Blogarchieven

Een ode aan albast: De fluistering van licht en kleur in mijn handen

23/5/2025

In de wereld van steen, waar elke klopper en beitel een dialoog aangaat met het materiaal, is er één steensoort die mijn hart keer op keer sneller doet kloppen: albast. Het is niet zomaar een steen; het is een poëtische omarming van licht, kleur en transparantie. In mijn atelier in Leiden, waar de steenstof vaak danst in het zonlicht, staat albast centraal in vele van mijn creaties. De liefde voor deze steen sijpelt niet alleen door in de vloeiende lijnen en de zachte vormen die ik eruit haal, maar ook in de pure vreugde die ik voel bij elke snipper die valt.
Voor mij is albast een levend materiaal. Het is de steen die ademt, die het licht omhelst en transformeert. Wanneer ik een blok albast voor me heb, zie ik niet alleen een statische massa, maar een canvas vol potentiële nuances, een sluier die wacht om gelicht te worden. Het is een bijna meditatieve ervaring om te werken met een steen die zoveel inherent mysterie in zich draagt.

De magie van Europese albast: Een kleurenpalet uit de aarde

Mijn primaire liefde, en de focus van veel van mijn werk, ligt bij de prachtige Europese albast. De variëteit aan kleuren en de vaak adembenemende transparantie zijn ongeëvenaard.
De meest bekende en geliefde vindplaatsen voor Europese albast zijn:

Spanje (Aragon). Dit is een van de meest productieve regio's voor albast. Hier vind je de klassieke, vaak doorzichtige tot doorschijnende witte en crèmekleurige variëteiten. Maar Spanje verrast ook met prachtige tinten van oker, zachtroze en zelfs subtiele grijstinten. De aderen en patronen in de Spaanse albast zijn vaak fijn en organisch, perfect voor beelden die zachtheid en beweging uitdrukken.
Italië (Volterra, Toscane). De albast uit Volterra is wereldberoemd en wordt al eeuwenlang gebruikt door beeldhouwers. Hier wordt voornamelijk de klassieke, bijna pure witte, doorschijnende albast gewonnen. Deze 'marmerachtige' albast is geliefd om zijn uniformiteit en zijn vermogen om licht prachtig te verspreiden. Daarnaast vind je er ook albast met fijne, delicate aderen in crème en zachtgeel. Naast Volterra zijn er nog meer prachtige soorten en vindplaatsen in Italië te vinden.
Engeland (Cheshire). De Engelse albast, vaak uit de gebieden rond Newark en Chellaston, is bekend om zijn vaak roodbruine, oranje en roze tinten, veroorzaakt door ijzeroxiden. Soms is de albast hier meer opaak dan de Spaanse of Italiaanse varianten, maar de rijke, aardse kleuren zijn van een ongekende schoonheid.

Wat deze Europese albasten zo bijzonder maakt, naast hun prachtige esthetiek, is hun bewerkbaarheid. Het zijn relatief zachte steensoorten (ongeveer 2 op de schaal van Mohs), waardoor ze toegankelijk zijn voor zowel beginners als ervaren beeldhouwers. Ze laten zich prachtig raspen, vijlen en polijsten, en de doorschijnendheid komt pas echt tot leven na een grondige polijstbeurt. Dit is precies waarom albast zo prominent aanwezig is in mijn doorlopende cursussen en workshops. Ik wil mijn cursisten laten ervaren hoe vergevingsgezind en tegelijkertijd expressief dit materiaal kan zijn.

De transparantie: Een licht op zichzelf

Het is de transparantie die albast onderscheidt van bijna elke andere steensoort. Wanneer je een dunne wand van gepolijste albast tegen het licht houdt, lijkt het te gloeien van binnenuit. Dit effect is betoverend en stelt je in staat om met licht als een integraal onderdeel van je sculptuur te werken.
In mijn beelden manipuleer ik vaak de dikte van de steen om variaties in lichtdoorlatendheid te creëren. Een dunne, bijna papierachtige sectie kan het licht volledig doorlaten, waardoor een etherisch effect ontstaat, terwijl een dikker deel een zachte, diffuse gloed behoudt. Dit spel met licht en schaduw, met doorschijnendheid en opaciteit, geeft albasten beelden een dynamiek en een levendigheid die je zelden in andere materialen vindt. Het is bijna alsof het beeld van binnenuit ademt, constant veranderend met de stand van het licht.

Een wereld aan albast: Kleuren verder weg

Hoewel de Europese albast mijn primaire focus is vanwege de hoge kwaliteit en de ethische winstpraktijken, wordt albast ook gewonnen in andere delen van de wereld, en deze variëteiten brengen hun eigen unieke kleurenpaletten met zich mee:

Verenigde Staten (Colorado, Utah, Oklahoma). De Amerikaanse albast is vaak te vinden in indrukwekkende formaties en kan variëren van pure wit tot roze, rood, geel, oranje en zelfs diepe karmozijnrode tinten, veroorzaakt door de aanwezigheid van mineralen als hematiet en ijzeroxiden. Deze kleuren zijn vaak veel intenser en levendiger dan de meer pastelkleurige Europese varianten.
Mexico (Puebla, Tecali). Mexicaanse albast, vaak 'Tecali-albast' genoemd, staat bekend om zijn heldere, vaak doorschijnende groenachtige tinten, veroorzaakt door koperafzettingen. Daarnaast zijn er ook variëteiten in crème, honinggeel en lichtbruin. Deze groenige albast is bijzonder fascinerend en biedt een heel ander esthetisch spectrum dan de warmere Europese tonen.
Egypte. Historisch gezien was Egypte een belangrijke bron van albast, gebruikt voor vazen en sarcofagen in de oudheid. Deze Egyptische albast is vaak crème-wit tot lichtgeel, met kenmerkende gelaagde patronen.

Waarom zijn deze exotische kleuren dan niet algemeen verkrijgbaar in Nederland (en Europa)?
De redenen zijn vaak complex, een combinatie van logistiek, kosten en duurzaamheid:

Transportkosten. Het importeren van zware steenblokken van zo ver weg is extreem duur. De transportkosten alleen al maken het vaak onbetaalbaar voor reguliere verkoop aan hobbyisten en kleinere ateliers.
Winstmethoden en duurzaamheid. De winstmethoden in sommige van deze landen zijn niet altijd duurzaam of ethisch verantwoord, wat de commerciële import bemoeilijkt. Ik hecht persoonlijk veel waarde aan het werken met materialen die op een verantwoorde manier zijn gewonnen, en dat is gemakkelijker te garanderen bij Europese leveranciers.
Kwaliteitscontrole. Het is lastiger om de constante kwaliteit en transparantie te garanderen bij import van zo ver weg. Europese albast heeft een gevestigde reputatie en is vaak van een zeer consistente kwaliteit.
Culturele waarde en lokale markt. Veel van deze bijzondere albastkleuren worden lokaal gewonnen en verwerkt voor de eigen kunstnijverheid of export naar specifieke markten, waardoor ze niet breed beschikbaar komen op de algemene Europese markt.

De focus op Europese albast in mijn atelier is dus niet alleen een kwestie van voorkeur, maar ook van praktische overwegingen en een diep respect voor de herkomst van het materiaal.

Albast en seleniet: Zusters van de gipsfamilie

Een veelvoorkomende vraag is: "Wat is het verschil tussen albast en seleniet?" Het is een uitstekende vraag, want de relatie is fascinerend en onthult een diepere geologische connectie.
Zowel albast als seleniet zijn variëteiten van het mineraal gips (CaSO₄·2H₂O). Ze zijn in wezen chemisch identiek, maar verschillen in hun kristalstructuur en uiterlijk:

Albast. Dit is de massieve, fijnkorrelige variëteit van gips. Het heeft een compacte, dichte structuur, waardoor het ideaal is om te beeldhouwen. De transparantie varieert van doorschijnend tot opaak, en de kleuren zijn zoals eerder beschreven. De dichtheid maakt het mogelijk om het tot een glad, glanzend oppervlak te polijsten, waardoor de doorschijnendheid optimaal tot zijn recht komt. Albast breekt conchoïdaal (schelpvormig), wat bijdraagt aan de bewerkbaarheid.
Seleniet. Dit is de kristallijne variëteit van gips. Seleniet vormt vaak grote, heldere, doorschijnende of transparante kristallen die vaak een perfecte splijting vertonen in dunne, flexibele bladen. Het is de 'doorzichtige' broer of zus van albast. Vanwege zijn splinterige aard en perfecte splijting is seleniet minder geschikt om te beeldhouwen in de traditionele zin. Natuurlijk, het kan wel maar vergt iets meer aandacht en beleid. Het wordt vaker gebruikt als decoratief mineraal of in spirituele praktijken vanwege zijn helderheid.

Overeenkomsten:

Beide zijn vormen van gips (calciumsulfaat dihydraat).
Beide zijn relatief zacht (2 op de schaal van Mohs).
Beide zijn doorschijnend tot transparant, vooral in dunnere platen of secties.

Verschillen:

Structuur. Albast is massief en compact; seleniet is kristallijn en bladvormig.
Bewerkbaarheid. Albast is uitstekend te beeldhouwen; seleniet splintert en splijt gemakkelijk en is niet geschikt om te hakken of te raspen. In ons atelier leren wij onze cursisten wel hoe je deze goed kunt “hakken” met een guts.
Uiterlijk. Hoewel beide transparant kunnen zijn, heeft albast vaak een meer 'melkachtige' of 'bewolkte' doorschijnendheid met subtiele kleurnuances, terwijl seleniet vaak een 'glazige' helderheid heeft.

Het begrijpen van dit verschil is cruciaal voor iedereen die met steen wil werken, want het voorkomt frustratie als je per ongeluk een selenietkristal probeert te beeldhouwen!

Werken met liefde: Waar moet je op letten bij albast?

Albast is een genot om mee te werken, maar net als elke steen heeft het zijn eigenaardigheden. Mijn expertise, opgedaan in jaren van vallen en opstaan (en heel veel polijsten!), stelt me in staat om mijn cursisten de cruciale tips mee te geven die het verschil maken:

Watergevoeligheid. Albast is een gipsgesteente en reageert op water. Langdurig contact met water kan het oppervlak dof maken of zelfs de structuur aantasten. Daarom werk je met albast vrij droog, en gebruik je weinig water bij het polijsten (tenzij je een specifiek nat schuurproces beheerst, maar dat is voor gevorderden). Schoonmaken doe je met een droge of licht vochtige doek, nooit wrijven.
Breekbaarheid. Hoewel relatief zacht, kan albast bros zijn, vooral bij dunne wanden of onondersteunde uitsteeksels. Voorzichtigheid is geboden, vooral met de klopper. Ik leer je de juiste slagtechniek en hoe je de steen kunt ondersteunen om breuk te voorkomen.
Kneuzing. Albast kneust snel, bewerking met klopper en beitel vergt voorzichtigheid. Gebruik altijd een kunsstof of houten klopper, nooit metaal. En voor je beitel geen tandbeitel (alleen als je heel ervaren bent) maar liever een rondeel of vlakbeitel. Liefst met aan het einde (waar je op slaat) een klopperkopje (een klein champignonvormig dopje) Deze zorgt voor demping in je steen zodat je geen kneuzingen krijgt. Witte plekken dieper in je steen. Deze zijn zeer ontsierend.
Krasgevoeligheid. Door zijn zachtheid is albast gevoelig voor krassen. Tijdens het bewerken is het belangrijk om schoon te werken en geen grof stof of gruis op het oppervlak te laten liggen dat krassen kan veroorzaken. Zelfs kleine korreltjes zand kunnen diepe sporen achterlaten.
Het belang van polijsten. De ware schoonheid en transparantie van albast komen pas echt tot leven na een grondige polijstbeurt. Dit proces, van grof schuurpapier tot ultrafijn, is essentieel. Ik leer je de technieken om die spiegelgladde glans te bereiken die het licht zo prachtig vangt.
Stofmanagement. Bij het bewerken van albast komt fijn, wit stof vrij. Dit kan irritatie veroorzaken aan de luchtwegen. Goede ventilatie is absolute noodzaak. Veiligheid in het atelier staat voorop.
De 'verborgen' kleuren. Soms lijkt een albasten blok aan de buitenkant effen en onopvallend. Maar als je begint te hakken, kunnen er prachtige aderen, kleurverlopen of zelfs onverwachte kristallisaties verschijnen. Dit is het avontuur van albast: elke keer is het een verrassing wat de steen prijsgeeft. Dit versterkt de dialoog met de steen en leidt vaak tot de mooiste en meest unieke beelden.

Een liefdesrelatie met de steen

Mijn fascinatie voor albast is geen toeval. Het is een steen die je uitdaagt om te voelen, te zien, te luisteren en te reflecteren. Het dwingt je tot precisie en respect. En in ruil daarvoor beloont het je met een ongeëvenaarde schoonheid en een gevoel van diepe verbinding met de aarde.
Deze bloemlezing, deze ode aan albast, is een uitnodiging. Een uitnodiging om zelf de magie van deze steen te ervaren. Of je nu een beginner bent die zijn eerste stappen zet, of een ervaren beeldhouwer die op zoek is naar verdieping, albast heeft altijd iets nieuws te bieden.
In mijn atelier in Leiden deel ik mijn diepe liefde en kennis van deze steen met mijn cursisten. Ik help je om de technieken te beheersen, de valkuilen te vermijden en de ware schoonheid van albast in jouw handen tot leven te laten komen. Want voor mij is albast meer dan alleen een materiaal; het is een venster naar creativiteit, een bron van oneindige inspiratie en een constante herinnering aan de pracht van de natuur.

Kom en ervaar zelf de fluistering van licht en kleur. Laat je leiden door de steen, en creëer iets blijvends moois. Jouw ode aan albast wacht om gehouwen te worden.

0 Opmerkingen

De dans met de steen: Waarom beeldhouwen leven geeft (en je nooit echt stopt met leren)

22/5/2025

0 Opmerkingen

Er zijn momenten in het leven waarop je je volledig één voelt met wat je doet. Voor mij, en voor Alex, is dat wanneer we omringd zijn door de steen, de geur van stof, en de rustgevende klank van de beitel, klopper en rasp in ons atelier in Leiden. Beeldhouwen is voor mij niet zomaar een ambacht; het is een diepgewortelde passie, een constante zoektocht naar vorm en expressie die mijn leven verrijkt en vormgeeft. Het is een proces dat je mentaal en fysiek uitdaagt en dat je de onbetaalbare les leert dat je nooit, maar dan ook nooit, uitgeleerd bent.

(Klik op de foto om deze te vergroten en helemaal te zien!)

De essentie vangen: Mijn liefde voor vormstudie en vooronderzoek

Voordat de eerste beitel de steen raakt, gebeurt er iets magisch: de vormstudie en het vormonderzoek. Dit is de fase die ik zo ontzettend koester en waar mijn hart sneller van gaat kloppen. Het is het proces van het vangen van een idee, een gevoel, een beweging, en het langzaam verfijnen ervan tot de essentie overblijft.

Een beeld begint zelden met een perfect helder eindresultaat. Vaak is het een flits, een intuïtie, een waarneming. Een lichte, lange bruine albast kan me doen denken aan de complexiteit van een lichaam dat een transformatie doormaakt - van ziek en zwaar naar slank en veerkrachtig, met de littekens en de genezen plekken die het verhaal vertellen. Om zo'n abstract idee te vangen, duik ik in een diepgaand vooronderzoek:

Schetsen, schetsen, schetsen. Ik pak mijn schetsblok en begin te tekenen. Niet perfecte lijnen, maar snelle, intuïtieve schetsen vanuit verschillende hoeken. Hoe zou het eruitzien van boven? Van opzij? Welke beweging wil ik uitdrukken? Hoe verhoudt de positieve vorm zich tot de negatieve ruimte? Dit is een dans tussen mijn hand en mijn geest, een manier om het concept driedimensionaal te visualiseren voordat het fysiek bestaat.
Studies in klei, gips en plastiline. Dit is waar het idee echt vleugels krijgt. Ik pak een zacht, kneedbaar materiaal - klei, gips of plastiline - en begin te boetseren. Dit zijn mijn driedimensionale schetsen. Ik kan snel verschillende vormen uitproberen, volumes toevoegen of weghalen, de balans testen, de lichtval bestuderen. Als ik werk aan een abstractie die de complexiteit van een lichaamstransformatie wil vangen, begin ik met het creëren van holtes en gaten in de zachte materie, en zoek ik naar de vloeiende lijnen die de overgang van 'oud' naar 'nieuw' uitdrukken. Ik voel met mijn handen, roteer het model, speel met de schaduwen. Dit zijn cruciale stappen om de vorm te 'voelen' en te begrijpen voordat je die in de harde steen hakt. Het is de meest bevrijdende fase, waarin de mogelijkheden nog oneindig lijken en de ideeën vrij kunnen stromen.

Deze liefde voor vormstudie is de ruggengraat van mijn eigen werk en de kern van wat ik mijn cursisten bijbreng. Het is de brug tussen een abstract concept en een tastbaar kunstwerk.

De vonk overslaan: Lesgeven als levenswerk

Mijn passie voor beeldhouwen is zo groot dat ik het niet voor mezelf kan houden. De liefde voor het lesgeven, voor het overbrengen van mijn kennis en kunde, is net zo diepgaand als mijn liefde voor de steen zelf. Het is een enorme voldoening om te zien hoe de vonk overspringt.
Tijdens mijn lessen, workshops, masterclasses en lezingen is mijn doel altijd hetzelfde: jou de tools en het vertrouwen geven om je eigen artistieke stem te vinden.

In de doorlopende cursus. Hier begeleid ik je wekelijks, stap voor stap. Of je nu je eerste snipper afhakt of worstelt met een complex marmeren project, ik ben er. Ik deel mijn diepgaande kennis over materialen, gereedschappen, technieken en de essentie van vorm. Ik zie het als mijn taak om je te begeleiden door de frustratie van een blokkade, om je te inspireren wanneer de moed je in de schoenen zinkt, en om je te leren luisteren naar de steen en naar je eigen intuïtie. De waarde die ik elke les geef aan mijn klanten zit niet alleen in de technische tips, maar ook in de aanmoediging, de gerichte feedback en de persoonlijke aandacht die ze krijgen.
De energie van workshops en masterclasses. Tijdens intensieve workshops en masterclasses duiken we dieper in specifieke onderwerpen. Dit zijn momenten van geconcentreerde groei, waar je in korte tijd enorme stappen kunt zetten. Ik geniet ervan om mijn expertise op een intensieve manier over te dragen, en te zien hoe cursisten in een paar dagen hun blik op beeldhouwen volledig transformeren.
Inspiratie in lezingen. In mijn lezingen deel ik niet alleen mijn kennis, maar vooral mijn verhaal en mijn filosofie. Ik neem je mee in de gedachten achter mijn werk en dat van andere, beroemde kunstenaars, de uitdagingen die ik tegenkom, en de lessen die ik leer. Het gaat erom te inspireren, om te laten zien wat er mogelijk is wanneer je je hart volgt.

De dynamiek in onze groepen is altijd bijzonder. Van absolute beginners die voorzichtig hun eerste snede maken, tot (ver)gevorderde kunstenaars die de grenzen van het materiaal opzoeken - iedereen leert van elkaar. De sfeer is er een van wederzijds respect en gedeelde passie. Het is een genoegen om deel uit te maken van zo'n levendige en ondersteunende gemeenschap.

De unieke synergie: Samen creëren, samen genieten

Mijn artistieke reis zou niet compleet zijn zonder Alex. Onze samenwerking als beeldhouwers en als docenten, maar vooral als partners in het leven en in ons atelier, is een bron van constante vreugde en kracht. Ik geniet enorm van onze creatieve momenten om samen te beeldhouwen. Er is een diep begrip, een onuitgesproken communicatie die ontstaat wanneer we zij aan zij aan een project werken. De ene keer pakt de een de klopper, de andere keer de ander, en er is altijd een gedeeld doel en een gedeeld gevoel van voldoening.

Alex is mijn rots in de branding, letterlijk en figuurlijk. Terwijl mijn expertise ligt in het vormgeven en het artistieke proces, is Alex de meester van het materiaal, de techniek en de logistiek. Hij zorgt ervoor dat de zware blokken veilig op hun plek staan, dat het gereedschap perfect geslepen is, en dat de technische aspecten van het beeldhouwen soepel verlopen. Deze aanvulling is van onschatbare waarde voor mij, en voor al onze cursisten. Je kunt je volledig concentreren op je creatie, wetende dat alle praktische ondersteuning aanwezig is.

De toekomst vormgeven: Jong volwassenen opleiden

Maar onze passie reikt verder dan alleen het begeleiden van onze wekelijkse cursisten. Een van de meest trotse aspecten van ons werk is het opleiden van jongvolwassenen in de kunst. Het is een privilege om jonge, enthousiaste geesten alles te leren over het lesgeven en hoe je als beeldhouwer/kunstenaar gaat groeien in je vak.

We begeleiden hen niet alleen in de technieken van het beeldhouwen, maar ook in de kunst van het lesgeven: hoe je een veilige en inspirerende leeromgeving creëert, hoe je feedback geeft die opbouwend is, en hoe je studenten stimuleert om hun eigen pad te vinden. We delen onze filosofie over het creatieve proces, de omgang met tegenslag, en de vreugde van de artistieke expressie.

Het is een ongelooflijk bevredigend gevoel om hen hun vleugels te zien uitslaan. Wanneer we ze zien groeien, niet alleen als beeldhouwers maar ook als inspirerende docenten, dan weten we dat we iets blijvends bijdragen aan de kunstwereld en aan de volgende generatie kunstenaars. Hun succes is ons succes, en het bewijs dat onze methode werkt.

De dans gaat door: Altijd meer te leren, altijd meer te creëren

De reis van een beeldhouwer is een continue stroom van ontdekking. Elke steen vertelt een nieuw verhaal, elke techniek opent nieuwe mogelijkheden. Of je nu een beginner bent die zijn eerste stappen zet, een ervaren hobbyist die de grenzen wil verleggen, of een jonge professional die zijn eigen weg zoekt - de steen wacht altijd met nieuwe lessen.

Beeldhouwen is een constante uitnodiging tot diepgang, tot expressie, en tot een diepere verbinding met jezelf en de wereld om je heen. Het is een proces dat je mentaal scherpt, fysiek versterkt en emotioneel verrijkt. De rust in het atelier, de concentratie op de steen, de voldoening van het creëren - het zijn momenten die ik voor geen goud zou willen missen.

En in ons atelier in Leiden, met onze doorlopende cursussen en het flexibele strippenkaartsysteem, creëren we de perfecte omgeving om deze reis te omarmen. Stel je voor: je bent 's ochtends aan het werk, helemaal in de flow, en je kunt makkelijk besluiten om 's middags lekker door te gaan in je steen. Maximaal genieten, maximaal leren, maximaal creëren.

Ik geloof dat iedereen de potentie heeft om te beeldhouwen, om die innerlijke creativiteit te ontgrendelen. En ik, samen met Alex en ons geweldige team van toekomstige docenten & kunstenaars, staan klaar om je te begeleiden op deze prachtige, levenslange reis.

Kom en ervaar de diepe roep van de steen. Laat je leiden door de vorm, de kleur, de textuur. En ontdek hoe beeldhouwen niet alleen je handen vormgeeft, maar ook je ziel. Jouw meesterwerk, jouw verhaal, wacht op je.

0 Opmerkingen

"Ik ben niet goed genoeg": De mythe die je weerhoudt van beeldhouwen

22/5/2025

0 Opmerkingen

Ik hoor het zo vaak. De aarzeling in de stem aan de telefoon, de onzekere blik tijdens een open dag in ons atelier in Leiden. "Ik ben niet creatief," zeggen sommigen. "Ik heb geen beeldend inzicht," zeggen anderen. "Ik ben niet sterk genoeg om met steen te werken," is ook een veelgehoorde zorg, soms gekoppeld aan lichamelijke ongemakken. Er is een diepgeworteld geloof dat beeldhouwen alleen is weggelegd voor een selecte groep 'geboren kunstenaars' of mensen met uitzonderlijke fysieke kracht.

Als ik dan naar mijn eigen handen kijk, die duizenden kilo's steen hebben bewerkt, en naar de vele, vele cursisten die ik in de loop der jaren heb mogen begeleiden - van absolute beginners tot mensen die denken dat ze 'twee linkerhanden' hebben - dan weet ik dat deze gedachten niets anders zijn dan mythen. Hardnekkige mythen die je weerhouden van een van de meest bevredigende en aardse creatieve processen die er bestaan.

Laat me je vertellen, vanuit het hart van ons ruime, lichte atelier: iedereen kan leren beeldhouwen. En ik ben hier om je te laten zien hoe.

(Klik op de foto's om ze volledig te zien!)

De angst voor het 'Niet goed genoeg' zijn: Waar komt het vandaan?

Die gedachte dat je niet 'goed genoeg' bent, komt vaak voort uit een paar specifieke bronnen:

De 'Talent'-mythe. We denken dat creativiteit een aangeboren talent is, iets wat je hebt of niet hebt. In werkelijkheid is creativiteit, net als een spier, iets dat je kunt trainen en ontwikkelen. Het is een vaardigheid, geen magische gave.
Vergelijken met anderen. We zien voltooide, perfecte kunstwerken in musea of op sociale media en voelen ons geïntimideerd. We vergeten de jaren van oefening, de fouten, de lessen die daaraan voorafgingen.
Onbekendheid met het proces. Beeldhouwen lijkt van buitenaf misschien complex en ontoegankelijk. Je ziet de eindvorm, maar niet de stappen, de gereedschappen, de technieken die het mogelijk maken.
Lichamelijke zorgen. Vooral de angst voor de fysieke belasting van steenhouwen kan een enorme drempel zijn. "Is dit wel iets voor mij, met mijn rugklachten?" of "Ik ben niet sterk genoeg om die steen te tillen of te hakken."

Laten we deze mythen doorbreken en je laten zien hoe de werkelijkheid in ons atelier is.

Mythen ontkrachten: Zo beeldhouwt iedereen (echt waar!)

Mythe 1: "Ik heb geen beeldend inzicht / Ik ben niet creatief"

Dit is veruit de meest voorkomende zorg, en het is de gemakkelijkste om te ontkrachten. Beeldend inzicht is niet iets wat je 'hebt', het is iets wat je ontwikkelt. En creativiteit is een proces, geen vaststaand kenmerk.

Praktisch beginnen. In ons atelier beginnen we met eenvoudige, toegankelijke materialen zoals speksteen. Dit is een zachte steensoort die je met handgereedschap – vaak zelfs zonder klopper – kunt bewerken. Je hoeft geen ingewikkelde vormen te visualiseren; je begint met een blok en leert de basisprincipes van vorm en volume door te voelen en te doen.
De steen als gids. Ik moedig mijn cursisten altijd aan om te beginnen met luisteren naar de steen. Elke steen heeft een natuurlijke vorm, een structuur, soms zelfs een kleurverloop dat al een suggestie geeft. Het gaat er niet om dat je een perfect beeld in je hoofd hebt en dat dwingend uit de steen haalt. Het gaat erom dat je een dialoog aangaat met het materiaal. Misschien zie je een organische welving, of een hoek die om een scherpere lijn vraagt. Dat is al beeldend inzicht in actie!
Stap voor stap ontwikkelen. We werken met duidelijke, praktische oefeningen die je stap voor stap meenemen in het proces. Van het begrijpen van positieve en negatieve ruimte tot het creëren van harmonie en balans. Je zult zien hoe je 'beeldhouwersoog' zich week na week, les na les ontwikkelt. Je gaat details zien die je eerst over het hoofd zag, en oplossingen vinden die je eerder niet voor mogelijk hield. En dat is diepgang. En daar help ik je bij!

Voorbeeld: Een cursist kwam eens binnen en zei: "Ik kan niet eens een rechte lijn tekenen, laat staan iets driedimensionaals maken." Na een paar lessen, waarin we werkten aan het vereenvoudigen van vormen en het voelen van volumes, maakte ze een prachtige, abstracte vorm die perfect in balans was. Ze had niet 'gezien' wat ze moest maken, maar ze had gevoeld wat de steen vroeg. Dat is de essentie van beeldend inzicht.

Mythe 2: "Ik ben niet sterk genoeg / Ik heb lichamelijke ongemakken"

Dit is een terechte zorg, maar in ons atelier hebben we de kennis en de hulpmiddelen om hier perfect mee om te gaan. Beeldhouwen is niet per se een kwestie van brute kracht. Het is eerder een kwestie van techniek, efficiëntie en slim werken.

Materiaal keuze. We beginnen vaak met zachtere steensoorten zoals speksteen of albast, die relatief gemakkelijk te bewerken zijn en minder fysieke kracht vereisen. Zelfs marmer kan met de juiste techniek en het juiste gereedschap verrassend toegankelijk zijn.
Techniek boven kracht. Ik leer je de juiste lichaamshouding, de meest efficiënte slag met de klopper, en de beste manier om je gereedschap te gebruiken. Dit minimaliseert de fysieke belasting en maximaliseert je effectiviteit. Je leert hoe je het gewicht van je lichaam kunt gebruiken, in plaats van alleen spierkracht.
Ergonomisch werken. We hebben in ons ruime atelier in Leiden verschillende werkbanken en opstellingen die aangepast kunnen worden aan jouw lengte en houding. Als je staat werkt, is het essentieel dat je comfortabel staat en dat je steen op de juiste hoogte is. Dit helpt klachten te voorkomen.
Aanpassing voor lichamelijke ongemakken. Dit is een punt waar onze expertise echt uitblinkt. Ik heb jarenlange ervaring met het begeleiden van cursisten met diverse lichamelijke ongemakken, van rugklachten tot gewrichtsproblemen.
- Zitten of staan. We kunnen kijken of zitten voor jou comfortabeler is, en daar de werkplek op aanpassen.
- Gereedschap keuze. Er zijn lichtere kloppers, beitels met ergonomische handvatten, en zelfs speciale gereedschappen die het werk lichter maken. We bespreken samen wat het beste bij jouw situatie past.
- Pauzes en ritme. Ik moedig altijd aan om naar je lichaam te luisteren en voldoende pauzes te nemen. Het gaat niet om snelheid, maar om duurzaamheid en plezier.
- Kleinere projecten. We kunnen ook werken met kleinere stenen of projecten, zodat de belasting beheersbaar blijft en je toch de voldoening van het creëren ervaart.

Voorbeeld: Een cursist met ernstige reuma dacht dat beeldhouwen onmogelijk was voor haar. Na een gesprek over haar beperkingen hebben we een aangepaste werkplek ingericht en gekozen voor zeer zachte steen en lichter gereedschap. Ze werkte langzaam, nam veel pauzes, maar het resultaat was een prachtig, gevoelig beeld. Het ging niet om kracht, maar om precisie en doorzettingsvermogen, aangepast aan haar mogelijkheden.

De doorlopende cursus: Jouw steunpilaar in het proces

Onze doorlopende cursus in Leiden is speciaal ontworpen om deze drempels weg te nemen en je te begeleiden, ongeacht je startniveau of fysieke gesteldheid.

Op jouw tempo. Er is geen druk om snel resultaat te boeken. Je werkt op je eigen tempo, aan je eigen projecten, onder mijn begeleiding. Dit is cruciaal voor beginners die nog onzeker zijn en de tijd nodig hebben om te wennen aan het materiaal en de gereedschappen.
Persoonlijke begeleiding. Met kleine groepen krijg je de persoonlijke aandacht die je nodig hebt. Ik sta naast je, beantwoord je vragen, geef gerichte feedback en help je door de momenten van twijfel heen. Ik help je die 'blokkades' te zien als leerzame momenten, in plaats van struikelblokken.
Alle expertise onder één dak. Ik deel mijn enorme kennis en ervaring over alle aspecten van het beeldhouwen: van materiaalkeuze en gereedschapsonderhoud tot geavanceerde technieken en artistieke expressie. En ja, ook over hoe je omgaat met lichamelijke beperkingen. Je hoeft het wiel niet opnieuw uit te vinden; ik help je op weg.
Een inspirerende omgeving. Ons ruime atelier in Leiden is een plek waar je je direct thuis voelt. Er hangt een sfeer van concentratie, creativiteit en onderlinge steun. Je bent omringd door andere enthousiaste cursisten, van absolute beginners tot meer ervaren beeldhouwers. Het delen van ervaringen, het zien van elkaars werk – dat is enorm stimulerend en helpt je te realiseren dat je niet alleen bent in je proces.
Alle materialen en gereedschappen. Je hoeft niet direct te investeren in duur gereedschap. In het begin kun je gebruikmaken van het gereedschap van het atelier, en we kunnen je adviseren bij eventuele aankopen later.

Het beste advies: Begin gewoon!

De grootste belemmering is vaak de angst om te beginnen. De gedachte "wat als het niet lukt?" of "wat als ik het verkeerd doe?" Mijn advies is simpel: begin gewoon. Die eerste slag met de klopper en beitel, die eerste snipper die wegvliegt – dat is het moment waarop de magie begint. Het is een tastbaar proces, en dat is zo bevrijdend. Je werkt met je handen, je bent volledig in het moment. Het is een oase van rust in een drukke wereld.

Denk niet te veel na over het 'perfecte' resultaat. Denk aan het plezier van het proces, het ontdekken van de mogelijkheden van de steen, het voelen hoe de vorm langzaam onder je handen ontstaat.
Het is zo gaaf om te zien hoe mensen opbloeien in ons atelier. Hoe hun onzekerheid langzaam verdwijnt en plaatsmaakt voor trots en voldoening. Hoe ze de moed vinden om te experimenteren en hun eigen unieke stem te vinden in de steen.

Die twijfel die je nu voelt, is de allereerste stap op weg naar iets nieuws. Het is een uitnodiging om uit je comfortzone te stappen en iets te ontdekken waarvan je nooit dacht dat je het kon.
Dus, als je nieuwsgierig bent, als die gedachte aan beeldhouwen blijft kriebelen, laat die onzekerheid je dan niet langer tegenhouden. Ons atelier in Leiden staat open voor iedereen. Met onze expertise, onze aangepaste aanpak voor lichamelijke ongemakken, en de warme, ondersteunende sfeer, kunnen we jou begeleiden op jouw beeldhouwreis.

Ben je klaar om die mythe te ontkrachten en de betoverende wereld van het beeldhouwen te ontdekken? Neem contact met ons op voor de doorlopende cursus. We kijken ernaar uit je te verwelkomen en je te laten zien hoe bijzonder het is om met steen te werken!
Er zijn nog maar beperkt aantal plaatsen om gelijk te starten of in september, dus wacht niet te lang!
Klik hier voor aanmelding!

0 Opmerkingen

De kunst van het kijken: ruimtelijk inzicht begint met vertraging

21/5/2025

0 Opmerkingen

In een wereld waarin alles snel moet – waarin we scrollen, klikken, posten en dóórrennen - vraagt beeldhouwen iets radicaal anders van ons: vertraging. Beeldhouwen begint namelijk niet met een beitel of een steen, maar met kijken. Echt kijken. En dat is iets wat we vaak vergeten te oefenen.

In deze blog neem ik je mee in een andere manier van denken over ruimtelijk inzicht. Geen tips of trucjes, maar een uitnodiging om het proces zelf te vertragen en te verdiepen. Want hoe beter je leert kijken, hoe helderder je vormen worden - van buiten én van binnen.

Kijken als eerste gereedschap
Als beeldhouwer werk je met massa en ruimte, met licht en schaduw, met vorm en tegenvorm. Maar vóór je iets tastbaars maakt, moet je het eerst zien. Niet zomaar “zien” in de alledaagse zin - maar met aandacht, met verwondering.
Ruimtelijk inzicht ontstaat wanneer je leert kijken zonder meteen te willen maken. Wanneer je jezelf de tijd geeft om te begrijpen wat je ziet, in plaats van direct te reageren.

De stilte vóór de vorm
Neem een eenvoudige oefening: een wc-rol met een paar uitgesneden vormen, op een wit vel papier. Zet er een lamp op en kijk naar de schaduw. Dat lijkt niets bijzonders. Maar als je het serieus neemt, ontdek je een wereld aan nuances. Wat zie je echt? Waar buigt de vorm? Hoe verandert de schaduw als je het object draait? Hoe voelt de ruimte tussen het licht en het donker? Dit soort oefeningen zijn geen trucjes. Ze brengen je terug naar een staat van waarnemen - zonder oordeel, zonder haast. En juist daar begint jouw ruimtelijk meesterschap.

"De steen vertelt je iets. Maar alleen als je stil genoeg bent om te luisteren."

Niet weten is een kracht
Veel mensen zeggen: “Ik heb geen ruimtelijk inzicht.” Maar wat ze vaak bedoelen is: ik heb nog niet geleerd om met aandacht te kijken. Ruimtelijk inzicht is niet iets waarmee je geboren wordt of niet. Het is iets wat groeit door nieuwsgierigheid en geduld. Door het durven aangaan van niet-weten. Bijvoorbeeld tijdens modeltekenen. Niet om een perfect lichaam na te bootsen, maar om te onderzoeken: hoe zit dat been eigenlijk aan dat bekken vast? Hoe loopt de spanning door de ruggengraat? Elk lichaam is een landschap.

Ruimtelijk inzicht is een innerlijk proces
Wat er van buiten zichtbaar wordt in steen, ontstaat van binnen. Hoe meer je je openstelt voor wat er is, hoe sterker je werk wordt. Niet omdat je de ‘juiste’ techniek toepast, maar omdat je ruimte geeft aan het proces. Ruimtelijk inzicht is dan niet langer iets technisch - het wordt een manier van zijn. Van in de wereld staan met open ogen.

De waarde van vertraging
In mijn atelier zeg ik vaak: “Langzaam is sneller.” Want wanneer je vertraagt, zie je méér. Je ziet dat een fout in verhouding al begint bij het kijken, niet bij het hakken. Je voelt dat een sculptuur zijn kracht niet haalt uit perfectie, maar uit balans - en die balans ontdek je alleen door aandacht. Of je nu een beginnende of gevorderde beeldhouwer bent: neem je tijd. Ga wandelen met je werk. Bekijk het in ochtendlicht en in avondlicht. Leg je gereedschap soms bewust neer en kijk alleen maar. Maak foto’s, draai ze om, en zie het met frisse ogen.

Zin om dit zelf te ervaren?
Tijdens de tweedaagse workshop Schets naar Beeld duiken we precies in dit proces. Geen haast, geen druk. Wel: kijken, voelen, onderzoeken en vormgeven. We gaan samen van observatie naar expressie - en van waarnemen naar beeld.

Laat het beeld ontstaan in de stilte van je aandacht. En ontdek hoe jouw manier van kijken de wereld vormgeeft – in steen, in lijnen, in ruimte.

0 Opmerkingen

De blijvende invloed van Jean (Hans) Arp op de moderne kunst

16/5/2025

0 Opmerkingen

In de wereld van de moderne kunst zijn er maar weinig kunstenaars die zoveel impact hebben gehad als Jean Hans Arp. Als beeldhouwer, dichter en pionier van de abstractie wist hij klassieke grenzen te doorbreken en een geheel nieuwe beeldtaal te introduceren. Zijn organische vormen, speelse benadering van materiaal en unieke kijk op kunst als levend organisme, hebben generaties kunstenaars beïnvloed – en doen dat nog steeds.

Dada als vertrekpunt
Arp was medeoprichter van de Dada-beweging, die ontstond als reactie op de zinloosheid van de Eerste Wereldoorlog. Hij verzette zich tegen logica en esthetiek zoals we die toen kenden, en omarmde chaos, toeval en intuïtie. Met zijn gescheurde papiersnippers en spontane vormen liet hij zien dat schoonheid ook buiten regels en systemen kan ontstaan.

Van toeval naar poëzie in vorm
Zijn kunst balanceert tussen abstractie en herkenbaarheid. Arp’s sculpturen lijken vaak op iets natuurlijks – een steen, een blad, een menselijk torso – maar blijven altijd mysterieus. Hij vertrouwde op intuïtie en het onderbewuste, een aanpak die ook aansloot bij de surrealisten, met wie hij regelmatig samenwerkte.
Tegelijkertijd was Arp ook een dichter. Zijn gedichten en sculpturen beïnvloedden elkaar; woorden werden vormen, en vormen werden woorden. Deze vloeiende wisselwerking tussen disciplines is vandaag de dag nog steeds een bron van inspiratie.

Een erfenis van vrijheid
Of het nu gaat om zijn zachte abstracties of zijn samenwerking met kunstenaars als Sophie Taeuber-Arp, Van Doesburg en Calder – Arp’s werk laat zien hoe vorm kan ontstaan vanuit gevoel en vrijheid. Hij bewees dat abstractie geen stijl is, maar een manier van denken. Een open uitnodiging aan de kunstenaar om te onderzoeken, voelen en transformeren.

Laat je inspireren in ons atelier
Wil jij zelf ervaren hoe het is om vorm te geven zoals Arp dat deed – vanuit gevoel, intuïtie en experiment? In de workshop Metamorfose volgens Arp duiken we samen in zijn manier van werken. Je leert hoe je kunt abstraheren, hoe je van onderzoek naar vorm komt en hoe je met verschillende materialen iets nieuws en eigens maakt. Laat je eigen vormen ontstaan en ontdek hoe bevrijdend het kan zijn om de controle los te laten.

Bekijk de workshop op onze website en geef jouw creativiteit de ruimte – net als Arp dat deed.

0 Opmerkingen

Hoe Henry Moore beeldhouwen opnieuw vormgaf

7/5/2025

0 Opmerkingen

Henry Moore, een van de meest invloedrijke beeldhouwers van de twintigste eeuw, stond bekend om zijn monumentale sculpturen waarin de menselijke vorm op abstracte wijze werd verbeeld. Wat begon als een realistische studie aan de kunstacademie, groeide uit tot een levenslange zoektocht naar de essentie van vorm, ruimte en emotie. De abstractie bood Moore niet alleen artistieke vrijheid, maar gaf hem ook de ruimte om universele thema’s als rust, veerkracht en verbondenheid te verbeelden.

Van klassiek realisme naar persoonlijke taal
Moore begon zijn carrière met een klassieke kunstopleiding waarin realisme en technische precisie centraal stonden. Maar al vroeg raakte hij gefascineerd door niet-westerse kunst: de krachtige eenvoud van Afrikaanse maskers, de symboliek van pre-Columbiaanse beeldhouwwerken, de ritmiek van Oceanische vormen. Deze invloeden vormden het begin van zijn geleidelijke overgang naar abstractie — een pad dat hem hielp zijn eigen artistieke stem te vinden.

Vorm als vertaling van gevoel
In Moore’s werk wordt abstractie nooit kil of afstandelijk. Integendeel: juist door te abstraheren wist hij diepe menselijke emoties te vangen. Zijn beroemde Reclining Figures zijn hier het perfecte voorbeeld van. Liggende figuren, soms ontdaan van herkenbare anatomie, maar altijd doordrenkt van rust, kracht en verbondenheid met de aarde. Ook in zijn Family Groups laat hij zien hoe abstractie gebruikt kan worden om relaties en bescherming tastbaar te maken; zonder overbodige details, maar met maximale zeggingskracht.

Materiaal als medespeler
Moore’s liefde voor materialen speelde een grote rol in zijn abstracte benadering. Of hij nu werkte in hout, brons of steen, hij liet zich leiden door de eigenschappen van het materiaal. De natuurlijke texturen, nerven, breuken en weerstanden kregen allemaal een plek in zijn beeldtaal. Het resultaat? Organische vormen die lijken voort te komen uit de natuur zelf, maar toch onmiskenbaar menselijk aanvoelen.

Abstractie als vrijheid
Voor Moore was abstractie geen stijlkeuze, maar een vorm van vrijheid. Weg van academische regels en de illusie van perfectie, richtte hij zich op de essentie: massa, ruimte, spanning en stilte. Zeker na de Tweede Wereldoorlog, waarin hij als oorlogstekenaar het leed van mensen in schuilkelders vastlegde, werd zijn werk nog expressiever. In plaats van directe weergave zocht hij naar tijdloze symboliek — beelden die iets universeels raken.

Zelf ervaren? Stap in de voetsporen van Moore
Ben je als beeldhouwer of kunstliefhebber geïnspireerd door Henry Moore’s werkwijze? Dan is de workshop In de voetsporen van Henry Moore van beeldhouwer Simone van Olst een absolute aanrader. In deze verdiepende workshop onderzoek je hoe abstractie een brug kan slaan tussen gevoel en vorm. Je leert kijken, schetsen, abstraheren én durven maken — precies zoals Moore zelf deed.

0 Opmerkingen

Van inspiratie naar eigen signatuur: Hoe beeldhouwers groeien door te kijken naar anderen

7/5/2025

0 Opmerkingen

Beeldhouwen in steen is een intens proces. Het vraagt kracht, geduld en aandacht – maar bovenal vraagt het visie. Die visie groeit niet in isolatie. Ze wordt gevoed door kijken, onderzoeken en geïnspireerd raken. Vaak ligt de sleutel tot groei verscholen in het werk van anderen. Niet om na te bootsen, maar om te begrijpen. Om je eigen stem juist krachtiger te laten klinken.

Waarom inspiratie essentieel is voor beeldhouwers
Iedere kunstenaar kent het: momenten waarop het creatieve vuur even dooft, of waarin het lijkt alsof je steeds hetzelfde maakt. Dat is precies het moment om buiten jezelf te kijken. Inspiratie van buitenaf is geen zwaktebod: het is brandstof. Het helpt je nieuwe vormen te ontdekken, andere composities te onderzoeken en technieken te verkennen die je blik verruimen.

De grote meesters, van Brancusi tot Calder, deden dat niet anders. Ze lieten zich inspireren door elkaar, door andere disciplines, door natuur, architectuur of mythologie. En steeds opnieuw kwamen ze uit bij iets unieks. Iets van henzelf.

Hoe leer je van het werk van anderen?
1. Bestudeer meesterwerken, maar kijk écht
Het is gemakkelijk om snel door een museum te wandelen, of door een boek te bladeren. Maar echt kijken betekent: analyseren. Waarom raakt een werk je? Wat doet de vorm, het materiaal, de afwerking? Wat gebeurt er met de ruimte om het beeld heen?

Neem Jean Arp, wiens organische sculpturen een gevoel van gewichtloosheid oproepen. Of Barbara Hepworth, die met openingen en gaten in haar beelden juist de lucht onderdeel van het werk maakt. Wat zou er gebeuren als jij die principes loslaat op steen?

2. Bezoek, beleef, verwonder
Ga naar tentoonstellingen, werkplaatsen, beeldenparken. Niets inspireert zo sterk als het fysiek ervaren van kunst. De schaal, de schaduwval, de ruwe of juist gepolijste huid van een beeld – dit zijn elementen die je op een scherm nooit volledig voelt. Neem een schetsboek mee, maak notities van wat je raakt. Niet om te kopiëren, maar om te onderzoeken.

3. Combineer invloeden tot iets nieuws
Louise Bourgeois haalde haar inspiratie uit herinneringen, dromen en angsten. Alexander Calder bracht beweging en lichtheid in de sculptuurkunst. Wat gebeurt er als je invloeden van meerdere kunstenaars combineert? Misschien werk je met Brancusi’s eenvoud én Hepworths openingen. Of voeg je Calder’s speelsheid toe aan een massieve vorm. Door vrij te associëren ontstaan nieuwe ideeën – en misschien wel jouw volgende beeld.

Van inspiratie naar jouw handschrift
Inspiratie is slechts het begin. De echte uitdaging is: hoe vertaal je wat je ziet naar iets dat helemaal van jou is? Dat doe je door te experimenteren. Door je niet vast te houden aan wat je al kunt, maar door nieuwsgierig te blijven. Wat gebeurt er als je een vorm ‘verstoort’? Als je een perfect gladde lijn onderbreekt met een ruwe snede? Als je een menselijke figuur abstract maakt? En vooral: door te durven schetsen. Te durven falen. Te durven zoeken. Zoek je eigen grenzen op en laat je verbazen door jezelf!

En nu jij!
Wil je leren hoe je de zoektocht van inspiratie naar vorm praktisch én creatief vormgeeft? Dan is onze workshop Schets naar Beeld een aanrader. In deze verdiepende workshop leer je hoe je inspiratie omzet in schetsen en van daaruit een driedimensionale vertaling maakt in steen. Onder begeleiding van Simone ga je op zoek naar je eigen vormentaal: je leert kijken, schetsen, abstraheren en vooral durven maken. Het resultaat is niet alleen een beeld, maar een verdiept inzicht in je eigen proces. Iedere kunstenaar bouwt immers voort op wat eraan voorafging – maar de ware kunst is om invloeden los te weken van hun bron en ze opnieuw te vormen met jouw handen, jouw intuïtie, jouw materiaal. Laat je dus inspireren: door grootheden uit de kunstgeschiedenis, door collega-beeldhouwers, muziek, natuur of architectuur. Combineer, experimenteer en blijf zoeken naar wat jou beweegt. Want precies daar, in dat spanningsveld tussen inspiratie en zelfexpressie, ontstaat het werk dat je echt verder brengt. Vergeet niet: zelfs de grootste kunstenaars begonnen met kijken.

0 Opmerkingen

Een ode aan albast: De fluistering van licht en kleur in mijn handen

De dans met de steen: Waarom beeldhouwen leven geeft (en je nooit echt stopt met leren)

"Ik ben niet goed genoeg": De mythe die je weerhoudt van beeldhouwen

De kunst van het kijken: ruimtelijk inzicht begint met vertraging

De blijvende invloed van Jean (Hans) Arp op de moderne kunst

Hoe Henry Moore beeldhouwen opnieuw vormgaf

Van inspiratie naar eigen signatuur: Hoe beeldhouwers groeien door te kijken naar anderen

Simone van Olst

Archief

Categorie

Neem contact op of kom langs:

atelier

Telefoon & WhatsApp

E-mail