen influisterde.

Tijdens de workshop probeer ik deelnemers ditzelfde gevoel te laten ervaren. We leren niet alleen kijken, maar echt observeren hoe lijnen, rondingen en licht een inspiratiebron kunnen zijn. Net zoals Moore dat deed, ontdekken we hoe de natuur je ideeën kan voeden en hoe de omgeving een verlengstuk wordt van je creativiteit.
Oval with Points  Henry Moore
Oval with Points - Henry Moore
Het vormgeven van een creatieve oase
Toen Moore en Irina zich vestigden in Hoglands, was het huis nog niet klaar voor de ambities van een beeldhouwer van wereldklasse. Moore liet uitgebreide verbouwingen uitvoeren om het huis en atelier geschikt te maken voor zijn werk. Studio’s, werkplaatsen, opslagruimtes en tentoonstellingsruimtes – alles werd ingericht zodat hij zijn sculpturen kon creëren, opslaan en presenteren.

Three Piece Sculpture: Vertebrae - Henry Moore
Three Piece Sculpture: Vertebrae - Henry Moore
Wat ik altijd zo inspirerend vind, en wat we tijdens de workshop bespreken, is hoe Moore de buitenruimte onderdeel maakte van zijn werk. De tuinen rond Hoglands werden zorgvuldig aangepast, zodat zijn beelden een dialogen aangingen met de natuur. Hij bestudeerde hoe licht, schaduw, seizoenen en perspectief het gevoel van zijn sculpturen beïnvloedden. Het was een voortdurende interactie tussen kunst en omgeving, en dat is precies wat zijn werk diepte en leven geeft. Tijdens de workshop onderzoeken we samen hoe een beeld of vorm zich kan verhouden tot de ruimte eromheen – een ervaring die je anders naar je eigen creatieve omgeving leert kijken.
Wat Perry Green zo bijzonder maakte
Moore’s keuze voor Perry Green was zowel praktisch als strategisch. De landelijke rust gaf hem mentale vrijheid en de nabijheid van Londen hield hem verbonden met de kunstwereld. Maar bovenal bood de natuurlijke schoonheid van het gebied een bron van voortdurende inspiratie. Perry Green werd een plek waar kunst en natuur elkaar aanvulden, en waar Moore’s creativiteit zichtbaar en tastbaar werd.
  • Ruimte en vrijheid. Hij vond dat deze voorwaarden hem in staat stelden om grootschalige sculpturen te ontwikkelen en zijn ideeën letterlijk vorm te laten krijgen zonder fysieke of mentale beperkingen.
  • De natuur als inspiratiebron. De omgeving bood hem voortdurend nieuwe impulsen: heuvels, bomen, stenen en waterpartijen fungeerden als referentiepunten voor de organische vormen in zijn werk.
  • Licht en perspectief. Deze elementen speelden een cruciale rol in de manier waarop zijn sculpturen werden waargenomen en bepaalden hoe hij ze positioneerde binnen een ruimte.
  • De samenhang tussen binnen en buiten. Hij ervoer geen strikte scheiding tussen atelier en tuin, waardoor zijn sculpturen zowel binnenshuis als in de buitenomgeving volledig tot hun recht kwamen.
  • Rust en concentratie. De afstand tot de drukte van de stad en de impact van de oorlog boden hem de mentale ruimte om zich diep en ongestoord in zijn creatieve proces te verdiepen.

Het is precies deze combinatie van elementen die Perry Green tot een creatieve oase maakte – en die deelnemers tijdens de workshop kunnen ervaren.

Wie vandaag door Perry Green wandelt, merkt hoe uitzonderlijk de sfeer nog steeds is. Het grind knarst onder je voeten, schaduwen verschuiven langzaam over de grasvelden en tussen de bomen duiken plots sculpturen op die bijna lijken te ademen met het landschap. Het is een plek die je dwingt om te vertragen en aandachtig te kijken. Precies die staat van aandacht – dat vertraagde, bewuste observeren – vormt ook de kern van mijn workshop.
Een tijdloze erfenis
Perry Green is veel meer dan een huis of museum; het is een levende getuigenis van Moore’s innovatieve geest, zijn aandacht voor detail en zijn diepe verbondenheid met de natuurlijke wereld. Zijn verhuizing naar dit landelijke dorp markeerde een cruciale stap in zijn artistieke reis, en zelfs vandaag ademt de plek nog de energie en inspiratie van zijn creatieve leven.

Tijdens de workshop In de voetsporen van Henry Moore probeer ik deelnemers deze ervaring zo tastbaar mogelijk te maken. Je leert niet alleen over zijn technieken, maar voelt ook hoe een omgeving je creativiteit kan beïnvloeden, hoe rust en ruimte de geest openen, en hoe kunst en natuur elkaar kunnen versterken. Het is een ervaring die je uitnodigt om anders te kijken naar vormen, materialen en de wereld om je heen.
De deelnemers werken tijdens de workshop niet alleen met observatie, maar ook met praktische oefeningen. We analyseren vormen in het landschap, maken snelle schetsen, onderzoeken negatieve ruimte en experimenteren met hoe een kleine verandering in perspectief een totaal andere beleving kan opleveren. Het gaat niet om technisch perfect tekenen of beeldhouwen, maar om leren zien zoals Moore zag: aandachtig, onderzoekend en open voor wat de omgeving aanreikt.
Double Oval Henry Moore
Double Oval by Henry Moore
Waarom jij dit niet wilt missen
Wil je ervaren waar de meester zelf werkte, leerde en experimenteerde? Wil je ontdekken hoe omgeving, licht en materiaal elkaar kunnen beïnvloeden en tot nieuwe ideeën kunnen leiden? In In de voetsporen van Henry Moore nemen we Perry Green als vertrekpunt om de magie van Moore’s creativiteit te doorgronden.

Meld je vandaag nog aan en laat je meevoeren naar de wereld van Moore, waar huis, atelier, tuin en landschap samenkomen in een unieke, warme en inspirerende artistieke ervaring. Het wordt een ontdekkingstocht waarin je Moore’s visie kunt voelen, leren begrijpen en misschien zelfs je eigen creatieve horizon kunt verruimen – precies zoals Moore het zelf beleefde, omringd door de natuur die hem altijd heeft geïnspireerd.
0 Opmerkingen

Een diepe duik in de vormtaal van Henry Moore

18/2/2026

0 Opmerkingen

 
Heb je ooit voor een sculptuur gestaan die aanvoelde alsof hij niet door mensenhanden was gemaakt, maar door de wind en het water was uitgesleten? Dat is de onmiskenbare magie van Henry Moore. Als we naar zijn werk kijken, kijken we naar de essentie van de natuur en de menselijkheid, ontdaan van alle overbodige ruis. Zijn beelden lijken te ademen en mee te bewegen met het landschap.

Tijdens mijn lezing met workshop In de voetsporen van Henry Moore duiken we diep in deze fascinerende wereld. We leren dat een beeld niet ophoudt bij de buitenkant, maar dat de 'negatieve ruimte' — de ruimte binnenin en rondom het beeld — net zo bepalend is voor de emotionele kracht ervan als het materiaal zelf.
De essentie van vorm: tussen natuur en abstractie
Henry Moore, een van de meest invloedrijke beeldhouwers van de 20e eeuw, vond zijn grootste inspiratiebron niet in de drukke straten van Londen, maar in de organische objecten die hij tijdens zijn wandelingen vond. Zijn vormtaal is een unieke dans tussen abstractie en moderniteit. Wie zijn oeuvre bestudeert, ziet golvende silhouetten die doen denken aan heuvelruggen, doorlopende lijnen die nooit lijken te eindigen en natuurlijk zijn revolutionaire 'pierced form' (de doorboorde vorm).

De vormtaal van Moore valt uiteen in twee fascinerende categorieën die elkaar voortdurend beïnvloeden:
  • Abstracte vormen. Deze zijn vaak direct herleidbaar naar kiezelstenen, botten en schelpen die hij verzamelde in zijn atelier. Voor Moore ging abstractie niet over het onbegrijpelijke, maar over het blootleggen van de innerlijke structuur van de natuur. Deze werken onderzoeken hoe het licht door een gat valt en hoe schaduwen over een ronding glijden, waardoor het beeld elk uur van de dag een ander karakter krijgt.
  • Figuratieve beelden. Moore bleef gefascineerd door de mens. Zijn figuren zijn echter geen letterlijke kopieën van de anatomie; ze zijn gestileerd tot monumentale wezens. Hoewel ze vaak gebogen, gedraaid of extreem vereenvoudigd zijn, blijft die diepe menselijke aanwezigheid en kwetsbaarheid altijd voelbaar. Het menselijk lichaam wordt bij Moore een landschap op zich, met eigen dalen en toppen.
Materiaal en textuur: de hand van de meester
Moore had een bijna religieus respect voor zijn materiaal, een principe dat hij omschreef als 
"truth to materials". Hij geloofde dat de beeldhouwer de 'stem' van de steen of het hout moest volgen. Een blok marmer vroeg om een andere benadering dan een zachtere kalksteen of een zwaar brons. Hij wilde dat de kijker niet alleen de vorm zag, maar ook de textuur en het gewicht van het materiaal voelde. Dit tactiele aspect is cruciaal; zijn beelden nodigen uit om aangeraakt te worden, om met de hand de glooiingen te volgen die hij met zoveel geduld heeft aangebracht.
​

In de workshopfase van In de voetsporen van Henry Moore brengen we deze theorie in de praktijk. Het is één ding om te horen over "de dialoog met het materiaal", maar het is iets heel anders om met je eigen handen te voelen hoe weerbarstig of juist meewerkend een massa kan zijn. We gaan zelf ervaren hoe het is om massa weg te nemen om ruimte te creëren, en hoe een kleine verandering in de lijnvoering de hele dynamiek van een object kan transformeren.
De iconen: ruimte, massa en verbinding
Om het genie van Moore echt te doorgronden, moeten we kijken naar de thema's die hij zijn hele leven lang bleef onderzoeken en verfijnen.

De Reclining Figure - het lichaam als landschap
De liggende figuur is Moore’s meest iconische motief. In deze serie zien we zijn meesterschap in het balanceren van massa en leegte. De knieën transformeren in bergen, de holtes in de romp worden diepe valleien of grotten. Voor Moore was de 'lege' ruimte binnen een sculptuur essentieel; het geeft het beeld ademruimte en creëert een verbinding tussen de voor- en achterkant. Een gat in een beeld is bij Moore geen 'gebrek' aan materiaal, maar een bewuste vorm die de kijker dwingt om door het kunstwerk heen naar de wereld te kijken.

Family Group: de universele band
Na de Tweede Wereldoorlog verschoof Moore’s focus vaker naar de 'Family Group'. Hier zien we een prachtige vereenvoudiging van de menselijke interactie. De vormen zijn gestileerd tot hun absolute essentie, maar ze stralen een enorme warmte, bescherming en intimiteit uit. Moore laat zien dat je geen gezichtsuitdrukkingen nodig hebt om liefde of eenheid te tonen; de manier waarop armen in elkaar overvloeien en lichamen zich naar elkaar toebuigen, vertelt het hele verhaal. Het is een les in hoe we door weg te laten juist méér emotie kunnen overbrengen.
De dialoog met de omgeving
Een uniek aspect van Moore’s werk is de manier waarop zijn beelden communiceren met de buitenlucht. Hij was een groot voorstander van het plaatsen van kunst in de openbare ruimte, bij voorkeur in een glooiend, groen landschap. De gaten in zijn beelden fungeren als vensters waardoor de achterliggende wolkenlucht of de bomen onderdeel worden van het werk zelf. Het beeld is nooit 'af' zonder zijn omgeving. Tijdens de lezing onderzoeken we hoe dit principe van 'ruimtelijke dialoog' ook jouw eigen creatieve proces kan verrijken: hoe verhoudt jouw werk zich tot de ruimte waarin het staat?
henry moore beeld
henry moore sculptuur
De invloed van de oorsprong
Moore was een modernist, maar hij keek met grote bewondering naar het verre verleden. Hij bracht uren door in het British Museum, waar hij werd gegrepen door de kracht van zogenaamde 'primitieve' kunst. De robuuste eenvoud van Pre-Columbiaanse sculpturen (zoals de beroemde Chac-mool figuren uit Mexico) en de abstracte kracht van Afrikaanse maskers gaven hem de moed om de klassieke westerse schoonheidsidealen los te laten. Hij zocht naar een 'vitale kracht' in zijn werk, een energie die losstaat van een realistische weergave.
​

Tegen het einde van de lezing met workshop In de voetsporen van Henry Moore zul je merken dat je met een 'nieuwe blik' naar de wereld om je heen gaat kijken. Een boomstam, een verweerde steen of de houding van iemand op een bankje: overal ontdek je plotseling het samenspel van licht, schaduw, holtes en massa’s dat Moore zo meesterlijk beheerste.
Jouw  reis in vorm
De nalatenschap van Henry Moore is meer dan een verzameling beelden; het is een uitnodiging om de relatie tussen onszelf en de ruimte om ons heen opnieuw te definiëren. Zijn werk is krachtig maar subtiel, monumentaal maar altijd verbonden met de menselijke maat.


Wil jij de geheimen van deze grootmeester niet alleen bestuderen, maar ook fysiek ervaren? Wil je ontdekken hoe je door het durven 'doorbreken' van een vorm juist een nieuwe diepgang bereikt? Dan nodig ik je van harte uit om deel te nemen aan mijn unieke programma. Of je nu een ervaren kunstenaar bent die op zoek is naar nieuwe abstractie, of een beginner die voor het eerst de kracht van vorm wil ontdekken: de principes van Moore bieden voor elke creatieveling een nieuwe horizon.

Zet zelf de eerste stap: Meld je aan voor de lezing met workshop In de voetsporen van Henry Moore en ontdek hoe jij jouw eigen verhaal kunt vertalen naar krachtige, organische vormen.
0 Opmerkingen

Vastgelopen in steen: zo breek je door je beeldhouwblokkade en herwin je je creativiteit!

17/2/2026

0 Opmerkingen

 
Als beeldhouwer ken ik het gevoel maar al te goed. Je staat voor je steen, de beitel in de hand, en de inspiratie is... verdwenen. Je bent begonnen met een bruisend idee, vol energie en visie, maar nu sta je hier. Je kijkt naar het werk en ziet alleen maar problemen. Je hebt het gevoel dat je vastzit, gefrustreerd raakt en je handen je niet meer gehoorzamen. Sterker nog, je begint te twijfelen aan je eigen ervaring, aan je kennis, en het ergste van alles: aan je creativiteit.

Die beeldhouwblokkade is een sluwe vijand. Het is meer dan alleen een gebrek aan inspiratie; het is een diepgaand gevoel van onzekerheid dat je in zijn greep houdt. De steen die ooit een bron van potentieel was, voelt nu aan als een onverzettelijke muur. Je bladert door boeken, staart naar foto's van andere kunstenaars, maar niets helpt. Je bent niet alleen. Iedere kunstenaar, ongeacht hun ervaring, heeft dit op enig moment meegemaakt. Het is een fase, een signaal, maar het hoeft geen eindpunt te zijn.

Vanuit mijn atelier in Leiden, met jarenlange ervaring in het begeleiden van beeldhouwers van elk niveau, kan ik je verzekeren: dit is geen teken van falen, maar een uitnodiging om dieper te graven. Een uitnodiging om je proces te herijken, en je band met het materiaal te verdiepen. En ik ben hier om je te vertellen hoe.

  • Te veel van alles. Te veel ideeën, te veel invloeden van buitenaf, te veel druk op jezelf. De informatiestroom is overweldigend.
  • Het gevoel van controleverlies. Je bent de controle kwijt over de vorm, het materiaal lijkt zich tegen je te keren. De steen doet niet wat jij wilt.
  • Vermoeidheid en overbelasting. Soms is het zo simpel als burn-out. Je hebt te lang, te intensief gewerkt zonder voldoende rust. Je geest en je lichaam zijn moe.

De sleutel tot doorbraak is het herkennen van deze valkuilen en vervolgens de moed hebben om je aanpak te veranderen.
De wortels van de frustratie: waar gaat het mis?
Voordat we genezen, moeten we de diagnose stellen. Waar komt die blokkade vandaan? Vaak zijn het een of meer van de volgende punten:
  • De perfectieval. Je begint met een te gedetailleerd of te 'perfect' beeld in je hoofd. Elke afwijking van dat mentale beeld voelt als een mislukking, waardoor je verlamd raakt om verder te gaan.
  • Verkeerde start. Misschien ben je begonnen zonder een helder plan, of juist met een plan dat te rigide is en geen ruimte laat voor de 'dialoog' met de steen.
Afbeelding
Het pad terug: van stagnatie naar flow
Hier zijn de stappen die je kunt nemen om weer grip te krijgen, om je creativiteit te ontvlammen en die frustrerende blokkade te doorbreken. Dit zijn de principes die ik keer op keer heb toegepast, zowel in mijn eigen werk als in mijn begeleiding in het atelier.

1. Stap terug: de grote detox
Het meest cruciale eerste advies: leg die beitel neer. Echt. Stap fysiek weg van je werk. Voor een dag, een weekend, of zelfs een week. Je hebt afstand nodig om helder te kunnen zien.
  • Verander van omgeving. Ga wandelen in de natuur, bezoek een museum (maar kijk deze keer alleen naar de vormen en de ruimte), lees een boek dat niets met beeldhouwen te maken heeft.
  • Ruim je atelier op. Een opgeruimde werkplek creëert een opgeruimde geest. Haal de overtollige fragmenten weg, sorteer je gereedschap. Dit kan een verrassend therapeutisch effect hebben en je een gevoel van controle teruggeven.
  • Vraag jezelf af: waarom begon ik? Ga terug naar de allereerste vonk van inspiratie. Was het een vorm, een gevoel, een herinnering? Wat was de pure, onbesmette intentie achter dit beeld? Schrijf het op.​

2. Omarm het onvolmaakte: de schoonheid van het proces
Perfectionisme is de aartsvijand van de creativiteit. Je steen is geen blanco doek; het heeft een eigen verhaal, een eigen structuur.
  • Accepteer fouten als leren. Er bestaan geen 'fouten' in beeldhouwen, alleen onverwachte richtingen. Een afgebroken stuk is geen catastrofe, maar een uitnodiging om je ontwerp aan te passen. Ik heb zelf talloze beelden gered, en zelfs verbeterd, door een 'fout' te omarmen en er een integraal onderdeel van het nieuwe ontwerp te maken.
  • Werk in klei of was. Pak een klein stukje klei of was. Begin met een volledig nieuw, klein beeld. Het mag lelijk zijn, het mag mislukken. Het gaat om het proces van creëren zonder oordeel. Dit helpt je om de druk van 'het perfecte beeld' los te laten en weer plezier te vinden in het manipuleren van vorm. Ik geef deze oefening vaak in mijn workshops, en het effect is telkens weer wonderbaarlijk.
Afbeelding
3. Herontdek de vorm: terug naar de basis
Jouw expertise ligt dieper dan je denkt. Het zit in je vermogen om te zien.
  • Vergeet het detail, zie de massa. Trek een stapel foto's van je vastgelopen beeld en knijp je ogen half dicht. Zie de grote vormen, de verhoudingen, de silhouet. Negeer de details die je frustreren.
  • Oefen met negatieve ruimte. Zoals ik in mijn vorige blog al benadrukte: de ruimte rondom en door je beeld is net zo belangrijk. Teken de negatieve ruimte van je beeld op papier. Hoe definieert die ruimte de positieve vorm? Kan een aanpassing in de negatieve ruimte het hele beeld veranderen?
  • Experimenteer met licht. Draai je beeld onder verschillende lichtbronnen. Van boven, van onder, van opzij. Hoe veranderen de schaduwen? Waar verschijnen interessante lijnen of vlakken? Soms is het veranderen van de belichting van je werkplek al genoeg om nieuwe inzichten te krijgen.
4. De kracht van kleine stapjes: de weg uit het moeras
Een vastgelopen beeld voelt als een onoverkomelijke berg. Hak de berg in kleine heuvels.
  • Stel micro-doelen. In plaats van "ik moet dit beeld afmaken," zeg je "ik ga vandaag één oppervlak polijsten" of "ik ga één lijn definiëren." Vier elke kleine overwinning.
  • Focus op één element. Kies één deel van het beeld dat je nog niet tot waanzin drijft. Werk daar aan. Soms lost het aanpakken van een klein, ogenschijnlijk onbelangrijk detail een groter probleem op.
  • Werk van globaal naar fijn. Heb je je te snel gericht op details? Ga terug naar de globale vormen. Vraag jezelf af: kloppen de verhoudingen nog? Staat het beeld stabiel? Is de primaire beweging of intentie nog steeds helder? Pas daarna ga je weer naar de verfijning.​

5. Zoek begeleiding: de externe blik die je verder helpt
Soms heb je gewoon een frisse blik nodig van iemand die je vertrouwt, iemand met de expertise om je door je blinde vlekken heen te loodsen.
  • De waarde van een mentor. Een ervaren mentor ziet niet alleen wat je maakt, maar ook hoe je denkt. Ik heb talloze keren meegemaakt dat een korte, gerichte vraag of een suggestie mijn studenten uit hun impasse trok. Het is de onbetaalbare waarde van jarenlange ervaring en het vermogen om de onderliggende oorzaak van de blokkade te herkennen.
  • Mijn expertise aan jouw zijde. Dit is precies waar mijn Zomeracademie in het spel komt. Als je vastzit, gefrustreerd bent, en het gevoel hebt dat je creativiteit je in de steek laat, dan is dit de plek waar je die weer terugvindt. Ik ben er niet om je te vertellen wat je moet maken, maar hoe je weer tot je eigen kern, je eigen unieke stem komt.
De Zomeracademie: jouw ticket uit de beeldhouwblokkade
De Zomeracademie is meer dan alleen een workshop; het is een intensieve, transformatieve sessie van drie dagen. Ik geloof in diepgaande, persoonlijke begeleiding, en daarom houd ik de groepen klein. Dat betekent ook dat de plaatsen extreem beperkt zijn!

Waarom is dit dé plek om je blokkade te doorbreken?
  • Een safe space voor experiment. Mijn atelier is een plek waar je mag falen, mag experimenteren, en mag ontdekken zonder oordeel. De druk van perfectie valt weg.
Afbeelding
  • Gerichte, persoonlijke feedback. Ik neem de tijd voor jou en jouw specifieke uitdagingen. Geen algemene tips, maar concrete handvatten die direct toepasbaar zijn op jouw werk. Ik zie niet alleen de steen, ik zie jou en je potentieel.
  • Herontdekking van je eigen stem. Door mijn begeleiding leer je niet alleen technische vaardigheden, maar vooral hoe je weer kunt vertrouwen op je eigen intuïtie en creativiteit. Ik help je om je eigen unieke beeldhouwers-DNA te vinden en te versterken.
  • Een injectie van nieuwe energie. Na 3 dagen intensief werken, met een frisse blik en nieuwe inzichten, zul je merken dat de passie voor beeldhouwen weer bruist. Je zult de herfst ingaan met een hernieuwd gevoel van moed en een rugzak vol inspiratie en praktische tools.
  • Puur vakmanschap & ervaring. Met jarenlange ervaring en duizenden uren in de steen, deel ik mijn diepgaande kennis over materialen, technieken, vormgeving en het creatieve proces. Je kunt putten uit een schat aan praktijkgerichte wijsheid die je nergens anders vindt.
De telefoons rinkelen, de e-mails stromen binnen. Mensen voelen die drang om zichzelf te herpakken, om deze zomer te gebruiken als een keerpunt. De plekken voor de Zomeracademie zijn nu beschikbaar. Als je dit leest en je herkent jezelf in de frustratie, de twijfel, de hunker naar die verloren creativiteit, dan is dit jouw teken.
​

Wacht niet tot de herfst. Geef jezelf de kans om deze zomer die blokkade te doorbreken en je beeldhouwreis met hernieuwde passie en onuitputtelijke inspiratie voort te zetten. De herfst begint pas echt als jij weer stroomt!
0 Opmerkingen

De echo van je werk: waarom liefdevolle feedback onmisbaar is voor jouw groei

16/2/2026

0 Opmerkingen

 
Welkom terug in de wereld van het 'chaos schriftje'. In onze reis tot nu toe hebben we al heel wat terrein verkend. We begonnen met de eerste, bevrijdende vonk van een idee, die je leert vangen in je schriftje. Daarna doken we in de angst voor de overvloed aan die ideeën, en hoe je die omzet in een geordende kennisbank – een funderings-pilaar voor je creatie. En in de vorige blog, de zesde van onze serie, sprak ik over de moed die nodig is om je ideeën uit te dragen, om ze niet te laten verstoffen in de gevangenis van perfectie, maar ze eerder en vaker te delen, ook als ze nog ruw zijn.

Nu je die moed hebt gevonden, nu je die eerste stappen van expressie hebt gezet, komt de volgende cruciale vraag: wat nu? Wat gebeurt er als je je werk deelt, als die ruwe vorm voor de eerste keer het licht ziet? Dit blog gaat over de essentie van het groeiproces, over een fenomeen dat ik in mijn decennia als beeldhouw docent keer op keer heb zien gebeuren: feedback. Het is geen oordeel, maar een spiegel. En ik wil je laten zien waarom liefdevolle feedback absoluut onmisbaar is voor jouw groei, en hoe het de echo van jouw werk versterkt tot een krachtig geluid in de wereld.
Het gevaar van alleen werken: de blinde vlek van de maker
Als maker zijn we vaak solitaire wezens. We duiken in onze werkplek, omringd door onze materialen en onze gedachten. En dat is ook prachtig; het is noodzakelijk om die diepe connectie met het materiaal en de vorm te maken. Maar er schuilt een groot gevaar in die afzondering: de blinde vlek.

Je bent zo diep verbonden met je eigen creatieproces, zo verweven met elke lijn, elke textuur, elke gedachte die je in de steen hebt 
cursisten steenbeeldhouwen leiden
gelegd, dat je het geheel niet meer objectief kunt zien. Je bent blind voor de kleine onvolkomenheden, de onbedoelde lijnen, de aspecten die de kijker anders interpreteert dan jij bedoeld had. Die ene lijn die voor jou zo logisch voelt, kan voor een ander een storend element zijn. De balans die jij waarneemt, kan voor een ander wankel lijken.

Zonder feedback zie je je eigen blinde vlekken niet. Je wordt je eigen beperking. Je draait rond in je eigen bubbel van perfectie, of juist in de bubbel van frustratie, en je mist de kans om je perspectief te verbreden. Dit is het moment waarop je eigen groeiproces kan stagneren, simpelweg omdat je de buitenwereld niet als gids toelaat. De steen reageert op jouw handen, maar de diepere groei komt ook van de reactie van andere ogen.
De oplossing: liefdevolle, constructieve feedback van een gemeenschap
De sleutel tot het doorbreken van die blinde vlek is feedback. En dan bedoel ik niet zomaar kritiek, maar liefdevolle, constructieve feedback van een gemeenschap die jouw groei vooropstelt. Feedback is een geschenk, een spiegel die je wordt voorgehouden, zodat je kunt zien wat je zelf niet meer ziet.

Dit concept is niet nieuw; het is diep geworteld in de psychologie en pedagogiek. We spreken hier over de rol van 'social learning'. Psycholoog Albert Bandura, een pionier op dit gebied, toonde aan dat mensen leren door observatie, imitatie en modellering, vaak in een sociale context. En verder, specifiek op het gebied van creatieve ontwikkeling, benadrukt onderzoek naar peer feedback de enorme impact van de blik van anderen. Wanneer makers hun werk delen en van elkaar leren, versnelt dit het leerproces exponentieel. De gemeenschap wordt een collectief brein, een bron van inzichten die de individuele maker nooit alleen zou kunnen vergaren.

Het gaat niet om het kopiëren van anderen, maar om het filteren van de feedback door jouw eigen lens. Het is de uitwisseling van perspectieven die jouw eigen visie verheldert en je techniek verfijnt. De community wordt jouw meest waardevolle klankbord.
simone van olst met cursist
Feedback geven: een kunst op zich – voorkom 'inprinting'
Maar feedback geven is ook een kunst. Het is een delicate dans waarbij je de intentie en de integriteit van de maker moet respecteren. Je wilt namelijk niet jouw mening en visie opleggen aan de ander. Dat noemen we 'inprinting'.

Ik heb het zo vaak gezien, en ik bewaak het zorgvuldig in mijn lessen. Iemand zegt enthousiast: "Ik zie er een prachtige vogel in!" En plots, hoe goedbedoeld ook, zit de maker vast. 
Vanaf dat moment ziet hij of zij niets anders meer in het beeld dan die vogel die jij zag, terwijl de beeldhouwer misschien iets compleet anders wilde zeggen met zijn of haar sculptuur. Deze 'inprinting' van een idee op het beeld van een ander is geen goed idee. Het verstikt de eigen, unieke visie van de beeldhouwer. Het kan leiden tot frustratie, verwarring en het verlies van de oorspronkelijke intentie. De beeldhouwer stopt met luisteren naar de steen en begint te werken naar een extern beeld dat niet van henzelf is.

Dus, hoe pak je dit beter aan, zodat jouw feedback daadwerkelijk een toevoeging is?
  1. Vraag eerst, oordeel nooit. Begin altijd met oprechte interesse. Vraag de maker: "Wat ben je aan het maken?" of "Welk gevoel wil je hierin uitdrukken?" en "Hoe wordt die emotie door het beeld geraakt?" Dit opent een dialoog en plaatst de bal bij de maker. Het laat zien dat je luistert, niet oordeelt.
  2. Focus op het gevoel, niet de vorm. Vraag niet direct "Wat is het?" maar "Wat doet het met jou?" of "Welke emotie voel je erbij?" Dit nodigt de maker uit om de intentie achter de vorm te verwoorden.
  3. Bied observaties, Geen oordelen. Zeg niet: "Die arm is te dik." Zeg liever: "Ik merk dat deze arm heel krachtig aanvoelt. Was dat je intentie, of zoek je misschien naar een andere expressie van kracht?" Of: "De balans in dit deel voelt dynamisch; wat wil je hiermee vertellen?"
  4. Stel vragen die aanzetten tot zelfreflectie. "Wat zou er gebeuren als je deze lijn iets vloeiender maakt?" "Welk gevoel zou je oproepen als dit deel transparanter zou zijn?" Dit stimuleert de maker om zelf de oplossing te vinden, te luisteren naar hun eigen intuïtie.
  5. Verwijs naar oplossingen, geen problemen. Als je een probleem ziet, koppel het dan aan een mogelijke oplossing of een tool. "Als je hier de rasp X gebruikt, zou je deze textuur kunnen bereiken die misschien jouw concept beter ondersteunt." Alex is hierin een meester; hij koppelt een technische observatie direct aan een concrete techniek.
Door deze aanpak respecteer je de autonomie van de kunstenaar en help je hen hun eigen blinde vlekken te zien, in plaats van jouw visie op te dringen. Jouw feedback wordt dan niet alleen een geschenk, maar een katalysator voor hun unieke groei.
Mijn praktische uitnodiging: de magie van de feedbacksessie
In ons atelier is de feedbacksessie geen examen, maar een viering van groei. Het is een moment waarop we samenkomen, vaak met een kop thee in de hand, en elkaars werk met open blik benaderen. Het is een veilige, liefdevolle omgeving, precies de 'oase' die we zo koesteren, waar je moedig je onafgemaakte, kwetsbare creaties kunt tonen.
​

Ik herinner me een cursist, een gedreven maker, die aan een abstract beeld werkte. Ze was al ver gevorderd, maar voelde dat er 'iets' miste. Ze kon er haar vinger niet op leggen. Tijdens een feedbacksessie in de groep, terwijl het beeld centraal stond, vertelde ze haar worsteling. Een medecursist, die toevallig met een vergelijkbaar thema bezig was, merkte op: "Ik zie de spanning, maar mis de ontspanning. Misschien moet de negatieve ruimte eromheen meer ademen." En Alex, met zijn technische oog, voegde eraan toe: "Die ene lijn in de bovenkant creëert een geslotenheid die je kunt doorbreken met een subtiele aanpassing van de hoek."

De cursist stond er met open mond bij. Wat voor haar een blinde vlek was, werd plots glashelder door de blik van anderen. Ze pakte de beitel weer op, maakte die kleine aanpassing, en het beeld transformeerde. Het kreeg de balans en de ademruimte die het nodig had. Dit is de magie van feedback: het helpt je een lijn in je beeld te zien die je zelf niet zag, en die lijn te verleggen naar een nieuw niveau van expressie.

En dit is de kern van wat ons atelier zo uniek maakt en waarom we uitstijgen boven andere ateliers. Wij bieden niet alleen ruimte, gereedschap en techniek. Wij bieden een levende gemeenschap en de directe, complementaire feedback van twee experts, Simone en Alex. Mijn intuïtieve, holistische blik op de ziel van het beeld en jouw creatieve proces wordt perfect aangevuld door Alex's messcherpe, technische analyse van de vorm, de proporties en de uitvoering. Die synergie is goud waard; je krijgt twee perspectieven die elkaar versterken, wat jouw blinde vlekken vrijwel elimineert. Deze diepgang in begeleiding en deze veilige, liefdevolle context voor feedback is ongeëvenaard in de Benelux.
Van persoonlijke notities naar collectieve wijsheid
In de eerdere blogs van deze serie over het 'chaos schriftje', heb ik jullie meegenomen in het belang van het vangen van elke vonk en het trainen van je brein om een magneet voor inspiratie te worden. We hebben de angst voor de overvloed getackeld door je notities te ordenen met het oog op actie en je te leren hoe je kennis recycleert en waardevoller maakt, zodat die nooit meer wegspoelt als een zandkasteel. Al deze stappen zijn gericht op jouw individuele proces, op het bouwen van jouw persoonlijke kennisbank. En je 'chaos schriftje' is daarin jouw privé-ruimte, jouw extra hoofd, jouw harde schijf. Je hoeft je aantekeningen met niemand te delen. Maar het is juist die veilige basis die je de moed geeft om, wanneer je er klaar voor bent, de stap te zetten naar de collectieve wijsheid.

Want juist door de veiligheid die je schriftje biedt, word je moediger. Het is een plek waar fouten niet fout zijn, maar leermomenten. En het is van cruciaal belang dat je ook die momenten vastlegt. De onverwachte breuk in de steen, de lijn die niet liep zoals je wilde, het advies dat je van Alex kreeg om het op te lossen – voeg ook die aantekeningen toe aan je schriftje. Want die leermomenten zijn keerpunten in je beeldhouw-carrière! ​
Je schriftje wordt een schat aan waardevolle inzichten, die je laten zien hoe ver je bent gekomen. En wanneer je er klaar voor bent, kun je je schriftje gebruiken als de basis om de stap te zetten, om hulp, begeleiding en sturing te vragen van mij of Alex, en die moedige, eerste stappen van het delen te zetten.

De uiting van jouw waarheid is de eerste stap om feedback te ontvangen. En de liefdevolle feedback is de echo die je werk teruggeeft, zodat je het kunt perfectioneren.
feedback steenbeeldhouwen
De rol van de Mastermind: jouw laboratorium voor diepgaande feedback
Je hebt nu de basis: je vangt je ideeën, ordent ze, en durft ze te uiten. Maar waar breng je die uitings-fase naar het hoogste niveau? Waar experimenteer je met het delen van die chaotische schetsen en ruwe vormen in een veilige, doch veeleisende omgeving?

Daarvoor is er ons "Masters in Steen" Mastermind-traject dat in oktober start. Dit is de kern van ons aanbod voor de meest ambitieuze makers. In dit exclusieve jaartraject komen we één keer per maand bij elkaar op dinsdagavond (3,5 uur per sessie) in ons atelier in Leiden. En tussen de bijeenkomsten door blijven we in contact via een speciale groepsapp.

Bij al onze masterclasses, of dat nu de anatomie vijfdaagse masterclass is of de tweedaagse masterclass Schets naar Beeld, je wordt uitgedaagd, je wordt getriggerd, je moet er tijd in steken en ja, je krijgt ook thuisopdrachten. En ook die wil je serieus nemen, want het is jouw keuze hoe diep je duikt. Wij geven je alle tools om dat te doen. Wij begeleiden je bij elke stap om je beeldhouw-technieken, je beeldhouw-ogen, je beeldhouw-denken en je beeldhouw-zijn te vergroten. Want wanneer je eenmaal hebt leren zien, kun je niet meer niet zien!

De "Masters in Steen" Mastermind is het ultieme laboratorium voor diepgaande feedback. Hier worden je 'fouten' gevierd als leermomenten. Hier krijg je niet alleen feedback, maar leer je ook zelf op een constructieve manier feedback te geven, wat je eigen analytische en creatieve oog verder scherpt. De besloten groepsapp is een constante bron van ondersteuning, inspiratie en snelle feedback tussen de sessies door. Het is de plek waar de echo van jouw werk direct resoneert met een selecte groep gelijkgestemde makers en met de complementaire blik van Alex en mij.

Ons atelier is niet zomaar een plek; het is een levend ecosysteem van kennis. Kennis die we al decennia opdoen en die we gratis met jullie delen via onze blogs, en die we nog dieper aanboren in onze masterclasses en Mastermind-trajecten. Wij zijn er om jou te begeleiden, om jou de tools en de mindset te geven om jouw unieke artistieke stem te ontwikkelen. Jouw groei is onze missie. En die groei versnel je exponentieel door je werk te delen en de echo van feedback te omarmen.
Klaar voor diepgaande, liefdevolle feedback op je werk?
Dit is de kern van ons Masters in Steen Mastermind-traject dat in oktober start. Zet de stap en transformeer je 'fouten' in meesterlijke keerpunten voor jouw beeldhouw-carrière!
​

Meld je nu aan voor het intakegesprek en word deel van onze exclusieve community!
0 Opmerkingen

De rollende revolutie: de Oloïde – vorm van de toekomst en de magie van beweging (zelfs in steen!)

12/2/2026

0 Opmerkingen

 
Lieve kunstenaars, vorm-ontdekkers, en iedereen die zich graag laat verrassen door de verborgen schoonheid in de wereld om ons heen,

Welkom terug bij een blog over inspiratie! Ik ben Simone van Olst. Vandaag wil ik een onderwerp met je delen dat mij al jaren intrigeert, een vorm die zo uniek en bijzonder is dat het bijna magisch aandoet. Het is geen eeuwenoud artefact of een verloren gewaand meesterwerk, maar een relatief recente ontdekking die de grenzen tussen wiskunde, kunst, design en zelfs filosofie doet vervagen. Ik heb het over de Oloïde, en de boeken en geschriften die deze "vorm van de toekomst" beschrijven, vaak gebaseerd op het werk van zijn ontdekker, Paul Schatz.

Misschien heb je er nog nooit van gehoord, of misschien heb je er wel eens een zien rollen – want dat is een van zijn meest wonderlijke eigenschappen. De Oloïde is niet zomaar een statische, geometrische figuur. Het is een vorm die leeft, die beweegt op een manier die je niet verwacht, en die een diepe, bijna meditatieve fascinatie kan oproepen. Het is een vorm die vragen stelt over ruimte, beweging, continuïteit en transformatie. En hoewel het een uitdaging kan zijn om zo'n dynamische vorm te vangen in het solide, aardse materiaal steen, is de inspiratie die ervan uitgaat voor ons als beeldhouwers enorm. En, zoals je aan het einde zult lezen, hebben we in ons atelier in Leiden, dankzij de expertise van mijn collega Alex Sluimer, een heel speciale manier om deze vorm te verkennen!
De ontdekking van de Oloïde: Paul Schatz en de kunst van inversie
De Oloïde werd in 1929 ontdekt, of beter gezegd, ontwikkeld, door de Zwitserse wiskundige, uitvinder, kunstenaar en antroposoof Paul Schatz (1898-1979). Schatz was een man met een brede, holistische kijk op de wereld, altijd op zoek naar de verbindingen tussen wetenschap, kunst en spiritualiteit. Zijn ontdekking van de Oloïde was geen toevalstreffer, maar het resultaat van een diepgaand onderzoek naar de principes van inversie, of omkering, van geometrische vormen, met name de kubus.
Stel je een kubus voor die op een specifieke manier door de ruimte tuimelt, waarbij hij zichzelf als het ware binnenstebuiten keert. Schatz bestudeerde deze complexe beweging en ontdekte dat de baan die bepaalde punten van de kubus beschrijven, leidde tot de creatie van nieuwe, verrassende lichamen. Een van de meest opmerkelijke daarvan was de Oloïde. De constructie van de Oloïde zelf is verrassend elegant: neem twee identieke cirkels, plaats ze in loodrecht op elkaar staande vlakken, zodanig dat het middelpunt van de ene cirkel op de omtrek van de andere ligt, en omgekeerd. De Oloïde is dan het convexe omhulsel van deze twee cirkels – de kleinste ruimtelijke vorm die beide cirkels omsluit. Simpel gezegd, maar het resultaat is een vorm van een ongekende schoonheid en met heel bijzondere eigenschappen.
open oloide kanten
De wonderlijke eigenschappen van de Oloïde: een vorm die leeft en danst
Wat maakt de Oloïde nu zo speciaal, voorbij zijn elegante geometrische definitie?
  • Een afwikkelbaar oppervlak. Een van de meest opmerkelijke eigenschappen is dat de Oloïde een zogenaamd ‘afwikkelbaar oppervlak’ heeft (in het Engels: developable surface). Dit betekent dat je zijn gehele oppervlak kunt uitvouwen tot een plat vlak, zonder het te scheuren of te rekken. Dit platte vlak heeft de vorm van een soort S-vormige ruit. Dit is een zeldzame eigenschap voor een driedimensionaal lichaam met een gebogen oppervlak.
  • De unieke rolbeweging. Als je een Oloïde op een plat vlak legt en hem een zetje geeft, rolt hij op een heel karakteristieke, bijna dansende manier. Hij wiegt en meandert, maar de baan van zijn zwaartepunt is een rechte lijn! En nog wonderlijker: tijdens één volledige omwenteling raakt elk punt van zijn oppervlak precies één keer de ondergrond. Het is alsof de hele vorm zich afrolt over het vlak. Daarbij blijft het zwaartepunt op een constante hoogte, wat zorgt voor een vloeiende, gelijkmatige beweging. Dit maakt de Oloïde ook interessant voor technische toepassingen, zoals het mengen van vloeistoffen of als een soort voortstuwingsmechanisme.
  • Continuïteit en transformatie. De Oloïde is een continue, gesloten vorm zonder scherpe randen of punten (behalve de twee ‘kruispunten’ van de oorspronkelijke cirkels). Hij straalt een gevoel van oneindige flow en transformatie uit. De manier waarop de oppervlakken in elkaar overvloeien is hypnotiserend.
  • Esthetische kwaliteiten. Los van zijn wiskundige en fysische eigenschappen, heeft de Oloïde een grote esthetische aantrekkingskracht. Er zit een prachtige balans en harmonie in de vorm, een samenspel van rondingen en vlakken dat zowel complex als vanzelfsprekend aandoet. Het is een vorm die je wilt aanraken, wilt vasthouden, wilt zien bewegen.
Paul Schatz zag in de Oloïde en de principes van inversie die eraan ten grondslag liggen, een diepere symbolische betekenis. Hij zag het als een vorm die polariteiten verbindt, die transformatie en vernieuwing belichaamt, een model voor een meer harmonische en dynamische manier van denken en leven.
De Oloïde als sculpturale inspiratiebron: beweging gevangen in materie
Hoe kan zo’n dynamische, wiskundig gedefinieerde vorm ons als beeldhouwers inspireren? Op vele manieren!
  • De uitdaging van beweging in een statisch medium. De Oloïde daagt ons uit om na te denken over hoe we beweging, flow en dynamiek kunnen suggereren in een statisch materiaal als steen. Kunnen we de herinnering aan zijn rollende beweging, zijn wiegende dans, vangen in een stilstaande vorm?
  • De schoonheid van de continue vorm. Het gladde, ononderbroken oppervlak van de Oloïde, de manier waarop de vlakken in elkaar overgaan, is een prachtige studie voor elke beeldhouwer die geïnteresseerd is in organische of vloeiende abstractie. Het vraagt om een verfijnde afwerking en een diep gevoel voor de continuïteit van de lijn.​
oloide gutsgebruik
  • Precisie en intuïtie. Het realiseren van een Oloïde, of een vorm die erdoor geïnspireerd is, vraagt om een combinatie van wiskundige precisie (om de geometrie correct te krijgen) en artistieke intuïtie (om de vorm tot leven te brengen en er een eigen expressie aan te geven).
  • Symbolische potentie. De Oloïde, met zijn associaties met transformatie, oneindigheid, en de verbinding van tegenstellingen, biedt een rijke bron voor conceptuele sculptuur. Het kan een symbool zijn voor persoonlijke groei, voor de cycli van het leven, of voor de dynamische balans in de natuur.
  • Grenzen verleggen. Werken met een ongebruikelijke, complexe vorm als de Oloïde kan je helpen om je eigen technische en conceptuele grenzen als beeldhouwer te verleggen. Het dwingt je om nieuwe oplossingen te vinden en je creatieve denkvermogen aan te scherpen.
De Oloïde en steen: een uitdagende en liefdevolle dans
Het vertalen van de Oloïde naar steen is geen eenvoudige opgave, maar juist daarin schuilt een deel van zijn aantrekkingskracht.
  • De precisie vraagt vakmanschap. De exacte geometrie van de Oloïde vereist nauwkeurig meetwerk, een goed ruimtelijk inzicht, en een grote beheersing van je hak- en schuurtechnieken. Het is een test van je vakmanschap.
  • De continuïteit van het oppervlak. Het creëren van die perfect vloeiende, ononderbroken oppervlakken in een hard, weerbarstig materiaal als steen vraagt geduld en een verfijnd gevoel voor vorm. Elke oneffenheid, elke aarzeling in de lijn, wordt zichtbaar.​
open oloide raspen
  • Materiaalkeuze. Welke steensoort leent zich het best voor een Oloïde? Een homogene, fijnkorrelige steen zonder al te veel adering of insluitsels (zoals bepaalde marmersoorten of een fijne kalksteen) zal de pure vorm het beste tot zijn recht laten komen. Maar misschien kan juist de tekening in een andere steensoort een extra, onverwachte dimensie toevoegen aan de beweging.
  • De illusie van lichtheid en beweging. Hoe geef je een zware, massieve stenen Oloïde toch dat gevoel van lichtheid en potentiële beweging dat zo kenmerkend is voor de vorm? Dat zit in de perfectie van de rondingen, de balans van de massa, en de manier waarop het licht over het oppervlak speelt.
​​Het realiseren van een Oloïde in steen is een intensief proces, een ware dialoog tussen de wiskundige precisie van het concept en de fysieke realiteit van het materiaal. Maar de voldoening als je zo’n complexe, pure en dynamische vorm uit de weerbarstige steen weet te bevrijden, is immens.
Waarom de Oloïde mij (en jou misschien ook) zo fascineert
Wat mij persoonlijk zo trekt in de Oloïde, is de wonderlijke combinatie van strikte wiskundige wetmatigheid en een bijna organische, levende uitstraling. Het is een vorm die je verstand prikkelt én je gevoel raakt. Het is abstract, maar tegelijkertijd roept het allerlei associaties op met natuurlijke processen van groei, stroming en transformatie. Het is een vorm die nooit verveelt; vanuit elke hoek ziet hij er net weer anders uit, en zijn rollende beweging heeft iets meditatiefs.

De Oloïde vult mijn "interne databank" als kunstenaar met een heel nieuw vocabulaire van vorm en beweging. Het herinnert me eraan dat er buiten de bekende paden van figuratie of traditionele abstractie nog zoveel te ontdekken valt. En het inspireert me om ook in mijn eigen, misschien meer organische werk, te blijven zoeken naar diezelfde combinatie van innerlijke logica en levende expressie.

Ervaar de Oloïde zelf – de workshops van Alex Sluimer in ons atelier!
Nu denk je misschien: "Een Oloïde, fascinerend en prachtig, Simone, maar hoe begin ik in hemelsnaam aan zoiets, zeker in steen? Dat lijkt me echt iets voor experts!" En ja, het is een complexe vorm die precisie en inzicht vereist. Maar hier komt het goede nieuws, het absolute klapstuk van dit verhaal: in ons Beeldhouwatelier Simone van Olst hebben we het voorrecht om de expertise van mijn collega Alex Sluimer in huis te hebben. Alex, met zijn diepgaande kennis van geometrie, wiskundige vormen en zijn meesterschap in het vertalen daarvan naar steen, is de perfecte gids om je in te wijden in de wereld van de Oloïde.

Speciaal voor diegenen die gefascineerd zijn door deze "vorm van de toekomst" en de uitdaging willen aangaan om er zelf mee aan de slag te gaan, biedt Alex in ons atelier in Leiden unieke workshops aan: "De Oloïde" en zelfs "De open Oloïde"!

Wat kun je verwachten in deze workshops?
  • Je duikt onder Alex’ deskundige leiding diep in de geometrie en de constructieprincipes van de Oloïde. Geen zorgen, je hoeft geen wiskundeknobbel te hebben; Alex legt het helder en praktisch uit.
  • Je leert hoe je het ontwerp van een Oloïde kunt uitzetten en voorbereiden voor uitvoering in drie dimensies.
  • Je gaat praktisch aan de slag met het creëren van een Oloïde. Afhankelijk van de workshopduur en je ervaring kan dit een model zijn in een makkelijker te bewerken materiaal, een gedetailleerde maquette als voorstudie voor steen, of zelfs de eerste stappen in een geschikt stuk steen. Alex begeleidt je bij elke stap.
  • Bij de workshop "Open Oloïde" verken je een nog complexere variant, waarbij de interne structuur en de interactie van volumes en leegtes centraal staan – een ware test van je ruimtelijk inzicht en technische vaardigheid!

Waarom bij Alex in ons atelier? 
  • Alex combineert zijn wiskundige precisie met een enorme passie voor het ambacht van het steenbeeldhouwen. Hij kan als geen ander de brug slaan tussen het abstracte concept en de concrete realisatie in steen. In de inspirerende en ondersteunende sfeer van ons atelier krijg je de persoonlijke aandacht en de technische begeleiding die je nodig hebt om deze bijzondere vorm te meesteren.
Dit is echt een unieke kans om onder leiding van een expert te werken aan een van de meest intrigerende geometrische vormen van de moderne tijd. Het is een investering in je technische vaardigheden, je ruimtelijk inzicht, en je vermogen om complexe, harmonieuze vormen te creëren.

Ben je klaar om de rollende revolutie van de Oloïde zelf te ervaren? Wil je de dans tussen wiskunde en materie aangaan? Op 
23 maart en 6 april 2026 vindt de Open Oloïde workshop plaats! Zien we je dan?

De Oloïde is meer dan een vorm; het is een ervaring, een ontdekkingsreis. En wie weet, misschien rolt er binnenkort wel een door jou gemaakte Oloïde door je eigen leven!
open oloide
Met een dynamische en creatieve groet,

Simone van Olst
Beeldhouwatelier Simone van Olst, Leiden
0 Opmerkingen

Henry Moore en zijn fotografie – een diepgaande reis door beeld en licht

10/2/2026

0 Opmerkingen

 
Beste fotografie-fanaat, beeldhouwend kunstenaar, of liefhebber van Moore,

Mijn naam is Simone van Olst, welkom op mijn blog. Wanneer ik het over Henry Moore heb tijdens mijn lezing en workshop In de voetsporen van Henry Moore, valt me altijd op hoe hij kunst en observatie zo organisch combineerde. Je ziet zijn vormen voor je ogen, voelt de zachte rondingen en het spel van licht en schaduw, maar wat vaak minder wordt besproken, is hoe fotografie een cruciale rol speelde in zijn creatieve proces. 


Voor Moore was fotografie niet slechts een manier om zijn werk vast te leggen; het was een instrument van reflectie, analyse en ontwikkeling. Het stelde hem in staat om zijn sculpturen vanuit nieuwe perspectieven te bekijken, om vormen te onderzoeken, en om zijn visie steeds verder te verfijnen. Het was alsof hij met zijn camera een extra paar ogen creëerde – ogen die niet alleen zagen, maar ook dachten en voelden.
De rol van fotografie in Moore’s artistieke proces
Moore gebruikte fotografie niet zomaar als documentatiemiddel, maar als een essentieel onderdeel van zijn creatieve proces. Door zijn sculpturen vast te leggen op beeld, kon hij ze bestuderen alsof hij er met afstand opnieuw naar keek, bijna alsof hij het werk analyseerde vanuit de ruimte zelf. Fotografie werd zo een verlengstuk van zijn blik én zijn denkproces.

Door foto’s te maken vanuit verschillende hoeken en onder uiteenlopende lichtomstandigheden, kreeg hij een dieper inzicht in de dynamiek van vormen en volumes. Elke opname bood nieuwe informatie: werkte de relatie tussen ruimte en vorm zoals hij had bedoeld? Hoe viel het licht over het oppervlak? Welke schaduwen versterkten de compositie, en welke onthulden juist onverwachte details? Soms lieten foto’s aspecten zien die met het blote oog nauwelijks opvielen, maar die wel cruciaal waren voor de verdere ontwikkeling van het werk.

foto henry moore schets
Het is bijna alsof Moore zijn sculpturen in slow motion bestudeerde: elk beeld een pauzemoment vol aandacht en reflectie. Voor ons als kijkers, en zeker voor deelnemers van de workshop, schuilt hierin een waardevolle les. Door letterlijk en figuurlijk afstand te nemen, door te spelen met perspectief en waarneming, leer je anders kijken. Soms zie je pas echt wat er is, wanneer je bereid bent om je standpunt te veranderen.​
​Fotografie als instrument van documentatie, analyse en presentatie
Fotografie diende Moore op meerdere manieren, en het is handig om dit even overzichtelijk samen te vatten. Zo kun je goed zien hoe veelzijdig hij met dit medium werkte.
  • ​Documentatie. Elke sculptuur werd systematisch vastgelegd vanuit verschillende hoeken en onder diverse lichtomstandigheden, zodat een volledig visueel archief ontstond.
  • Analyse en reflectie. Moore bestudeerde de beelden kritisch om vormen, structuren en schaduwen te evalueren, wat hem hielp om subtiele details en verhoudingen te verbeteren.
  • Presentatie. Fotocollages en zorgvuldig samengestelde visuele presentaties maakten het mogelijk om de complexiteit en schoonheid van zijn werk optimaal te tonen aan een publiek, zowel in musea als in publicaties.
  • Educatie. Door middel van foto’s konden studenten, kunstliefhebbers en toekomstige kunstenaars inzicht krijgen in zijn werkwijze en creatieve denkwijze.
  • Innovatie. Fotografie liet Moore experimenteren met nieuwe perspectieven en technieken, waardoor hij zijn traditionele beeldhouwpraktijk kon verrijken met moderne visuele middelen.
werken van henry moore
Invloed op tentoonstellingen en publieke presentatie
Fotografie speelde voor Moore niet alleen een rol in het maakproces, maar ook in de manier waarop zijn werk aan het publiek werd gepresenteerd. Hij gebruikte het medium bewust om de ervaring van zijn sculpturen te sturen en te verdiepen. Door zorgvuldig samengestelde fotocollages en doordachte visuele presentaties konden zijn beelden op een manier worden getoond die de complexiteit, kracht en subtiliteit ervan volledig tot hun recht liet komen.

Moore dacht daarbij altijd vooruit: hij wilde niet dat zijn werk alleen werd bekeken, maar echt werd begrepen. Met behulp van fotografie kon hij het publiek als het ware meenemen in zijn manier van kijken. Foto’s boden context, lieten verschillende perspectieven zien en maakten zichtbaar hoe zijn sculpturen zich verhielden tot ruimte, omgeving en licht. Zo ontstond een rijker verhaal rondom het werk dan een enkel object in een tentoonstellingszaal ooit zou kunnen vertellen.

Zijn foto’s vonden bovendien hun weg naar museale presentaties, catalogi, educatieve programma’s en publicaties. Daarmee vormden ze een brug tussen de fysieke sculptuur en het publiek: een toegankelijk middel om complexe artistieke ideeën over te brengen.

Ook binnen de workshop herkennen deelnemers dit principe. Vaak blijkt hoe waardevol het is om een werk eerst ‘visueel te ontleden’, te onderzoeken en te begrijpen voordat je zelf gaat vormgeven. Moore liet dit proces decennia geleden al zien: aandachtig kijken, analyseren en verbeelden als fundament voor echte creatie.
Fotografie als denktool en creatieve motor
Voor Henry Moore was fotografie veel meer dan een technisch hulpmiddel of een manier om zijn werk vast te leggen. Het fungeerde als een krachtig middel om te leren, te ontdekken en te communiceren. Elke foto droeg bij aan de verfijning van zijn sculpturen; elk nieuw perspectief bracht inzichten die hem hielpen om vorm, ruimte en balans scherper te doorgronden. Fotografie werd zo een actief onderdeel van zijn denkproces, een instrument waarmee hij zijn eigen werk kritisch kon onderzoeken.
Door fotografie bewust te integreren in zijn artistieke praktijk wist Moore traditionele beeldhouwkunst te verbinden met moderne technologie. Deze kruisbestuiving leidde tot vernieuwende werkwijzen en tot sculpturen die niet alleen technisch sterk waren, maar ook een diepere gevoeligheid voor ruimte, licht en beleving toonden. Zijn aanpak was vooruitstrevend en visionair, en juist daarom nog steeds relevant.

Voor hedendaagse kunstenaars schuilt hierin een duidelijke boodschap. Zie fotografie niet uitsluitend als documentatie achteraf, maar als een volwaardig creatief instrument. Gebruik het om te reflecteren op je werk, om nieuwe invalshoeken te ontdekken en om je ideeën helder te communiceren. In dat opzicht laat Moore ons zien dat kijken, vastleggen en herinterpreteren onlosmakelijk verbonden zijn met het creatieve proces zelf.
beelden henry moore boek
Ervaar het zelf
Moore’s pioniersgeest laat zien hoe krachtig de wisselwerking tussen kunst en techniek kan zijn. Zijn manier van werken nodigt ons uit om te vertragen, opnieuw te kijken en met meer aandacht stil te staan bij wat we maken. Het herinnert ons eraan dat creativiteit niet alleen draait om doen, maar juist ook om waarnemen, twijfelen, onderzoeken en ontdekken.

Tijdens de lezing en workshop In de voetsporen van Henry Moore wordt dit gedachtegoed tastbaar. Deelnemers ervaren hoe observatie, documentatie en experiment hand in hand gaan, en ontdekken hoe zij hun eigen creatieve proces kunnen verdiepen en verrijken - precies zoals Moore dat ooit deed.

Hopelijk inspireert dit verhaal je om zelf anders te kijken, met meer nieuwsgierigheid en aandacht. En misschien ontmoeten we elkaar wel tijdens een lezing of workshop. Je bent van harte welkom.
Met kritische en creatieve groet,

Simone van Olst
Beeldhouwatelier Simone van Olst
0 Opmerkingen
<<Vorige

    Simone van Olst

    Beeldhouwer, begeleider kunstenaars, museum lover, organisator culturele projecten, kunstlezingen, schrijver.

    Archief

    Maart 2026
    Februari 2026
    Januari 2026
    December 2025
    November 2025
    Oktober 2025
    September 2025
    Augustus 2025
    Juli 2025
    Juni 2025
    Mei 2025
    April 2025
    Maart 2025
    Februari 2025
    Januari 2025
    December 2024
    November 2024
    September 2024
    Februari 2022
    Januari 2022
    December 2021
    November 2021
    Oktober 2021
    September 2021
    Juni 2021
    December 2020
    November 2020
    Oktober 2020
    September 2020
    Oktober 2019
    Juni 2019
    Oktober 2018
    September 2018
    Juni 2018
    Mei 2018
    December 2016
    November 2016
    Oktober 2016
    September 2016
    Augustus 2016
    Juli 2016
    Juni 2016
    Mei 2016
    April 2016
    Maart 2016
    Februari 2016
    Januari 2016
    December 2015
    November 2015
    Oktober 2015
    September 2015
    Augustus 2015
    April 2015
    Maart 2015
    Januari 2015
    December 2014
    November 2014
    September 2014

    Categorie

    Alles
    Abstractie
    ADHD
    Albast
    Alex Sluimer
    Angst
    Balans
    Beelden
    Beeldhouwatelier Leiden
    Beeldhouwen
    Boeken
    Brein
    Chaos Schriftjes Methode
    Compositie
    Creatief Proces
    Creativiteit
    Denkwerk
    Diepte En Perspectief
    Divergent Denken
    Doe Het Zelf
    Emotionele Inhoud
    Energie
    Exposities
    Genieten
    Healing
    Hygge
    Innerlijke Rust
    Innovatie
    Inspiratie
    Kristal
    Kunst Leiden
    Kunstroute
    Lagom
    Leidse Kunstroute
    Marmer
    Mentale Rust
    Mindset
    Narratief
    Negatieve Ruimte
    Overvloed
    Persoonlijke Groei
    Persoonlijke Ontwikkeling
    Productieviteits Druk
    Productiviteit
    Psycologie
    Rust
    SamStone
    Schilderkunst
    Sculptuur
    Simone Van Olst
    Slaap
    Slapen
    Speksteen
    Steenbeeldhouwen
    Steensoorten
    Tentoonstelling
    Textuur
    Veerkracht
    Vertouwen
    Waxinelichtje
    Workshop
    Zelfliefde

    RSS-feed


​Neem contact op of kom langs:


Foto

atelier

Kenauweg 17a
​

2331 BA Leiden
​
Openingstijden

CONTACT

Telefoon:
​06-285 68 997
​
Mail:
[email protected]

bedrijfsgegevens

KVK nummer:
​57186820
​
Btw identificatienummer: NL001980586B04

PRIVACY

Privacyverklaring

Cookieverklaring
​

Algemene voorwaarden