SIMONE VAN OLST
  • Home
  • Beelden
    • Beelden 1
    • Beelden 2
    • Beelden 3
    • Exposities
    • Werk in opdracht
  • Workshops
    • Bedrijfsworkshop
    • Studenten
    • Lezingen met workshop >
      • Masterclass: Schets naar Beeld
      • Masterclass: Chaos Schriftje methode
      • In de voetsporen van Henry Moore
      • Metamorfose volgens Arp
      • De natuur volgens Barbara Hepworth
      • Revolutie in Vorm
    • Groepsworkshops
    • Thematische verdiepingsworkshops >
      • Masterclass: Botanisch beeldhouwen 5 dgn
      • Masterclass: Anatomische torso 5 dgn
      • Natuurlijke vormen
      • Organische vormen
      • Torso uit ruwe vorm
      • Uit je Bolletje
      • Schaal maken
      • Vogel maken
      • Beeldhouwen tijdens Kerst
    • Wiskundige verdiepingsworkshop >
      • Masterclass: Drieknoop (Lemniscaat)
      • Binnenstebuiten: Dubbele Hol & Bol
      • Dubbele Lemniscaat
      • Modulelessen: Verdieping
      • Möbiusband één draai
      • Möbiusband vier draai
      • Open Olöide
    • Boek jouw creatieve zaterdag
  • Cursussen
    • Informatie cursussen >
      • Kies jouw strippenkaart!
      • Boek jouw proefles!
    • Ontdek Alex & Simone Unlimited
    • Mastermind: Masters in Steen
    • Winteracademie
    • Zomeracademie
  • Agenda
  • Blogs
  • Boeken
    • Natuur beeldhouwen in steen
    • De kunst van anatomisch beeldhouwen
    • Ontdek: Schets naar Beeld
  • Webshop
    • Cadeaubon
  • Contact
    • Projecten >
      • Publicaties
    • Inspiratienieuws
    • Over ons >
      • Openingstijden
      • Vakantieschema
      • Vacatures
      • ​Beeldhouwwerk voor film, TV en producties
      • Groendecorateurs
    • Veel gestelde vragen
    • Winkel, materialen & service
    • Algemene voorwaarden >
      • Privacyverklaring
      • Cookieverklaring

De vrijheid van de begrenzing: waarom minder juist méér is

30/4/2026

0 Opmerkingen

 
In ons atelier aan de Kenauweg in Leiden horen we vaak die ene verzuchting: "Had ik maar een groter blok," of "Was deze steen maar niet zo breekbaar." We zijn namelijk collectief geneigd te denken dat absolute, grenzeloze vrijheid de ultieme voorwaarde is voor creativiteit. Maar de wetenschap en de kunstgeschiedenis vertellen ons een totaal ander — en veel spannender — verhaal! Paradoxaal genoeg is het namelijk niet de oneindige ruimte, maar juist de strikte beperking die onze diepste artistieke bronnen aanboort.
​
In deze blog onderzoek ik, Simone van Olst, waarom beperkingen — of ze nu technisch, materieel of intellectueel zijn — de ware katalysator vormen voor meesterschap. We duiken diep in de psychologie van de creative constraint en passen dit toe op de weerbarstige, prachtige praktijk van het beeldhouwen in albast en marmer.
De psychologie van de creative constraint
​De aanname dat creativiteit gedijt bij totale vrijheid is een hardnekkige mythe die we vandaag direct doorbreken. In de cognitieve psychologie staat dit fenomeen bekend als 
choice overload. Wanneer de mogelijkheden eindeloos zijn, treedt er geen creatieve explosie op, maar juist verlamming (decision paralysis). Het brein raakt overprikkeld door de oneindige hoeveelheid afslagen die het kan nemen, wat onvermijdelijk leidt tot oppervlakkige beslissingen en een pijnlijk gebrek aan focus.
De academische onderbouwing: beperking als filter
Onderzoek van psycholoog Patricia Stokes (Columbia University) naar Constraints and Creativity toont aan dat beperkingen ons dwingen om 'bottom up' te denken. In plaats van te leunen op bekende patronen, dwingt een beperking ons brein om letterlijk nieuwe neurale paden aan te leggen.

In het atelier betekent dit dat een lastige ader in het albast of een beperkt formaat steen fungeert als een briljant filter. Het sluit 90% van de standaardoplossingen uit, waardoor je gedwongen wordt om in die overgebleven 10% de absolute diepte op te zoeken. Dit is het punt waar de echte innovatie plaatsvindt! De beperking is niet de muur waar je tegenaan loopt, maar de trechter die je visie verscherpt.
beeld personen poppetjes steen
Beperkingen op verschillende niveaus van meesterschap
Beperkingen zijn niet statisch; ze werken anders naarmate je kennis en techniek groeien. Aan de Kenauweg stemmen Alex en ik de uitdagingen daarom nauwkeurig af op jouw niveau. Waarom? Omdat de juiste beperking precies op de grens van je kunnen moet liggen om groei te forceren.


Niveau A: De beginner – de beperking van de vorm
​Voor de beginnende maker is de grootste beperking vaak het gebrek aan technische bagage. Hoewel dat als een hindernis voelt, is het in feite een enorme zegen! Omdat je nog niet alle gereedschappen beheerst, word je gedwongen om alles uit die ene rasp of beitel te halen.
  • De focus: je leert de essentie van de 'baguette' of de 'worstje' begrijpen zonder te verdrinken in micro details. De beperking van je kunnen dwingt je tot een krachtige, heldere vormentaal.

Niveau B: De semi-ervaren maker – de beperking van de methode
Wanneer je de techniek eenmaal beheerst, sluipt de routine er ongemerkt in. Hier introduceren we de intellectuele beperking om je wakker te schudden. We dwingen je bijvoorbeeld om uitsluitend met negatieve ruimte te werken of om een vorm te maken die slechts op één punt de sokkel raakt.
  • De focus: deze 'obstakels' breken je routine. Je moet je haptische intelligentie opnieuw ijken omdat je veilige standaardoplossingen simpelweg niet meer werken.

Niveau C: De mastermind – de beperking van de conceptuele rigor
Voor de professional is de beperking vaak conceptueel van aard. Je legt jezelf een strikt thema of een morfologische regel op (denk aan uitsluitend organische segmentatie zoals mandarijnpartjes). 
  • De focus: de beperking dient hier om een echt oeuvre te smeden. Het dwingt je tot een extreme verdieping binnen een nauw kader, wat leidt tot een onmiskenbaar eigen artistiek handschrift.
beitel op steen beeldhouwen
details close-up beeld tulp
beitel op steen beeldhouwen
De steen als dictator: materiële beperkingen
De meest eerlijke en rauwe beperking in ons atelier komt van de steen zelf. Albast en marmer zijn geen passieve materialen; het zijn persoonlijkheden die hun eigen wil opleggen!


De tyrannie van de dikte (transparantie vs. sterkte)
Wanneer je streeft naar de ultieme transparantie in albast, loop je tegen de keiharde fysieke grens van het materiaal aan. Hoe dunner de wand, hoe groter de breekbaarheid. 
  • De verdieping: deze beperking dwingt je tot een bijna chirurgisch technisch bewustzijn. Je kunt niet zomaar hakken; je moet de kristalstructuur leren 'lezen'. De angst voor de breuk scherpt al je zintuigen. Je waarneming wordt hyper geconcentreerd. De beperking van de materie transformeert je hier van een 'hakker' in een 'chirurg van het licht'.

De onverwachte breuk: een nieuw kader
Laten we eerlijk zijn: een breuk is de ultieme beperking. Opeens is een deel van je volume weg. 
  • Academische invalshoek: dit raakt aan de 'functional fixedness'. We zijn gewend om een object alleen te zien in zijn oorspronkelijke functie of vorm. Een breuk dwingt je om die fixatie radicaal los te laten. Je moet de overgebleven massa herinterpreteren. Vaak ontstaat hier de 'inconsistentie' die de ziel van het werk vormt. De beperking van de breuk is de geboorte van een nieuwe, vaak veel interessantere mogelijkheid!
Belichaamde cognitie en de hand als begrenzer
Zelfs onze eigen anatomie legt ons beperkingen op. Je kunt je arm maar tot een bepaalde hoek draaien en je fysieke kracht heeft een natuurlijk plafond. In plaats van dit als een gebrek te zien, moeten we dit omarmen als onderdeel van onze e
mbodied cognition.

De beperking van je fysieke bereik bepaalt de schaal waarop je werkt en de ritmiek van je gereedschapsporen. Jouw unieke beperkingen — de lengte van je armen, de kracht in je pols — vormen samen de 'biometrische signatuur' van je werk. In de Mastermind groep analyseren we deze fysieke grenzen om je te helpen je eigen stijl te consolideren. Je probeert niet te werken als een machine, maar je viert juist de prachtige beperking van het mens zijn!
Oefeningen in beperking (de training van de geest)
Om de kracht van beperkingen zelf te ervaren, hebben we een serie uitdagende oefeningen ontwikkeld. Voer deze uit met volledige overgave; de frustratie die je zult voelen is het beste teken dat je brein keihard aan het werk is om nieuwe paden aan te leggen!
​

De één-gereedschap uitdaging (technisch)
Maak een volledige vormstudie (zoals een torso) in klei of was, maar gebruik gedurende de hele sessie uitsluitend één gereedschap (bijvoorbeeld alleen je duim of alleen een grove houten spatel).
  • De winst: je wordt gedwongen om de veelzijdigheid van dat ene instrument tot het uiterste te drijven en ontdekt texturen die je normaal zou omzeilen.

De transparantie-grens (materieel)
Neem een klein stukje albast en dwing jezelf om één wand zo dun te maken dat je er de krant doorheen kunt lezen. Stop pas als de steen breekt of als je de transparantie hebt bereikt.
  • De winst: je traint je haptische feedback en leert de subtiele 'waarschuwingen' van de steen (geluid, trilling) feilloos herkennen.

De negatieve ruimte dictatuur (conceptueel)
Je mag de buitenkant van je steen niet aanraken. Je mag alleen vormgeven door van binnenuit gaten en tunnels te maken. De 'buitenkant' moet de ruwe korst van de steen blijven.
  • De winst: dit gooit je ruimtelijk inzicht volledig overhoop. Je leert de 'lucht' te boetseren in plaats van de massa.

De niet-kijken sessie (zintuiglijk)
Werk dertig minuten aan een curve (de croissant van de heup) met een blinddoek om. Vertrouw uitsluitend op je handen.
  • De winst: je schakelt de dominante visuele controle uit en leert volledig te vertrouwen op je eigen waarnemings autoriteit.

De tijd restrictie (psychologisch)
Zet een wekker op 15 minuten. In die tijd moet je een ruwe vormopzet maken van een complex anatomisch onderdeel (het mandarijnpartjes van de borst). Na 15 minuten stop je direct.
  • De winst: je elimineert perfectionisme en dwingt je brein tot snelle, intuïtieve beslissingen zonder de ruis van de ratio.
lemniscaat drieknoop beeld
mandarijnpartjes beeldhouwen steen anatomie
möbius band beeldhouwen uit steen
De vrijheid van de discipline
Beperkingen zijn de architecten van onze creativiteit. In het atelier aan de Kenauweg zien Alex en ik dagelijks dat de meest gedenkwaardige beelden ontstaan op de snijlijn van noodzaak en beperking. Wanneer je stopt met vechten tegen de grenzen van de steen, je techniek of je tijd, en ze gaat gebruiken als de kaders van je onderzoek, ontstaat er een diepe artistieke rust.


Meesterschap is niet het vermogen om alles te kunnen, maar het vermogen om binnen de beperkingen van de materie en de geest een oneindige diepte te vinden. Dus de volgende keer dat je steen breekt of je gereedschap tekortschiet: juich! De beperking heeft zojuist de deur geopend naar een niveau van creativiteit dat je met volledige vrijheid nooit had bereikt.
0 Opmerkingen

Architecturale lef en de magie van het licht in Bourse de Commerce

29/4/2026

0 Opmerkingen

 
Parijs blijft ons keer op keer verrassen, maar wat we die donderdag ervoeren bij de Bourse de Commerce was werkelijk waanzinnig. Er zijn plekken die je artistieke hart sneller doen kloppen, maar dit museum doet er een schepje bovenop. Het is een manifestatie van lef, waarbij de historische grandeur van een graanbeurs botst met de minimalistische, bijna brute kracht van hedendaagse architectuur. Alex en ik, Simone van Olst, waren direct verkocht; dit is een plek waar expertise en expressie in elke korrel van het beton en elk stukje glas voelbaar zijn.
Een dialoog in beton: de architectuur van Tadao Ando
De Bourse de Commerce is de thuishaven van de befaamde Pinault Collectie. Maar voordat je zelfs maar naar de kunst kijkt, word je gegrepen door het gebouw zelf. De Japanse Tadao Ando heeft een meesterstuk geleverd door een enorme betonnen cilinder midden in de historische ronde koepelzaal te plaatsen.

Tadao Ando is een meester van het minimalisme en een architect die beton laat ademen. Je zou hem kunnen kennen van iconische projecten zoals de Kerk van het Licht in Osaka of zijn indrukwekkende werk op het 'kunsteiland' Naoshima, waar hij architectuur en natuur naadloos in elkaar laat overvloeien. Voor mij, met mijn grote liefde voor gedurfde en brutalistische architectuur, is Ando een absolute held. Ik geniet intens van die eerlijke, bijna rauwe expressie van materiaal waarbij de textuur van het beton de hoofdrol speelt. Het is die onverschrokkenheid — het durven neerzetten van een massief, onverzettelijk volume in een historische omgeving — die mij als beeldhouwer inspireert om ook in mijn eigen werk de kracht van de essentie op te zoeken, zonder concessies te doen aan de vorm.

Voor ons als beeldhouwers was dit een visuele traktatie. De manier waarop het gladde, grijze beton contrasteert met de negentiende-eeuwse fresco’s op de koepel is een les in ruimtelijke compositie. Ando heeft een 'gebouw in een gebouw' gecreëerd, waardoor er nieuwe zichtlijnen en looproutes ontstaan die je dwingen om op een andere manier naar de ruimte te kijken. Het is architectuur die niet alleen dient, maar zelf een sculpturale expressie is.
sculptuur Bourse de commerce
werken Bourse de commerce
sculptuur Bourse de commerce
schilderij Bourse de commerce
De Pinault collection
François Pinault is niet zomaar een verzamelaar; hij is een van de meest invloedrijke figuren in de hedendaagse kunstwereld. Als oprichter van het luxeconcern Kering (denk aan merken als Gucci en Saint Laurent) begon hij meer dan vijftig jaar geleden met het opbouwen van een collectie die inmiddels meer dan tienduizend werken omvat. Wat zijn verzameling zo uniek maakt, is zijn onvoorwaardelijke steun aan levende kunstenaars en zijn voorkeur voor werken die de kijker uitdagen. Dat de Pinault collectie juist in de Bourse de Commerce zo prachtig tot recht komt, is geen toeval. De ronde vorm van het gebouw — ooit de plek waar graanprijzen werden bepaald — symboliseert een oneindige cyclus. De versmelting van Pinaults avant-gardistische visie met de verstilde architectuur van Tadao Ando zorgt ervoor dat het museum niet voelt als een statische opslagplaats, maar als een dynamisch organisme. Hier ontmoeten de rijkdom van het verleden en de gedurfde vragen van de toekomst elkaar in een perfecte, cirkelvormige dialoog.
rotonde film Bourse de commerce
De rotonde: een metafysisch ritueel
Onder de indrukwekkende zenitale koepel van het museum vonden we het absolute hart van de huidige tentoonstelling. Op het ronde podium van de Rotonde, dat door Tadao Ando is getransformeerd tot een tijdloos amfitheater, wortelt het werk Camata (2024) van Pierre Huyghe.

Terwijl we daar stonden, werden we meegezogen in een metafysisch ritueel dat de kunstenaar filmde in de onmetelijke uitgestrektheid van de Atacama-woestijn in Chili. Het werk nodigt uit tot een diepe meditatie over onze plek in het universum. De overgangen van nacht naar dag, van schaduw naar licht, en van het menselijke naar het niet-menselijke worden daar voortdurend opnieuw beleefd. Voor ons als makers, die dagelijks werken met de aardse materie van steen, was deze verbinding tussen het rituele en de kosmos adembenemend.
De expositie: "Clair-obscur"
De reis door het museum vervolgt zich met de tentoonstelling Clair-obscur. Deze voert je mee langs een selectie van meer dan honderd werken uit de Pinault Collectie die spelen met de grens tussen duisternis en helderheid. Elders in het museum vonden we de verstilde kracht van de Roemeense kunstenaar Victor Man, wiens werk prachtig aansluit bij dit thema. Ook de poëtische installaties van Laura Lamiel in de Passage maken de lichtinval en kleuren bijna tastbaar, alsof je de schaduwen kunt aanraken.
Een instituut van wereldklasse
​
De Bourse de Commerce is meer dan een museum; het is een levende kunstinstelling die de polsslag van de hedendaagse kunstwereld meet. De expertise die hier spreekt uit de curatie is van een niveau dat ons als makers weer op scherp zet. Het herinnerde ons eraan dat kunst mag schuren en dat expressie geen grenzen kent. Na de verstilling van de kleinere musea was de Bourse de Commerce de broodnodige explosie van moderne kracht die onze blik op de dialoog met een historische ruimte fundamenteel heeft verrijkt.
stenen beeld Bourse de commerce
kleurrijk werk Bourse de commerce
Een staat van artistieke absorptie
Toen we na uren eindelijk weer naar buiten stapten, voelde het alsof we de wereld door een nieuwe lens bekeken. We hadden dit museum niet alleen bezocht; we hadden het opgenomen als een spons. Terwijl we over de zwevende trappen van Ando omhoog cirkelden, veranderde bij elke trede ons perspectief op de ruimte, een bijna fysieke ervaring van de architectuur die de akoestiek en de schaal van het gebouw voelbaar maakte. In de enorme Rotonde zagen we hoe de dansende stofdeeltjes in de brede lichtstralen van de glazen koepel bijna onderdeel werden van de installatie van Pierre Huyghe, waardoor de grens tussen materie en licht volledig vervaagde.

Er hangt in de Bourse de Commerce een soort sacrale rust die je volledig losweekt van de hectiek van de stad, een gelukzalige stilte die ontstaat wanneer vorm en inhoud perfect in balans zijn. Alex en ik liepen de eerste honderd meter in stilte over de kasseien, na eerst even op een bankje te hebben gezeten, simpelweg om de enorme hoeveelheid indrukken een plekje te geven. Het contrast tussen de serene, betonnen wereld binnen en de plotselinge, rauwe levendigheid van de wijk Les Halles buiten was een schok voor de zintuigen die ons weer met beide benen op de grond zette. Dit was voor ons niet zomaar een museumbezoek; het was een van de absolute hoogtepunten van onze reis. We verlieten het pand met een hoofd vol nieuwe ideeën en een hart dat oversloeg van pure makersvreugde. Parijs heeft ons veel gegeven deze week, maar de Bourse de Commerce gaf ons de bevestiging dat kunst, wanneer het met zoveel lef en visie wordt gepresenteerd, de kracht heeft om je ziel even volledig op te tillen.
​Praktische informatie & tickets voor jouw bezoek aan Parijs (en dit museum!)
  • Locatie: 2 Rue de Viarmes, 75001 Parijs (hartje Les Halles).
  • Openingstijden: Dagelijks van 11:00 tot 19:00 uur (vrijdag tot 21:00 uur). Gesloten op dinsdag.
  • Tickets: Reserveer online via de officiële website voor een specifiek tijdslot.

Onze tip: neem de tijd in de Rotonde om de film van Pierre Huyghe echt op je in te laten werken; de akoestiek en de schaal van de ruimte maken het tot een unieke ervaring.
0 Opmerkingen

Een heilige grond voor kleur - onze pelgrimage naar Sennelier

28/4/2026

0 Opmerkingen

 
Er zijn plekken op de wereld waar de geschiedenis niet in boeken staat, maar in de muren is getrokken door de geur van lijnolie, terpentijn en zuivere pigmenten. Voor Alex en mij, Simone van Olst, was er één adres in Parijs dat we absoluut niet konden overslaan: de legendarische kunstenaarswinkel van Sennelier aan de Quai Voltaire.

Gelegen in een prachtig oud pand direct aan de Seine, tegenover het Louvre, voelt deze winkel als het kloppende hart van de schilderkunst. Het is een plek waar de tijd lijkt te zijn gestold, terwijl de creatieve energie er juist van de muren spat.
Een budgettaire 'vrije val' in een historisch decor
​
Laten we eerlijk zijn: we gingen volkomen over ons budget. Het is onmogelijk om deze winkel binnen te stappen en de discipline van de portemonnee te bewaren. Het pand is mega klein en tot de nok toe gevuld met houten ladekastjes, glazen potten vol pigmenten en rijen met de meest exquise penselen. De verleiding was zo groot dat we, nadat we de eerste dag met tassen vol naar buiten liepen, de volgende dag simpelweg weer teruggingen.

Sennelier werd in 1887 geopend door Gustave Sennelier. Sindsdien is het een toevluchtsoord voor kunstenaars die niet zomaar materiaal zoeken, maar die op zoek zijn naar de hoogste kwaliteit en een specifieke 'eigen' in hun gereedschap. Dat de winkel nog steeds in hetzelfde pand zit en die authentieke sfeer ademt, maakt de ervaring bijna sacraal.

De magie van Sennelier is onlosmakelijk verbonden met de visie van de man die het allemaal begon. Gustave Sennelier was zelf geen uitvoerend kunstenaar, maar hij bezat de persoonlijkheid van een alchemist en de nieuwsgierigheid van een chemicus. Toen hij in 1887 de deuren opende, was hij ontevreden over de kwaliteit van de pigmenten die destijds beschikbaar waren. Hij begon als een ware pionier zelf pigmenten te verzamelen en verf te malen, waarbij hij nauwgezet de chemische reacties en lichtechtheid bestudeerde.


kunstwinkel parijs etalage
Zijn winkel werd al snel een soort laboratorium waar kunstenaars niet alleen kwamen om te kopen, maar om te overleggen. De kwaliteit van hun producten is zo uitzonderlijk gebleven omdat ze al die tijd trouw zijn gebleven aan die oorspronkelijke recepturen; ze gebruiken nog steeds dezelfde natuurlijke bindmiddelen en pure pigmenten die de impressionisten al gebruikten. Dat dit vakmanschap al drie generaties lang in dit karakteristieke pand wordt bewaakt, maakt Sennelier tot veel meer dan een winkel; het is de hoeder van de kleuren die onze kunstgeschiedenis hebben bepaald.
In de voetsporen van grootmeesters
Wanneer je over de krakende houten vloeren loopt, loop je letterlijk in de voetsporen van de grootste namen uit de kunstgeschiedenis. Cézanne kocht hier zijn verf, en Picasso was een dusdanig vaste klant dat Henri Sennelier (de zoon van Gustave) speciaal voor hem de beroemde oliepastel-stiften ontwikkelde. Picasso wilde namelijk iets waarmee hij op elk oppervlak kon werken zonder dat het zou barsten of verkleuren. Ook kunstenaars als Gauguin, Monet, Modigliani en later Francis Bacon vonden hier de pigmenten die hun meesterwerken kleur gaven. Vandaag de dag is het nog steeds dé plek waar internationale topkunstenaars hun materialen selecteren.
Expertise gedeeld met liefde
Wat ons misschien nog wel het meest raakte, was de houding van de medewerkers. In veel winkels is de kennis beperkt tot wat er op de verpakking staat, maar bij Sennelier zijn de medewerkers bewakers van een eeuwenoude traditie. Ze behandelen elk tubetje verf en elk vel papier met een liefdevolle eerbied. Ze delen hun enorme kennis zo graag en met zoveel passie dat je je als maker onmiddellijk serieus genomen voelt. Of je nu vraagt naar de lichtechtheid van een specifiek pigment of de zuigkracht van een bepaald papier, de antwoorden zijn doorleefd en deskundig.
Exclusiviteit en Nepalees papier
Veel van de eigen merkproducten van Sennelier zijn in Nederland simpelweg niet te krijgen, of in ieder geval niet in dit volledige assortiment. We hebben dan ook groots ingekocht. Onze koffers zijn een flink stuk zwaarder geworden door de unieke papiersoorten, potloden, pastels en pigmenten die nergens anders zo intens zijn.

Een heel bijzondere vondst was het prachtige, handgeschepte papier uit Nepal. De textuur, de vezels die je nog ziet zitten en de manier waarop het papier reageert op aanraking; het is pure poëzie. Dit papier smeekt bijna om bewerkt te worden met de materialen die we daar hebben gevonden.
simone winkel papier soorten
Terug naar het atelier
Nu we weer terug zijn in onze eigen omgeving, kunnen we niet wachten om de materialen uit te pakken en aan de slag te gaan. Deze inkopen zijn meer dan alleen gereedschap; ze zijn een belofte aan onszelf om de inspiratie van Parijs te vertalen naar nieuwe schetsen en kunstwerken. De geest van de Quai Voltaire reist met ons mee naar Leiden, en we voelen ons bevoorrecht dat we een klein stukje van die rijke historie naar ons eigen atelier hebben kunnen brengen.
Praktische informatie voor jouw bezoek naar dit winkeltje
  • Locatie: 3 Quai Voltaire, 75007 Parijs (gelegen in het 7e arrondissement, pal tegenover het Louvre en de Pont du Carrousel).
  • Openingstijden: Let op, ze hebben vaak een middagpauze, dus plan je bezoek goed (en trek er ruim de tijd voor uit!).
  • Sfeer: Authentiek, krap en overweldigend — een absolute tijdscapsule.
simone winkel sennelier parijs
Een moderne haven voor de kunstenaar
Hoewel de historische locatie aan de Quai Voltaire onze harten heeft gestolen, heeft Sennelier ook een tweede, ruimere vestiging in Parijs. Deze winkel bevindt zich in een moderner pand in de buurt van de Opéra en biedt een heel andere, maar evenzeer indrukwekkende ervaring. Waar het pand aan de Seine uitblinkt in nostalgie en geschiedenis, vind je hier meer licht, ruimte en een overzichtelijker assortiment dat iets meer gericht is op de breedte van de moderne kunstenaars behoeften.


​
Deze tweede vestiging is ideaal als je op zoek bent naar grotere formaten doeken, ezels of een uitgebreidere collectie grafische materialen die in het knusse pandje aan de Quai Voltaire simpelweg niet zouden passen. Hoewel de sfeer moderner is, blijft de expertise van het personeel onveranderd hoog. Ook hier word je geholpen met diezelfde liefde voor het vak die het merk Sennelier al meer dan een eeuw typeert. Voor ons was het de perfecte plek om de rest van onze inkopen te doen, zonder dat we over de koffers van andere toeristen hoefden te struikelen.
Praktische informatie tweede locatie
  • Locatie: 4 bis Rue de la Grande Chaumière, 75006 Parijs.
  • Wijk: Montparnasse (vlakbij de beroemde kunstacademies van weleer, zoals Académie de la Grande Chaumière).
  • Kenmerk: Ruimer opgezet, modern interieur, uitgebreid assortiment aan dragers en grote materialen.
0 Opmerkingen

De non-finito techniek: waarom Michelangelo delen van het lichaam in de steen liet zitten

27/4/2026

1 Opmerking

 
In de vijfentwintig jaar dat ik me heb toegelegd op de menselijke anatomie in ons atelier aan de Kenauweg in Leiden, heb ik ontdekt dat de grootste kracht van een beeld soms niet ligt in wat er is gehakt, maar in wat er is achtergelaten. De non-finito techniek, wat letterlijk "het onvoltooide" betekent, is voor mij als anatomie-expert veel meer dan een artistieke stijl. Het is een diepgaande filosofie over de wording van de mens uit de materie. Wanneer je door de gangen van een museum loopt en oog in oog staat met de 'Slaves' van Michelangelo, zie je lichamen die vechten om uit het marmer te ontsnappen. Delen van de rug, een schouder of een knie zitten nog half gevangen in de ruwe kristallen van de steen. In mijn lessen leer ik cursisten dat deze techniek de anatomie niet verbergt, maar juist een extra dimensie van leven geeft. Het suggereert dat de menselijke vorm een bezielde kracht is die sterker is dan de steen zelf.

In deze lange blog ontleden we de oorsprong van de non-finito, de psychologische impact van de suggestie en de technische precisie die nodig is om een beeld bewust onaf te laten. Dit is de diepgang die we opzoeken tijdens de vijfdaagse Anatomische torso masterclass in mei, waar we de balans tussen detail en abstractie volledig gaan doorgronden.
​De psychologie van de suggestie
Om de non-finito werkelijk te begrijpen, moeten we kijken naar de werkwijze van Michelangelo Buonarroti, de onbetwiste grootmeester van deze techniek. In de kunsthistorische literatuur wordt vaak gedebatteerd of zijn onvoltooide werken het resultaat waren van tijdgebrek of een bewuste keuze. Als anatomie-expert neig ik naar het laatste. Michelangelo begreep dat de menselijke anatomie een energetisch systeem is. Door een spiergroep, zoals de musculus latissimus dorsi, slechts half uit de ruwe steen te laten verschijnen, dwing je de toeschouwer om de rest van de vorm in gedachten aan te vullen.
​

Dit noemen we in de psychologie de Gestalt-perceptie: onze hersenen hebben een natuurlijke drang om onvolledige vormen te completeren. Wanneer een schouderblad uit de ruwe korst van de marmer tevoorschijn komt, vuren je spiegelneuronen. Je voelt de inspanning van de figuur om zich te bevrijden. Dit creëert een dynamiek die een volledig gepolijst beeld vaak mist. De non-finito is de bevriezing van het moment van creatie.
anatomische torso boek bladeren
De dialoog tussen steen en anatomie
In de dagelijkse praktijk van ons atelier aan de Kenauweg is de dialoog over de non-finito een essentieel onderdeel van het leerproces. Alex en ik observeren vaak hoe cursisten worstelen met de cruciale vraag wanneer een beeld nu werkelijk klaar is. Tijdens een recente sessie in het atelier bespraken we een werk in albast, waarbij de hand tot in de kleinste details was uitgewerkt terwijl de onderarm nog in een massief blok gevangen zat. De overgang voelde op dat moment te abrupt, bijna als een fout in plaats van een bewuste artistieke keuze.
​

Ik adviseerde de cursist om de pezen van de extensor carpi radialis als een lichte rimpeling in de ruwe steen te laten doorlopen. Dat is namelijk de absolute essentie van de non-finito: de anatomie moet al voelbaar zijn onder de ruwe huid van de steen voordat het bot werkelijk zichtbaar wordt. Je moet de suggestie wekken dat de spier de steen van binnenuit wegdrukt. Zoals Alex terecht opmerkte, vraagt dit om een enorme beheersing van de beitelslag. Je moet de ruwheid als het ware regisseren. In de masterclass in mei gaan we dit uitgebreid oefenen, waarbij we met een grove spitsbeitel de richting van de anatomie volgen zodat de ruwheid direct bijdraagt aan de emotie van het beeld.
Visuele hiërarchie en de actieve toeschouwer
Wetenschappelijk onderzoek naar visuele verwerking toont aan dat onafgemaakte informatie onze aandacht langer vasthoudt. Een beeld dat volledig is afgewerkt geeft alle informatie in één keer weg; het oog scant het oppervlak en gaat snel weer verder. Maar een non-finito werk nodigt uit tot een actieve exploratie. De toeschouwer wordt mede-schepper. In mijn expertisegebied gebruik ik deze wetenschap om de focus van de toeschouwer doelgericht te sturen. Wil ik dat de aandacht naar de torsie van de rug gaat? Dan laat ik de benen en de voeten minder gedefinieerd in de ruwe steen zitten. Hierdoor ontstaat een prachtige visuele hiërarchie. De non-finito techniek is dus een krachtig instrument voor compositie. Het is de kunst van het weglaten om datgene wat er wel is meer gewicht te geven.
De paradox van de technische uitvoering
De technische uitvoering van de non-finito is paradoxaal genoeg veel moeilijker dan een volledige afwerking. Je kunt je namelijk niet verschuilen achter een egale glans. Elke overgang van de ruwe, gehakte steen naar de gepolijste anatomie moet anatomisch volkomen logisch zijn. Als ik een musculus pectoralis major half in de steen laat zitten, moet de welving die wel zichtbaar is perfect aansluiten bij het onzichtbare deel. Je moet de anatomie door de steen heen kunnen dromen.


In de vijfdaagse Anatomische torso masterclass leer ik je hoe je eerst het volledige skelet en de spierlagen visualiseert om vervolgens te beslissen welke delen je in de slaap laat van de materie. Het is een proces van bewuste onthulling. We gebruiken hiervoor vaak de substractieve methode waarbij we het hele beeld uitwerken in een ruwe fase met de tandbeitel en pas daarna de brandpunten kiezen die we naar een hooggepolijst niveau tillen.
Inspiratie door de eeuwen heen
Kunsthistorisch gezien was Auguste Rodin de man die de non-finito naar de moderne tijd bracht. Hij liet zich inspireren door Michelangelo maar voegde daar een impressionistische laag aan toe. In zijn werk '
The Hand of God' zie je een prachtig anatomisch fragment dat opstijgt uit een ruwe klomp marmer. Rodin begreep dat de ruwheid van de steen fungeert als een atmosferisch element. Het is de lucht of de aarde waaruit de vorm ontstaat.

In Het Depot in Wageningen zie je hedendaagse beeldhouwers die deze traditie voortzetten. Ze spelen met het contrast tussen de geometrische vormen van het ruwe blok en de organische welvingen van het menselijk lichaam. Het laat zien dat we als mensen onderdeel zijn van de natuur maar er ook voortdurend uit los proberen te komen. Die filosofische spanning is wat ik in mijn lessen de existentiële anatomie noem.
sculpture block torso schets
De mens als onvoltooid proces
De psychologie van de non-finito raakt aan onze eigen menselijkheid. We zijn immers allemaal onaf. We zijn constant in wording en voortdurend bezig onszelf te bevrijden uit de ruwe omstandigheden van het leven. Een beeld dat deze staat weerspiegelt raakt een diepe snaar. In de masterclass gaan we met levende modellen werken om te zien hoe we deze wording kunnen vangen.


We laten het model poses aannemen waarbij ze zich lijken te verschuilen of juist te openbaren. We vertalen dat naar de steen door te spelen met de huid van de marmer. Een deel van de huid laten we ruw en korrelig als een herinnering aan de geologische oorsprong van de steen, terwijl we een ander deel transformeren tot de zachtheid van menselijk weefsel. Het is deze dualiteit die het werk mateloos spannend houdt voor de toeschouwer.
Meesterschap over het gereedschap
Technisch gezien vraagt de non-finito om een specifieke set gereedschappen die we in de Samstone shop zorgvuldig hebben geselecteerd. De spitsbeitel, ook wel de subbia genoemd, is hier je belangrijkste penseel. Met de spitsbeitel creëer je de ritmische textuur van de ruwe steen. Ik leer je hoe je de richting van de slag laat harmoniëren met de vezelrichting van de spieren eronder. Als de slagen van de beitel de lijn van de erector spinae volgen, versterk je de suggestie van de ruggengraat zelfs in de onafgewerkte delen.
​

De overgang naar de gepolijste delen maken we met fijne raspen waarbij we de sporen van de beitel heel langzaam laten vervagen. Het is een ultieme oefening in beheersing; één verkeerde klap en je haalt te veel weg, waardoor de suggestie van de gevangen vorm direct verdwijnt. In de masterclass leer ik je de wet van de massa: hoe je genoeg volume overlaat zodat de steen zijn zwaarte behoudt terwijl de anatomie toch licht en beweeglijk oogt.
De dramaturgie van de steen
De anatomie is hierbij de drager van de betekenis. Als de stand van de wervelkolom een zekere vermoeidheid uitdrukt, dan moet de ruwe steen om de figuur heen zwaar aanvoelen, alsof de materie de figuur naar beneden trekt. Mijn expertise stelt me in staat om je te laten zien hoe je deze emotionele zwaartekracht regisseert. We kijken naar de dichtheid van de kristallen in de marmer en hoe die de weerstand van het onvoltooide deel beïnvloeden.
​

Alex en ik werken in deze fase van het onderwijs nauw samen om de balans tussen expressie en techniek te bewaken. Terwijl ik me concentreer op de anatomische integriteit van de verschijnende vorm, houdt Alex de structurele veiligheid van het blok in de gaten. Zo bespraken we onlangs hoe diepe beitelslagen in een ruw paneel onzichtbare spanningslijnen kunnen creëren in de kristalstructuur. Vooral bij materialen als albast kan dit leiden tot spontane breuken in de fijnere delen, zoals de vingers. Het is daarom essentieel om cursisten te leren de ruwheid oppervlakkig te houden op plekken waar de anatomie fragiel is. De diepe, expressieve slagen bewaren we voor de plekken waar de steen massief is. Het is een prachtig spel van optische bedriegerij waarbij de steen er gevaarlijk ruw uitziet, terwijl de structurele basis juist heel stabiel blijft.
Vind je eigen artistieke stem
Deze technische diepgang is wat onze masterclass zo waardevol maakt. Je leert niet alleen een trucje, je leert de fysica van de materie begrijpen. De non-finito is geen excuus voor luiheid of een gebrek aan anatomische kennis; het is juist de ultieme test van die kennis. Pas als je de menselijke vorm tot in de perfectie beheerst, kun je besluiten welk deel je weglaat. In mijn lessen aan de Kenauweg zeg ik altijd dat je eerst de hele mens in de steen moet zien voordat je hem er half in kunt laten zitten. Het is een oefening in visie.


De motivatie voor de vijfdaagse Anatomische torso Mmasterclass in mei ligt in het ontdekken van je eigen artistieke stem. Veel beeldhouwers voelen de druk om alles glad en af te maken, omdat ze bang zijn dat mensen anders denken dat ze het vak niet beheersen. Maar ik wil je laten zien dat de durf om de steen te laten spreken getuigt van een veel groter vakmanschap. Het laat zien dat je de dialoog met de aarde durft aan te gaan. Wanneer je een rug hakt waarbij de ruggengraat langzaam verdwijnt in een ruw blok marmer, creëer je een beeld dat tijdloos is.
sculpture block torso vrouw studie
Een uitnodiging tot creatie
Ik nodig je uit om de controle los te laten. Durf de beitel te laten rusten voordat elk detail is ingevuld. Laat de toeschouwer dromen bij jouw beelden. Kom naar Leiden, kom naar ons atelier en laten we samen de grenzen verkennen tussen de geologie en de anatomie. Of je nu een gevorderde beeldhouwer bent die meer expressie in zijn werk zoekt of een beginner die direct de essentie van de vorm wil vatten: de Anatomische torso masterclass in mei is de plek waar je leert dat minder vaak oneindig veel meer is.
​

De menselijke vorm is een mysterie dat nooit volledig kan worden doorgrond. Door de non-finito techniek te omarmen, eer je dat mysterie. Je laat zien dat de geest altijd groter is dan de materie, maar dat die materie wel de grond is waaruit wij voortkomen. Ik zie je graag in mei aan de werktafel, te midden van de ruwe blokken en de verschijnende vormen, om samen de anatomie van het onvoltooide te vieren. Laat de steen spreken, laat de anatomie zingen en laat de rest aan de verbeelding van de wereld.
1 Opmerking

De speelse bronzen van Le Chat

23/4/2026

0 Opmerkingen

 
Soms leidt een reis naar de bron van de klassieke beeldhouwkunst je naar een volkomen onverwachte afslag. Terwijl Alex en ik, Simone van Olst, het Musée Maillol bezochten voor de verstilde puurheid van Aristide Maillol, stapten we plotseling een wereld binnen die in alles het tegenovergestelde leek: de komische, scherpzinnige en onweerstaanbare wereld van Le Chat. Het was een ontdekking die ons eraan herinnerde hoe belangrijk het is om als kunstenaar open te blijven staan voor het onverwachte.
De herinnering aan de getekende lijn
Voor Alex en mij was deze ontmoeting extra bijzonder. Onze liefde voor de kunst begon namelijk niet pas bij het marmer of albast; die wortels liggen diep in de stripwereld. Als kind verslonden we strips en nog 
steeds kunnen we enorm genieten van de kracht van een getekende lijn. Dat we in een instituut als Musée Maillol oog in oog kwamen te staan met de kunstzinnige kant van de strip, voelde als een prachtige erkenning van dat medium.
Philippe Geluck: de filosoof met de viltstift
De man achter deze beroemde grijze kat is de Belgische kunstenaar Philippe Geluck. Geboren in Brussel in 1954, begon hij in 1983 met het tekenen van Le Chat voor de krant Le Soir. Wat begon als een dagelijkse cartoon, groeide uit tot een Europees fenomeen. Geluck is niet zomaar een illustrator; hij is een filosoof met een viltstift die absurdisme gebruikt om menselijke tekortkomingen bloot te leggen. Zijn kat is dik, staat op twee poten, draagt een pak en deelt oneliners die je vaak eerst doen lachen en daarna doen nadenken.
strip la chat philippe geluck
beeld la chat philippe geluck
Van papier naar monumentaal brons
De tentoonstelling in Musée Maillol laat een fascinerende transitie zien. Misschien heb je ze wel eens op foto’s gezien: de gigantische bronzen beelden van de kat die op de Champs-Élysées stonden. Geluck nam een enorme gok door zijn tweedimensionale figuur te vertalen naar monumentale sculpturen van brons. Het resultaat was verbluffend. Door de kat letterlijk in de ruimte te plaatsen, kreeg het personage een fysieke aanwezigheid die zowel imposant als komisch was.

In het museum zagen we nu de kleinere modellen en de voorstudies van deze reuzen. Voor ons als beeldhouwers was het technisch interessant om te zien hoe de grafische lijn van een striptekenaar behouden blijft in een gegoten bronzen beeld. Het is een proces van uiterste precisie: hoe vertaal je een grap naar een vorm die vanuit elke hoek klopt?
De dialoog tussen de meesters en de kat
Het was bijna surrealistisch om te zien hoe de dikke, grijze kat van Geluck zich verhield tot de klassieke zalen van het Musée Maillol. Maillol zocht zijn hele leven naar de perfecte, tijdloze vrouw; Geluck zoekt naar de perfecte, tijdloze grap. Toch vonden ze elkaar in dit museum op een punt dat elke beeldhouwer herkent: de beheersing van het volume. Hoewel de kat een cartoonpersonage is, zijn de bronzen beelden met een ongelooflijke aandacht voor massa en aanwezigheid gemaakt. De kat staat daar niet als een vluchtige tekening, maar als een monument. Het dwingt je om met andere ogen naar de ruimte te kijken, precies zoals de vrouwen van Maillol dat doen. Het laat zien dat 'hoge' en 'lage' kunst in de handen van een vakman moeiteloos in elkaar kunnen overvloeien.
De strip als spiegel van de maatschappij
Wat Alex en mij in de strips van Geluck altijd al heeft aangesproken, en wat in deze tentoonstelling prachtig naar voren kwam, is de scherpe maatschappijkritiek verpakt in absurdisme. Als kind lees je strips voor het avontuur of de lach, maar als volwassen kunstenaar zie je de gelaagdheid. Geluck gebruikt Le Chat om vragen te stellen over religie, politiek en de menselijke conditie, vaak met een knipoog die zowel brutaal als teder is. Dat deze beelden eerst de Champs-Élysées mochten sieren — de meest prestigieuze laan ter wereld — zegt veel over de Franse en Belgische cultuur. Daar wordt de strip niet gezien als bijzaak, maar als het 'negende medium' (la neuvième art​), een volwaardige kunstvorm die het verdient om in brons gegoten te worden en de publieke ruimte te claimen. Voor ons was het een herinnering dat kunst niet altijd zwaar hoeft te zijn om toch een diepe indruk achter te laten.
tekening le chat philippe geluck
stenen sculptuur le chat philippe geluck
De vreugde van de onverwachte wending
Wat we meenemen van dit bezoek is de enorme humor en de relativeringszin van het werk. Tussen de serieuze zoektocht naar anatomie en abstractie door, herinnerde Le Chat ons eraan dat kunst ook licht mag zijn. Het openstaan voor deze verrassing gaf onze inspiratieweek een extra laag van plezier. Het bewijst dat expertise en diepgang prima samen gaan met een flinke dosis absurdisme.
Praktische informatie over deze expositie
  • Tentoonstelling: Le Chat déambule
  • Locatie: Musée Maillol, 59-61 Rue de Grenelle, 7e arrondissement, Parijs.
  • Sfeer: Vrolijk, verrassend en zeer toegankelijk voor jong en oud.
0 Opmerkingen

Houding en emotie: hoe een kleine draai in de torso een heel ander verhaal vertelt

22/4/2026

0 Opmerkingen

 
In de vijfentwintig jaar dat ik, Simone van Olst, cursisten begeleid in ons atelier aan de Kenauweg in Leiden, heb ik ontdekt dat de meest gestelde vraag niet gaat over hoe je een spier hakt, maar over hoe je die spier laat spreken! Als anatomie-expert is het mijn passie om je te laten inzien dat het menselijk lichaam geen statische verzameling botten is, maar een instrument voor pure emotie.

Een sculptuur kan anatomisch perfect zijn, maar zonder de juiste houding blijft het een koud object. De werkelijke magie ontstaat in de afwijking: in de torsie en in de manier waarop de zwaartekracht trekt aan een lichaam dat gebukt gaat onder verdriet, of juist opveert van vreugde. Deze werkwijze gaan we ook inzetten tijdens de vijfdaagse Anatomische torso masterclass die plaatsvindt op 7, 8, 9, 15 en 16 mei!
stenen torso beeld mannelijk
De wetenschap van voelen en vormen
Om de relatie tussen houding en emotie echt te doorgronden, duiken we in de fascinerende wereld van 
embodied cognition. Onderzoek toont aan dat de communicatie tussen onze geest en ons lichaam twee kanten op werkt. Niet alleen bepaalt onze emotie onze houding, maar onze houding beïnvloedt ook ons humeur! Voor een beeldhouwer is dit fundamentele kennis.

​Wanneer je een figuur hakt met een lichte draai in de nekwervels en schouders die naar binnen vallen, creëer je een krachtige neurologische trigger bij de toeschouwer. Dankzij onze spiegelneuronen voelen we de spanning in de steen direct in ons eigen lichaam. Je hakt dus niet zomaar verdriet; je hakt heel specifiek de verkorting van de 
kleine borstspier (musculus pectoralis minor) en de lichte bolling van de bovenrug (thoracale kyfose). Dat is de kunst van het regisseren van emotie!
De kracht van asymmetrie
In het atelier zien we vaak dat een beeld medisch gezien klopt, maar toch star of zelfs arrogant aanvoelt. Dit komt meestal door een teveel aan symmetrie. In de natuur is volledige symmetrie zeldzaam en wordt het vaak geassocieerd met agressie of paraatheid. Juist de kwetsbaarheid van asymmetrie raakt de toeschouwer. Een minieme verschuiving van de 
middellijn van de buik (linea alba) of een lichte kanteling van het bekken maakt een beeld direct menselijk en benaderbaar. Het is fantastisch om te zien hoe een paar millimeter aan de zijkant van de heup de hele 'toon' van het marmer kan veranderen van koud naar warm. Een kleine draaiing in de lendenwervels (lumbale wervels) vertelt plotseling een indrukwekkend verhaal van twijfel of juist vastberadenheid.
De biomechanica van onze geschiedenis
Onze emoties zijn diep verankerd in onze evolutie. Bij angst trekken we onbewust onze schouders op — een actie van de 
monnikskapspier (musculus trapezius) en de schouderbladheffer (levator scapulae) — om onze nek te beschermen. Tegelijkertijd spant de lendenspier (psoas) zich aan, klaar voor actie. Als beeldhouwer vertaal je deze oerreacties naar de steen door bijvoorbeeld de schouderbladen hoger op de ribbenkast te plaatsen. Expertise betekent weten dat emotie in de hele kinetische keten zit. Ik wil dat je leert kijken als een anatoom en voelt als een psycholoog, zodat elke vezel in je beeld bijdraagt aan het verhaal.
De tijdloze dynamiek van contraposto
Een cruciaal concept in de weergave van leven is de torsie of de 
tegenhouding (contraposto). Dit principe, geperfectioneerd in de klassieke oudheid, brengt marmer tot leven. Door het gewicht naar één been (het standbeen) te verplaatsen terwijl het andere been (het speelbeen) ontspant, ontstaat er een schitterende kettingreactie. Het bekken kantelt, de ruggengraat maakt een corrigerende S-bocht en de schouders kantelen mee om de balans te bewaren. Het contrast tussen de spanning van de middelste bilspier (musculus gluteus medius) aan de ene kant en de zachtheid aan de andere kant wekt de suggestie van beweging. Een stilstaand beeld lijkt hierdoor alsof het elk moment een stap vooruit kan zetten!
stenen anatomische torso beeld
Inspiratie uit de kunstgeschiedenis
​Kijk maar eens naar de 
Laocoön Group, een van de meest dramatische uitingen van pijn uit de oudheid. Hier zie je een uiterste torsie waarbij de ribbenkast maximaal is uitgezet door ademnood. De tussenribspieren (musculi intercostales) tussen de ribben zijn zichtbaar getrokken. Dit staat in schril contrast met de sereniteit van vroege Griekse of boeddhistische beelden, waar de torsie minimaal is en de houding gericht is op innerlijke balans en vrede. Jouw keuze voor de houding is je allerbelangrijkste artistieke statement.
Techniek ontmoet visie
Het vastleggen van een complexe houding is een heerlijke uitdaging voor je ruimtelijk inzicht! Zodra een figuur draait, verschuiven alle anatomische ijkpunten. De 
middellijn van de buik (linea alba) maakt een parabool en de voorste bekkenpunt (spina iliaca) wordt geaccentueerd door het licht of verdwijnt juist in de schaduw. In het atelier gebruiken we 'anatomische assen' om de weg te vinden. Als de lijnen van de schouders en heupen naar elkaar toe neigen, ontstaat er direct actie en leven. Het is de kunst om de 'houding' van het blok al in de eerste tien procent van je werk te vangen.
 anatomische torso beeld voorzijde
De psychologie van de vorm
​Ook de 'openheid' van een houding spreekt boekdelen. Een open houding straalt dominantie uit, terwijl een gesloten houding met opgetrokken knieën direct een gevoel van introversie of bescherming oproept. Soms is een fragment al genoeg om het hele verhaal te vertellen. Het gaat om het vinden van het zwaartepunt. Zelfs bij een extreme houding, waarbij de torso ver overhellen om verlies uit te drukken, zoeken we naar manieren om dit technisch te ondersteunen zonder de emotie te verliezen. De keuze van het materiaal speelt hierbij een grote rol; een fijne, compacte steen laat immers meer gewaagde torsies toe.
De persoonlijkheid in de steen
De ultieme motivatie is om je beelden te laten 'spreken'. Door anatomie te gebruiken als taal, overstijg je het ambacht en word je een ware kunstenaar. Je leert hoe je de spanning in de 
borst-sleutelbeen-tepelspier (musculus sternocleidomastoideus) gebruikt om verlangen uit te drukken, of hoe rimpelingen over de ribbenkast een diepe zucht suggereren.
Doe het zelf!
Ik nodig je uit om uit je comfortzone te stappen en de imperfectie van emotie toe te laten. Durf die torso te draaien! Tijdens onze 
vijfdaagse Anatomische torso masterclass werken we met elkaar om deze nuances te vangen. Je zult merken dat je met een hernieuwde passie voor je blok steen staat. Je hakt niet langer een figuur; je hakt een aanwezigheid. De weg naar een beeld met persoonlijkheid loopt via de ruggengraat van de emotie.

​Ben jij klaar om die draai te maken? Ik zie je graag in Leiden om samen de anatomie van het gevoel te vereeuwigen!
0 Opmerkingen

De titaan en zijn tempeest: een kritische ochtend bij Musée Rodin

21/4/2026

0 Opmerkingen

 
Op de vroege donderdagochtend, nog voordat de grote stroom toeristen de stad overnam, stonden wij, Alex Sluimer en Simone van Olst, voor de poorten van het Hôtel Biron. Dit achttiende-eeuwse stadspaleis is de plek waar de nalatenschap van Auguste Rodin (1840–1917) wordt bewaard.

​Als beeldhouwers kunnen we Parijs niet bezoeken zonder ons te verhouden tot de man die de moderne sculptuur eigenhandig openbrak. Maar laten we eerlijk zijn: kunst hoeft niet altijd te behagen. Soms is de ontmoeting met een grootmeester vooral een confrontatie met je eigen visie op vorm, vakmanschap en rust.
De wording van een titaan
Rodin was een man van de lange adem. Hij werd geboren in een arm milieu in Parijs en werd tot driemaal toe afgewezen bij de École des Beaux-Arts. Hij leerde het vak in de praktijk als decorateur en assistent, wat zijn enorme technische beheersing verklaart. Het museum zelf is ontstaan uit een unieke deal: Rodin schonk zijn gehele collectie aan de Franse staat, op voorwaarde dat het Hôtel Biron zijn museum zou worden.

Wat veel mensen niet weten, is dat Rodins creatieve centrum eigenlijk net buiten de stad lag, in Meudon. In de Villa des Brillants, zijn voormalige woonhuis en atelier, zie je de ware omvang van zijn productie. Hier ligt hij ook begraven, aan de voet van een exemplaar van 'De Denker'. In Meudon voel je nog sterker hoe hij werkte: omringd door duizenden gipsen modellen en assistenten, in een constante staat van scheppingsdrang die bijna obsessief was.
de denker beeld auguste rodin
simone van olst wit beeld rodin
De verzameldrang: een huis vol schimmen
Rodin was niet alleen een maker, hij was een dwangmatig verzamelaar. Zijn collectie bevat duizenden stukken: van antieke Griekse en Romeinse sculpturen tot Egyptische fragmenten. Deze verzameldrang ontstond uit een diep ontzag voor de klassieke oudheid, maar het groeide uit tot iets groters. Hij omringde zich met deze fragmenten — vaak losse armen, benen of hoofden — en gebruikte ze als directe inspiratie.

Deze obsessie leidde tot zijn innovatie van de 'gefragmenteerde sculptuur'. Rodin was de eerste die een torso zonder ledematen als een voltooid kunstwerk durfde te presenteren. In Meudon bestudeerde hij zijn antieke torso's en besloot dat een lichaam niet 'af' hoeft te zijn om de essentie van beweging te tonen. Dit 'laboratorium van de fragmentatie' verklaart voor ons veel. Hij greep een hand uit een bak en plakte die op een romp waar die oorspronkelijk niet bij hoorde. Dit assembleren was revolutionair, maar het draagt ook bij aan de visuele onrust die ons in Parijs zo bekroop.
De beeldhouwfabriek en de Hellepoort
Wat ons als ambachtslieden ook opvalt, is zijn werkproces. Rodin hakte zelf bijna nooit in marmer; hij was de regisseur van een 'beeldhouwfabriek'. Hij maakte de kleimodellen en liet een leger van assistenten het zware werk doen. Dit verklaart de enorme kwantiteit, maar misschien ook de 'afstand' die wij voelen in de afwerking. Verliest een beeld zijn ziel als de meester zelf de beitel niet heeft vastgehouden? Voor ons, die elke slag in de steen zelf voelen, schuurt dat.

Die gebrekkige maatvoering zie je nergens zo sterk als in de Hellepoort. Rodin werkte hier maar liefst 37 jaar aan en maakte het nooit af. Het was zijn persoonlijke creatieve zwart gat. Elke keer als hij een nieuwe figuur bedacht, plakte hij die erbij. Het resultaat is een chaotische massa van honderden figuren die vechten om aandacht. Het is een dagboek in brons, maar als compositie mist het de discipline van het weglaten.
alex sluimer zaal beeld rodin
alex sluimer vrouw beeld rodin
Chaos versus verstilling
Terwijl we door de zalen van het Hôtel Biron liepen, voelden Alex en ik een groeiende verstikking. Binnen in de kamers van het paleis voelt zijn werk bijna té aanwezig. Buiten in de tuin krijgen de grote groepen, zoals de Burgers van Calais, meer lucht, maar nog steeds is het drama overal. Te veel gezwollen spieren, te veel drama, te veel ruis.

Toch overtuigt hij op de momenten van 'non finito' — waar een gezicht uit een ruw blok marmer verschijnt. Daar zie je de dialoog met de materie. Maar veel van zijn voltooide sculpturen hadden in onze ogen mooier geweest als ze 'minder' waren. Als hij de discipline had gehad om weg te snijden in plaats van toe te voegen.
Kunst als schuurpapier
Ondanks onze kritiek was deze ochtend uiterst waardevol. De confrontatie met Rodin dwingt je om je eigen principes te herijken. Het herinnerde ons eraan dat kunst mag provoceren, zelfs als die provocatie voor ons in de overdaad zit. We verlieten de tuin met een hernieuwd verlangen naar de eenvoud van onze eigen beelden, waar de leegte minstens zo belangrijk is als de vorm.
Praktische informatie voor jouw bezoek aan Parijs
  • Locatie Parijs: Musée Rodin, 77 Rue de Varenne, 75007 Parijs.
  • Locatie Meudon: Musée Rodin Meudon, 19 Avenue Auguste Rodin, 92190 Meudon.
  • Tickets: Reserveer online voor Parijs. Meudon is vaak rustiger en biedt een uniek kijkje in zijn gipsen-archief.
0 Opmerkingen

De anatomie van de oneindigheid: wat je werkelijk leert tijdens de Drieknoop masterclass

20/4/2026

0 Opmerkingen

 
Wanneer cursisten zich inschrijven voor de driedaagse Drieknoop (Lemniscaat) masterclass, zien we vaak een mengeling van enthousiasme en lichte overmoed. Men denkt: "Ik heb 18 uur de tijd, dat moet lukken." Maar in de afgelopen vijfentwintig jaar in ons atelier aan de Kenauweg in Leiden hebben Alex Sluimer en ik geleerd dat deze drie dagen niet gaan over het afleveren van een gepolijst eindproduct. Dat is fysiek onmogelijk.

Deze masterclass is namelijk een deep-dive in de architectuur van de vorm. Het gaat over het doorgronden van een wiskundig raadsel in drie dimensies. Je leert niet alleen hoe je een steen hakt; je leert hoe je je hersenen herprogrammeert om in tunnels, kruisingen en doorlopende lijnen te denken. Mijn naam is Simone van Olst en in deze blog neem ik je mee door de stappen van dit proces, de technische valkuilen en de filosofie achter het maken van een vorm die geen begin en geen eind heeft.
De mentale blauwdruk: verhoudingen en vrije vorm
De eerste uren van de donderdag gaan niet over de beitel, maar over de passer en het potlood. Een drieknoop die niet gebaseerd is op de juiste wiskundige verhoudingen, zal nooit "lopen". We beginnen met de fundamentele vraag: kies je voor een gelijke knoop, waarbij alle lussen identiek zijn, of ga je voor een vrije, organische variant? Bij een gelijke knoop werk je met de wetten van de symmetrie.
Je verdeelt je blok steen (marmer of albast) in een raster. De verhouding tussen de dikte van de baan en de grootte van de gaten is cruciaal. Als de baan te dik is, oogt de knoop lomp; als hij te dun is, wordt hij structureel onveilig.

Als anatomie-expert kijk ik naar de knoop als een spierstelsel dat onder spanning staat. De lijnen moeten vloeiend zijn, zonder knikken. In het atelier dagen Alex en ik je uit om deze flow te vinden en behoeden we je voor de klassieke valkuil om te vroeg te gaan hakken. Wanneer de tekening op de zijkant van de steen niet overeenkomt met de bovenkant, gaat het namelijk direct mis bij de eerste tunnel. Veel makers denken in het begin nog in losse vlakken, terwijl een drieknoop een topologische lus is: wat aan de bovenkant overgaat, moet aan de onderkant ondergaan. We leren je daarom hoe je met hulplijnen onzichtbare banen dwars door de steen trekt. Je moet de steen als het ware als een röntgenfoto leren zien om de architectuur van de route volledig te doorgronden.
drieknoop lemniscaat steen beeldhouwen lussen
Het strategisch hakken: hoe maak je gebruik van je steen?
Een van de belangrijkste lessen van deze workshop is het verdelen van het proces over de massa. Veel beginners maken de fout om één lus helemaal af te maken voordat ze aan de volgende beginnen. Dat is het recept voor een breuk. De steen verliest namelijk zijn interne stabiliteit zodra je grote gaten boort. We leren je om "om en om" te werken. Je haalt overal een beetje weg, zodat de spanning in de kristalstructuur gelijkmatig verdeeld blijft.

We leren je ook tot waar je kunt gaan. Bij een knoopvorm is er een punt van no return. Als je te veel materiaal weghaalt bij een kruispunt, verzwak je het fundament van de hele sculptuur. We gebruiken hierbij de "wet van de wanddikte". In marmer kun je dunner gaan dan in albast, maar je moet altijd een marge houden voor de trillingen van de beitel. Expertise betekent weten wanneer je de zware hamer moet inruilen voor de fijne rasp. Je leert de steen te 'lezen' op zijn zwakke plekken.
Het gevaar van de breuk (en hoe je erom lacht)
Laten we eerlijk zijn: bij een eerste drieknoop is de kans op een breuk ongeveer 80%. Het is de meest fragiele vorm die er is. Een verkeerde hoek van de beitel, een verborgen ader in de steen, of simpelweg te veel enthousiasme, en pats — daar ligt een lus op de grond. In deze workshop leren we je hoe je hier mee omgaat. Een breuk is namelijk geen mislukking; het is een anatomische les van de steen.

Het hoort er nu eenmaal bij. Het is het moment dat je de limieten van de materie leert kennen. Er is altijd de kans dat de breuk 'schoon' is. Je zou het werk kunnen herstellen met een speciale twee-componentenlijm en steenpoeder, of beter nog: het ontwerp aanpassen zodat de breuk een nieuwe 'ingang' wordt. Dat is de echte vrijheid. Niet de perfectie nastreven, maar de dialoog met de fout aangaan. Soms wordt een gerepareerde knoop of een aangepaste vorm veel spannender dan het oorspronkelijke plan.
Het proces van de meerdere modellen
Na veertien uur in het atelier zul je merken dat je knoop waarschijnlijk niet "perfect" is. De banen zijn misschien niet overal even dik, of de gaten zijn niet symmetrisch. Dat is precies de bedoeling. Deze workshop is bedoeld om het proces te doorgronden. We moedigen je aan om na deze twee dagen thuis of in de wekelijkse lessen (op dinsdag, woensdag of zaterdag) verder te gaan met nieuwe modellen.

Je eerste knoop is je verkenning. Je tweede knoop is je techniek. Je derde knoop is je kunstwerk. Door meerdere modellen te maken, train je je ruimtelijk inzicht tot op een niveau waarop je de vorm kunt dromen. Je leert de "shortcuts" en de gevaren kennen. Elke knoop die je maakt, maakt je een betere waarnemer van de ruimte.
drieknoop lemniscaat steen beeldhouwen
Waarom deze workshop je transformeert
Wat je werkelijk leert aan de Kenauweg is concentratie. Je kunt een drieknoop niet hakken terwijl je met je gedachten bij de boodschappen bent. De vorm dwingt je tot een absolute aanwezigheid in het nu. Het is een vorm van actieve meditatie. Wanneer je met je rasp in die nauwe tunnel van de steen zit, op zoek naar de verbinding met de andere kant, verdwijnt de wereld om je heen. Dat is de passie die Alex en ik na 25 jaar nog steeds voelen voor dit vak.

Expertise is niet alleen weten hoe je moet hakken, maar weten hoe je moet kijken. Tijdens deze donderdag, vrijdag en zaterdag leer je te kijken naar de 'leegte'. Je leert dat de gaten in de knoop net zo belangrijk zijn als de stenen banen. Je leert de 'anatomie van de verbinding' te waarderen. En als je na drie dagen moe maar voldaan naar huis gaat, met een ruwe vorm in je handen (die nog lang niet af is), dan heb je iets gewonnen dat veel kostbaarder is dan een gepolijst beeld: je hebt een nieuw zintuig ontwikkeld.

Mijn persoonlijke gedachte is dat de drieknoop een metafoor is voor het leven zelf. Alles is met elkaar verbonden, we passeren elkaar constant, soms bovenlangs, soms onderlangs, en af en toe breekt er iets. Maar de lijn gaat altijd door. In de steen maken we die verbinding tastbaar.
Zet de volgende stap
Ik wil je motiveren om deze uitdaging aan te gaan. Wees niet bang voor de complexiteit of voor de breuk. De steen is geduldig en wij zijn er om je te begeleiden met al onze kennis en passie. De workshop is de start van een levenslange fascinatie voor de vorm.

Kom op 
28, 29 en 30 mei 2026 naar Leiden, pak die steen en begin aan je eigen reis door de oneindigheid tijdens onze Drieknoop (Lemniscaat) masterclass.
0 Opmerkingen

De cadans van de kust: waarom wandelen het fundament is van elke sculptuur

16/4/2026

0 Opmerkingen

 
Nog voordat de eerste zonnestralen de horizon van de Atlantische Oceaan raken, staan Alex en ik, Simone van Olst, al op de smalle paden van de Côte de Granit Rose. Er hangt op dit uur een bijna gewijde stilte over de kust, een contrast met de woeste kracht die hier overdag kan heersen. Deze plek is magisch, niet alleen door de visuele pracht, maar ook door de diepe historie die in de stenen besloten ligt. Het roze graniet dat je hier ziet, is ruim 300 miljoen jaar geleden ontstaan, diep onder de aardkorst, en is door de eeuwen heen door erosie en tektonische krachten naar de oppervlakte gestuwd.

Wij kiezen er bewust voor om hier in de vroegste ochtendgloren te zijn, wanneer de nevel nog tussen de rotsblokken hangt en de toeristenstroom nog ver weg is. Het is het moment waarop het licht het meest eerlijk is; het strijkt langs de enorme welvingen en onthult details die je later op de dag, in de felle zon, simpelweg mist. In dit blauwe uur lijken de kiezels, die soms wel achttien meter hoog de lucht in steken, tot leven te komen. Het geeft ons de mentale ruimte om ongestoord te kijken naar de pure essentie van vorm en massa, voordat we de eerste lijnen in onze schriftjes zetten.

​
Er is een specifiek ritme dat ontstaat wanneer je de eerste kilometers over de rotsachtige paden van Noord-Bretagne achter de rug hebt. Het is niet alleen het ritme van je voeten op de roze granieten ondergrond, maar ook het ritme van de wind die langs de kustlijn jaagt en de oceaan die onvermoeibaar tegen de rotsen beukt. Voor Alex en mij is dit het moment waarop de wereld buiten ons langzaam vervaagt en de wereld binnenin ons, de wereld van vormen en lijnen, begint te spreken.

Wij zijn geen wandelaars die een doel hebben in de zin van een eindpunt of een recordtijd. Wij wandelen om te oogsten. De Bretonse kust is voor ons een onuitputtelijke bron van inspiratie, maar de manier waarop we die inspiratie gebruiken is allesbehalve letterlijk. Het gaat om het gevoel van de ruimte, de kracht van de elementen en de manier waarop wij die energie vertalen naar onze eigen stenen.
Kilometers vreten voor de innerlijke stilte
Mensen vragen ons wel eens waarom we zo ver moeten reizen om inspiratie op te doen. Kan dat niet gewoon in het atelier aan de Kenauweg? Natuurlijk, in Leiden hebben we alles wat ons hart begeert, maar soms moet je je zintuigen overbelasten om je geest te kunnen legen. Met mijn ADHD is mijn hoofd vaak een bruisende verzameling van ideeën, plannen en observaties. De woeste kust van Bretagne werkt voor mij als een soort reset-knop.

Wanneer Alex en ik daar lopen, verdwijnen de dagelijkse beslommeringen. De ruis van de mails, de planning van de cursussen en de logistiek van de webshop maken plaats voor de pure observatie van massa en ruimte. We lopen kilometers weg, soms urenlang zonder veel te zeggen. Dat hoeft ook niet; we delen dezelfde taal, de taal van de vorm. Het is een meditatieve staat die je alleen bereikt door fysieke inspanning en de overweldigende aanwezigheid van de natuur.
​

Het is in die cadans dat de beste ideeën ontstaan. Niet wanneer je er hard over nadenkt achter een bureau, maar wanneer je lichaam aan het werk is en je geest de vrijheid krijgt om te dwalen. Het is een vorm van 'actief niksdoen' die essentieel is voor elke kunstenaar.
Tekenen wat je voelt, niet wat je ziet
Tijdens zo’n wandeling nemen we vaak de tijd om even te gaan zitten. Niet omdat we moe zijn, maar omdat een bepaalde vorm of een lichtinval ons dwingt om stil te staan. We pakken dan onze schriftjes erbij. Dit zijn geen gladde, perfecte schetsboeken; het zijn mijn 'chaos schriftjes', waarin alles mag en niets moet.

Het belangrijkste advies dat ik aan iedere beginnende beeldhouwer in de masterclass geef, is dit: teken niet wat je ziet, maar teken wat je voelt.

Als ik daar op een rots zit, ga ik niet de textuur van het graniet zitten natekenen of de exacte contouren van een rotsblok overnemen. Dat is het werk van een fotocamera. Ik probeer de spanning vast te leggen. Is het de manier waarop twee vormen tegen elkaar aan leunen? Is het de bocht van een pad die me doet denken aan een ruggengraat?
Afbeelding
Deze tekeningen zijn voor niemand anders bedoeld dan voor onszelf. Ze hoeven niet begrijpelijk te zijn voor een buitenstaander. Vaak zijn het niet meer dan een paar krachtige lijnen, een vlek schaduw of een abstracte vorm die de essentie van dat moment vangt. Het zijn ankers voor ons geheugen. Als ik maanden later in het atelier die krabbel terugzie, voel ik weer de wind in Bretagne, ruik ik de zee en weet ik precies welke emotie ik in de steen wil leggen.
Afbeelding
De vertaling naar de materie
Hoewel Alex en ik samen deze inspiratie opzuigen, is de manier waarop we het verwerken totaal verschillend. Dat heeft alles te maken met onze expertise en de steensoorten waar we van houden.

Mijn passie voor albast
Ik word vaak getrokken naar albast. Voor mij is die steen de perfecte drager voor de herinnering aan het Bretonse licht. Albast heeft die unieke eigenschap dat het licht absorbeert en weer uitstraalt, bijna zoals de mist die soms over de roze rotsen van de kust kruipt. Wanneer ik werk in albast, zoek ik naar de zachtheid in de harde vorm. Ik gebruik de rondingen van de kiezels die we onderweg zagen, maar ik maak ze vloeiend, bijna vleselijk. In de masterclasses vertel ik vaak dat de steen een ziel heeft; al weet je dat ik dat woord liever vermijd, laten we zeggen dat de steen een innerlijke stem heeft die ik door middel van licht en transparantie probeer te versterken.


Alex en zijn liefde voor serpentijn
Alex werkt op een heel andere manier. Zijn expertise ligt in de kracht en de aardse kwaliteit van bijvoorbeeld serpentijn. Waar ik zoek naar licht, zoekt Alex naar de diepte en de verbondenheid met de grond. In zijn werk zie je vaak de robuustheid van de Bretonse kust terug. De donkere, vaak mysterieuze kleuren van serpentijn lenen zich uitstekend voor de krachtige stapelingen en de zware massa die we op de Côte de Granit Rose zien. Zijn beelden hebben een aanwezigheid die je dwingt om erbij stil te staan, net zoals die enorme blokken graniet je dwingen om je eigen nietigheid te erkennen.
​

Ondanks onze verschillende materialen, vloeien de indrukken van de wandelingen in beide werelden door. We gebruiken elkaars expertise om elkaar uit te dagen. "Zit er genoeg spanning in die negatieve ruimte?" of "Vangt deze lijn de beweging die we daar op die klif zagen?"
Afbeelding
De rijkdom van de creatieve databank
Alles wat we onderweg zien en voelen, slaan we op in onze persoonlijke creatieve databank. Dat is iets wat ik iedereen wil meegeven: je hoofd is je belangrijkste gereedschap. Maar die databank moet je wel voeden. Je kunt niet verwachten dat er in het atelier zomaar iets briljants ontstaat als je je ogen niet de kost geeft in de buitenwereld.

Wandelen in de natuur is als het opladen van een batterij. De vormen van de kiezels, de manier waarop water in een poeltje tussen de rotsen blijft staan, de scheuren in het gesteente; het zijn allemaal lessen in compositie en anatomie. Want ja, ook rotsen hebben een anatomie. Ze hebben lagen, spieren van steen en een skelet dat bepaalt hoe ze de tand des tijds doorstaan.
​

In mijn lessen gebruik ik vaak de vergelijking met etens vormen om anatomie begrijpelijk te maken, maar bij de masterclass Schets naar Beeld gaan we een stap verder. Daar leer ik je hoe je die 'onlogische' vormen uit de natuur kunt gebruiken om je eigen handschrift te ontwikkelen. Het gaat erom dat je leert vertrouwen op je eigen waarneming en je eigen gevoel, precies zoals wij dat doen in onze 'chaos schriftjes'.
Afbeelding
Afbeelding
Van de kust naar de masterclass
De reis van een indruk naar een beeld is een van de mooiste processen die er bestaan. In onze Masterclass Schets naar Beeld van twee zaterdagen, nemen we je mee in dit proces.
  • Het vangen van het gevoel. We gaan niet alleen tekenen, we gaan 'kijken'. We gebruiken je eigen ervaringen en herinneringen als vertrekpunt. Heb je ergens gelopen waar je stil van werd? Wat was de vorm van die stilte? We maken schetsen die niemand hoeft te snappen, behalve jij. We zoeken naar de essentie van jouw idee.
  • Dan gaan we ontdekken in driedimensionale vorm door het maken van studievormen, in verschillende materialen. Ook kijken wat hierbij bij jou past. 
  • De confrontatie met de steen. Hier begint het echte handwerk. We vertalen de vluchtige emotie van de schets naar de weerbarstige realiteit van de steen. Of je nu kiest voor de zachtheid van speksteen of de uitdaging van albast, wij begeleiden je bij elke stap. We leren je hoe je die innerlijke rust van de wandeling vasthoudt terwijl je met de beitel in je hand staat.

Het doel is niet dat je een kopie maakt van de werkelijkheid. Het doel is dat je een beeld maakt dat jouw verhaal vertelt. Dat is de expertise die we in het atelier in Leiden delen. We praten je niet naar de mond; we dagen je uit om dieper te graven, net zoals de zee de grotten in de Bretonse kust heeft uitgegraven.
Afbeelding
Ga naar buiten en kijk
Als je dit leest en je voelt die kriebel om iets te creëren, maar je weet niet waar je moet beginnen: ga wandelen. Laat je telefoon thuis, neem een simpel schriftje mee en een potlood. Kijk naar de wereld om je heen alsof je hem voor het eerst ziet. Let op de stapelingen van stenen, de lijnen van de bomen, de schaduwen op de grond.

En als je die indrukken eenmaal hebt verzameld en je bent klaar om er echt iets mee te doen, dan staan Alex en ik voor je klaar in ons atelier aan de Kenauweg. Samen gaan we op zoek naar de sculptuur die al die tijd al in je hoofd (en in je schriftje) zat te wachten om bevrijd te worden.

Wil jij de stap maken van inspiratie naar een tastbaar beeld?

Boek dan je plek in onze masterclass Schets naar Beeld. Laat ons je helpen om die woeste, prachtige ideeën van jou om te zetten in een kunstwerk waar je trots op kunt zijn. De stenen liggen al op je te wachten.
0 Opmerkingen

De opengebroken vorm van Ossip Zadkine

15/4/2026

0 Opmerkingen

 
In de luwte van de Rue d'Assas, waar de Parijse middagzon lange schaduwen over de kasseien wierp, vonden wij, Alex Sluimer en Simone van Olst, de perfecte afsluiting van onze woensdag: Musée Zadkine. Nadat we eerder die dag al de monumentale kracht van Maillol hadden ervaren, voelde dit museum, wat het voormalige woonhuis en atelier van Ossip Zadkine is, als een intieme omarming. Het is een plek die ‘klein maar fijn’ tekort doet; het is een sacrale ruimte waar de grenzen tussen leven, werk en natuur volledig vervagen.
De geboorte van een kubistisch visionair
Ossip Zadkine (1890–1967), geboren in het Wit-Russische Vitebsk, kwam in 1910 naar Parijs en werd al snel een centrale figuur in de 'École de Paris'. Zijn weg naar het beeldhouwerschap was er een van tomeloze experimenteerdrift. Waar Maillol de rust zocht in de klassieke vorm, zocht Zadkine de dynamiek in de versplintering. Hij was een meester in het kubisme, maar gaf er een geheel eigen, lyrische draai aan.

Voor Zadkine was de boomstam niet louter materiaal, maar een levend wezen. Zijn transformatie tot beeldhouwer was geworteld in een diep respect voor de natuurlijke groei van hout en steen. Hij bewerkte de materie niet alleen, hij dwong het tot een dialoog. Zijn sculpturen lijken van binnenuit open te barsten, waarbij holtes en bollingen elkaar afwisselen om licht en schaduw te vangen. Deze organische benadering van het kubisme spreekt ons als makers enorm aan; het laat zien dat abstractie en emotie hand in hand kunnen gaan.
beeld ossip zadkine
vogel beeld op sokkel
stenen beeld ossip zadkine
Een ontmoeting bij de bron
In het oude atelier, gelegen in de verstilde tuin van zijn huis, beleefden Alex en ik een van die zeldzame momenten die je bijblijven. We raakten in een prachtig, diepgaand gesprek over kunst met een van de supposten van het museum. Natuurlijk met onze neuzen dichtbij de beelden, om elke rasp-streek te zien in het beeld, was gelijk duidelijk dat wij daar niet als kijker stonden, maar elke vezel van de werken wilde opnemen. Terwijl de beelden van Zadkine als een zwijgend maar krachtig decor achter ons stonden, spraken we over het zijn van kunstenaar, over onze eigen weg en de weg die Zadkine had afgelegd.
​

De suppoost legde ons heel beeldend uit hoe het atelier; dat nu dienst doet als expositieruimte, er vroeger uitgezien moet hebben: de geur van vers hout, het binnenvallende noorderlicht en de fysieke strijd met de enorme stammen die daar ooit stonden. Het was een gesprek dat de muren van het museum deed vervagen en ons direct verbond met de wereld van de maker.
staand groot beeld ossip zadkine
De dialoog tussen binnen en buiten
Zadkine begreep als geen ander dat een beeld pas echt tot leven komt in relatie tot zijn omgeving. In de tuin staan zijn bronzen beelden tussen de bomen, alsof ze daar uit de grond zijn verrezen. Zijn vermogen om de menselijke figuur open te breken — letterlijk gaten te maken in de borstkas of het gezicht van zijn figuren — sluit naadloos aan bij mijn fascinatie voor transparantie en uitholling in mijn eigen werk, zoals bij de Tussen de getijden-serie. Bij Zadkine zijn die gaten geen tekens van gemis, maar portalen voor het hart en het licht. Het herinnerde me aan mijn eigen proces in het atelier in Leiden: hoe ver durf je te gaan in het weghalen van massa om de innerlijke kracht zichtbaar te maken?
Deze inspiratieweek in Parijs bevestigt voor ons keer op een keer dat expertise niet alleen zit in de techniek van de hand, maar vooral in de scherpte van de blik. Zadkine leerde ons deze middag dat je een vorm moet durven openbreken om zijn ware stem te horen. Een les die ik meeneem naar mijn nieuwe beelden in de Transformatie-serie.
0 Opmerkingen
<<Vorige

    Simone van Olst

    Beeldhouwer, begeleider kunstenaars, museum lover, organisator culturele projecten, kunstlezingen, schrijver.

    Archief

    Mei 2026
    April 2026
    Maart 2026
    Februari 2026
    Januari 2026
    December 2025
    November 2025
    Oktober 2025
    September 2025
    Augustus 2025
    Juli 2025
    Juni 2025
    Mei 2025
    April 2025
    Maart 2025
    Februari 2025
    Januari 2025
    December 2024
    November 2024
    September 2024
    Februari 2022
    Januari 2022
    December 2021
    November 2021
    Oktober 2021
    September 2021
    Juni 2021
    December 2020
    November 2020
    Oktober 2020
    September 2020
    Oktober 2019
    Juni 2019
    Oktober 2018
    September 2018
    Juni 2018
    Mei 2018
    December 2016
    November 2016
    Oktober 2016
    September 2016
    Augustus 2016
    Juli 2016
    Juni 2016
    Mei 2016
    April 2016
    Maart 2016
    Februari 2016
    Januari 2016
    December 2015
    November 2015
    Oktober 2015
    September 2015
    Augustus 2015
    April 2015
    Maart 2015
    Januari 2015
    December 2014
    November 2014
    September 2014

    Categorie

    Alles
    Abstractie
    ADHD
    Albast
    Alex Sluimer
    Angst
    Balans
    Beelden
    Beeldhouwatelier Leiden
    Beeldhouwen
    Boeken
    Brein
    Chaos Schriftjes Methode
    Compositie
    Creatief Proces
    Creativiteit
    Denkwerk
    Diepte En Perspectief
    Divergent Denken
    Doe Het Zelf
    Emotionele Inhoud
    Energie
    Exposities
    Genieten
    Healing
    Hygge
    Innerlijke Rust
    Innovatie
    Inspiratie
    Kristal
    Kunst Leiden
    Kunstroute
    Lagom
    Leidse Kunstroute
    Marmer
    Mentale Rust
    Mindset
    Narratief
    Negatieve Ruimte
    Overvloed
    Persoonlijke Groei
    Persoonlijke Ontwikkeling
    Productieviteits Druk
    Productiviteit
    Psycologie
    Rust
    SamStone
    Schilderkunst
    Sculptuur
    Simone Van Olst
    Slaap
    Slapen
    Speksteen
    Steenbeeldhouwen
    Steensoorten
    Tentoonstelling
    Textuur
    Veerkracht
    Vertouwen
    Waxinelichtje
    Workshop
    Zelfliefde

    RSS-feed


​Neem contact op of kom langs:


Foto

atelier

Kenauweg 17a
​

2331 BA Leiden
​
Openingstijden

CONTACT

Telefoon:
​06-285 68 997
​
Mail:
[email protected]

bedrijfsgegevens

KVK nummer:
​57186820
​
Btw identificatienummer: NL001980586B04

PRIVACY

Privacyverklaring

Cookieverklaring
​

Algemene voorwaarden