SIMONE VAN OLST
  • Home
  • Beelden
    • Beelden < 250 euro
    • Beelden van 250-600 euro
    • Beelden > 600 euro
    • Exposities
    • Sieraden en cadeau artikelen
    • Werk in opdracht
  • Workshops
    • Bedrijven >
      • Bedrijfsworkshops
      • Keiharde Coaching
      • Ondernemende carrieretijgers
      • Verhuur vergader / werk ruimte
    • Studenten
    • Lezingen met workshop >
      • In de voetsporen van Henry Moore
      • Metamorfose volgens Arp
      • De natuur volgens Barbara Hepworth
      • Schets naar Beeld Basis
      • Schets naar Beeld Gevorderd Abstract
    • Groepsworkshops
    • Thematische verdiepingsworkshops >
      • Anatomische torso vijfdaagse masterclass
      • Natuurlijke vormen
      • Organische vormen
      • Schaal maken workshop
      • Torso workshop
      • Uit je bolletje workshop
      • Vogel workshop
    • Wiskundige verdiepingsworkshop >
      • Binnenstebuiten enkel en dubbele workshop
      • Lemniscaat & 3-knoop
      • Modulelessen verdieping
      • Möbiusband 1 draai & 4 draai workshop
      • Dichte Oloïde & Open Olöide workshop
    • Workshops voor speciale gelegenheden >
      • Bedank workshop na de bruiloft
      • Moederdag & Vaderdag workshop
      • Valentijnsworkshop
      • Vrijgezellenfeest workshop
    • Boek jouw creatieve zaterdag
  • Cursussen
    • Informatie cursussen >
      • Kies jouw strippenkaart!
      • Boek jouw proefles!
    • Ontdek Alex & Simone Unlimited
    • Mastermind: Masters in Steen
    • Winteracademie
    • Zomeracademie
  • Agenda
  • Blogs
  • Boeken
    • Natuur beeldhouwen in steen
    • De kunst van anatomisch beeldhouwen
    • Ontdek: Schets naar Beeld
  • webshop
  • Contact
    • Ander werk >
      • Kunstverleners
      • Kunstcollectief De Mors
      • Trex
      • Drawing her Story
      • Thuis Op Straat
      • Mozaïek projecten
      • Urban Knitting
      • Publicaties
    • Cadeaubon
    • Inspiratienieuws
    • Over ons
    • Openingstijden
    • Veel gestelde vragen
    • Vakantieschema
    • Winkel, materialen & service
    • Vacatures
    • Privacyverklaring
    • Cookieverklaring
    • Algemene voorwaarden

De grootste leugen over creativiteit

30/6/2025

0 Opmerkingen

 
Waarom je denkt dat je 'niet genoeg' bent
Adem eens diep in. En stel jezelf dan deze vraag: "Ben ik creatief genoeg?" Ik wed dat bij velen van jullie een klein, knagend stemmetje opduikt. Een stemmetje dat zegt: "Nee, niet echt. Ik kan niet tekenen. Ik kan niet schilderen. Ik ben geen kunstenaar. Ik heb geen originele ideeën." Die stem is hardnekkig, en hij fluistert al sinds onze kindertijd in ons oor. Hij is gevoed door maatschappelijke verwachtingen, door de prestatiedruk die op ons ligt, en misschien wel het meest verraderlijke: door de manier waarop we geleerd hebben om met informatie om te gaan.

Overal om ons heen wordt productiviteit op een voetstuk geplaatst. Elk moment moet 'nuttig' zijn, elk idee 'origineel', elke actie 'efficiënt'. We leven in een wereld die zo geobsedeerd is geraakt door het kwantificeren van alles, dat we vergeten zijn hoe we moeten voelen, spelen en dwalen. En in die jacht op perfectie en prestatie, hebben we een van onze meest fundamentele menselijke eigenschappen – onze creativiteit – in een keurslijf gedwongen. We denken dat creativiteit iets is dat je wel of niet hebt, een talent dat sommigen van nature bezitten en anderen niet. Een soort aangeboren 'gave'. En als je die niet hebt, nou, jammer dan.

Maar wat als ik je vertel dat dit een van de grootste leugens is die ons is verteld? Wat als ik je uitdaag om dit diepgewortelde geloof los te laten en te zien dat je, net als iedereen, barst van de creativiteit? Het enige wat je nodig hebt, is een andere lens om door te kijken. Een lens die de wereld opent naar overvloed en waardering, zonder dat ik zweverig wil klinken. Dit is geen spirituele openbaring, maar een basale, psychologisch onderbouwde keuze in het creëren van onze eigen ervaringen met kunst, met beeldhouwen, en met het leven zelf.
Het stille gevang van je hoofd: Waarom je brein zucht onder druk
Laten we eens eerlijk zijn over de druk die op onze hersenen ligt. Sinds de digitale revolutie is de informatiestroom exponentieel toegenomen. E-mails, WhatsAppjes, social media, nieuwsalerts – onze aandacht wordt voortdurend versnipperd. En met die constante stroom komt de onbewuste druk om alles te onthouden, alles te verwerken, alles te beantwoorden. Ons brein is in een soort mentale drukpan veranderd, voortdurend onder hoogspanning.
Dit heeft diepe psychologische gevolgen. De psycholoog George A. Miller introduceerde al in 1956 het concept van 'The Magical Number Seven, Plus or Minus Two', wat suggereerde dat ons kortetermijngeheugen beperkt is in de hoeveelheid informatie die het tegelijkertijd kan vasthouden. Moderne neurowetenschappen nuanceren dit, maar de kern blijft: ons brein is geen onbeperkte opslagruimte. De constante poging om alles te onthouden leidt tot mentale vermoeidheid, stress, en een fenomeen dat we 'cognitieve overbelasting' noemen.

Wanneer ons brein continu overspoeld wordt en de focus moet houden op 'onthouden' en 'presteren', gebeurt er iets cruciaals. Zoals we in de vorige blog al aanstipperden, schakelt ons brein voornamelijk naar het 'Systeem 2'-denken van Kahneman: bewust, rationeel, probleemoplossend. Dit is fantastisch voor het afhandelen van taken, maar het verstikt de processen die nodig zijn voor diepe creativiteit. Creativiteit floreert juist wanneer we de teugels vieren, wanneer het 'Default Mode Network' (DMN) actief kan zijn – die netwerken die geassocieerd worden met dagdromen, zelfreflectie en het leggen van onverwachte verbanden. De neuroloog Oliver Sacks beschreef in zijn boeken vaak hoe de menselijke geest, wanneer bevrijd van strikte taken, in staat is tot de meest verbazingwekkende sprongen. Maar als die ruimte er niet is, als de druk constant is, dan blijft het DMN in de sluimerstand en blijft onze creativiteit op slot.
​

De angst om iets te vergeten is een stille moordenaar van creativiteit. Het leidt tot mentale kramp, tot een brein dat zich vastklampt aan informatie in plaats van het te laten stromen. En in die kramp zit het idee verstopt dat je niet creatief genoeg bent. Want hoe kun je vrijuit associëren, nieuwe ideeën vormen, als je bang bent dat je die ene briljante ingeving kwijtraakt voordat je hem hebt kunnen vangen?
De gekke logica van de 'Chaos Schriftjes': Je hoofd als tuin, niet als fabriek
Hier komt de "Chaos Schriftjes" methode om de hoek kijken, niet als een productiviteitstool, maar als een instrument voor mentale bevrijding. Het is een revolutionaire benadering van informatiebeheer, maar dan op jouw voorwaarden. Jouw geest zal rustiger worden, wetende dat ideeën worden opgeslagen, dat er geen druk meer is om ze te onthouden. Je zult meer gefocust zijn, in de wetenschap dat je gedachten in de wacht kunt zetten en er later naar terug kunt keren. Dit is de psychologische basis van 'getting things off your mind' – een concept dat door David Allen in Getting Things Done populair is gemaakt, maar wij passen het toe op creativiteit, niet alleen op taken. Het doel is geen perfect systeem, maar mentale ruimte.

Die "slimme, makkelijke plek om alles te bundelen" is jouw eigenzinnige, ongeordende schriftje. Jouw mentale afvoerputje, jouw ideeën-speeltuin, jouw geheime schatkamer. Hierdoor zul je vanzelf meer vertrouwen krijgen, wetende dat je niet verantwoordelijk hoeft te zijn om alles te onthouden. De last van het 'moeten onthouden' valt weg, en daarmee de angst om te falen. En met dat nieuwe vertrouwen komt een enorme opening.
​

Je zult meer openstaan voor nieuwe dingen en bereid zijn meer onorthodoxe, uitdagende en onvoltooide ideeën in overweging te nemen, omdat je een ruime voorraad van alternatieven hebt om uit te kiezen. Je brein, bevrijd van de opslagdruk, krijgt de ruimte om te associëren, te combineren, en te experimenteren met alle informatie die het heeft verzameld. Dit is waar de groei begint. De psycholoog Mihaly Csikszentmihalyi, bekend van zijn onderzoek naar 'flow', stelt dat creativiteit floreert wanneer een individu volledig opgaat in een activiteit, zonder angst voor mislukking of afleiding. Het "Chaos Schriftje" creëert precies die veilige, afleidingsvrije zone voor je gedachten.
​De wereld door jouw nieuwe lens: Van schaarste naar overvloed
Het gaat verder dan alleen ideeën opslaan. Door de "Chaos Schriftjes" methode ga je de wereld door een andere lens zien. Je verandert je perspectief. Het is bijna de lens van overvloed en waardering, zonder dat ik spiritueel wil klinken. Dit is een basale keuze bij het creëren van onze eigen ervaringen met kunst en beeldhouwen.

Denk aan de concepten uit de positieve psychologie, zoals die van Martin Seligman. Zijn werk benadrukt het belang van het cultiveren van positieve emoties en het erkennen van je sterke punten. Door je geest te bevrijden van de angst om te vergeten, creëer je ruimte voor waardering. Je brein, niet langer overbelast, gaat je meer wijzen op alle bijzondere en mooie dingen om je heen, hoe klein ook. Een gekke boomwortel, de manier waarop licht valt op een gebouw, een fragment van een gesprek – al die kleine, voorheen 'irrelevante' details, worden nu potentiële vonken voor nieuwe ideeën, nieuwe verbindingen. Het is een shift van schaarste (wat mis ik? wat vergeet ik?) naar overvloed (kijk eens wat er allemaal is! wat kan ik hiermee?).

Dit is een diepe psychologische transformatie. Waar je eerder misschien keek met een blik die gericht was op 'wat moet ik onthouden?' of 'waar is het nut van?', kijk je nu met een blik van 'wat is interessant?', 'wat inspireert me?', 'wat roept vragen op?'. Dit is essentieel voor creativiteit. De Britse beeldhouwer Henry Moore zei ooit: "De taak van de kunstenaar is het onzichtbare zichtbaar te maken." Hoe kun je het onzichtbare zien als je blik vertroebeld is door angst en prestatiedruk?
Afbeelding
​De steen die spreekt: Waar chaos vorm krijgt in de werkelijkheid
En hier komen wij, met ons beeldhouwatelier in steen in Leiden, om de hoek kijken. In ons atelier zien we dagelijks hoe dit in de praktijk werkt. Mensen komen binnen met een ruwe klomp steen en vaak ook met de overtuiging: "Ik ben niet creatief." Ze zien alleen een zware, ongevormde massa. Maar net zoals de 'chaos schriftjes' je leren vertrouwen op de ongeordende gedachten stroom in je hoofd, zo leren wij je te kijken naar de steen. Om te zien wat er al in zit, in plaats van wat je er krampachtig uit moet halen.

Alex en ik geloven dat de steen al een verhaal in zich draagt. Jouw taak als beeldhouwer is niet om iets nieuws te forceren, maar om dat verhaal te onthullen, het te bevrijden. Dit is een proces van geduld, van luisteren naar de materie, van het weghalen van het overbodige zodat de essentie tevoorschijn komt. En dat is exact de parallel met de "Chaos Schriftjes" methode. Je gedachten zijn die ruwe steen. Je schrijft ze op, ogenschijnlijk zonder orde, zonder doel, zonder oordeel. En dan, op een onverwacht moment, zie je opeens de vorm. Een verbinding. Een inzicht dat je nooit had gehad als je je gedachten had geprobeerd te dwingen in vooraf bepaalde categorieën.
​

Mijn eigen ADHD, die mijn brein vaak met een overvloed aan informatie en ideeën bestookt, is hierin een superkracht. Die 'chaotische' gedachtestroom, die ik in mijn schriftjes vang, stelt me in staat om razendsnel verbanden te leggen tussen disciplines die op het eerste gezicht niets met elkaar te maken hebben. Van permacultuur tuinieren tot technofeestjes, van museumbezoeken aan experimentele 3D-kunst tot de structuur van marmer – alles kan een inspiratiebron zijn. En het feit dat ik het gedocumenteerd heb op een laagdrempelige manier, in mijn eigen woorden, in mijn eigen schetsen, geeft me de rust en het vertrouwen om die verbindingen te maken. Ik hoef niet alles te onthouden; ik heb het gedocumenteerd. En dát is de sleutel.
​De universele sleutel: Waarom dit geen exclusief feestje is (en wat het jou brengt)
Misschien lees je dit en denk je: "Mooi verhaal, Simone, met je ADHD-superkracht. Maar ik heb geen ADHD. Is dit dan wel iets voor mij? Mijn hoofd is al chaotisch genoeg, zonder er nog meer chaos aan toe te voegen!" En dat is een volkomen terechte gedachte. Laat me daar heel duidelijk over zijn: je hebt absoluut geen ADHD nodig om met de "Chaos Schriftjes" methode aan de slag te gaan. Sterker nog, ik durf te beweren dat deze methode voor elke creatieveling, en eigenlijk voor ieder mens in deze overprikkelde tijd, een game changer kan zijn.
​

Mijn ADHD mag dan een versneller zijn in het leggen van die snelle, soms onverwachte verbanden – het is de vrijheid van vastlegging die de methode zo krachtig maakt. Juist als je geen ADHD hebt, en misschien van nature meer gericht bent op orde en structuur, kan dit je brein de broodnodige ruimte en ademruimte geven. Denk eraan als een mentale 'reset'-knop. Waar je normaal gesproken misschien worstelt met die ene gedachte die maar blijft rondspoken omdat je bang bent hem te vergeten, of die ene ingeving die zo vluchtig is dat hij verdwijnt voordat je hem kunt categoriseren, biedt het chaos schriftje een veilige haven. Geen druk, geen prestatie-eisen, alleen pure expressie.
​
Voor elke creatieveling, of je nu beeldhouwer bent, schrijver, programmeur, of kok, is het essentieel om toegang te hebben tot een onuitputtelijke bron van ideeën zonder de druk van perfectie. Het gaat erom een plek te creëren waar je hersenen kunnen 'spelen' zonder angst voor oordeel of verlies. Zo'n schriftje wordt jouw persoonlijke vrijplaats, waar je de onvoltooide gedachten, de wilde sprongen en de onorthodoxe invalshoeken een plek geeft. Het is de ultieme manier om de constante informatiestroom te temmen en om te zetten in bruikbare, inspirerende data voor jouw creatieve proces. Het verrijkt je interne 'databank' en traint je brein om verder te kijken dan de voor de hand liggende oplossingen. Het is de stille kracht achter die "aha!-momenten" die elke creatieveling zo koestert. Dus ja, het is absoluut voor jou, en je zult versteld staan wat het je brengt!
​Jouw nieuwe creatieve leven: De draai van angst naar vertrouwen
Het vormen van je "chaos schriftje" en de bijbehorende methode is een diepgaande vorm van persoonlijke groei. Je geest gaat bevrijdender werken. Het gaat je meer wijzen op alle bijzondere en mooie dingen om je heen, hoe klein ook. Je creativiteit maakt een draai van schaarste naar overvloed, van angst naar vertrouwen. Want jij hoeft niet alles te onthouden, jij hebt het gedocumenteerd op een laagdrempelige manier. In jouw woorden, in jouw schetsen!

Dit is niet zomaar een notatiemethode; het is een psychologische reset. Het is het creëren van een veilige haven voor je gedachten, waar ze kunnen dwalen, struikelen, botsen en zich vermenigvuldigen zonder angst voor verlies of falen. Het is het erkennen dat de rijkdom van je innerlijke wereld niet zit in de perfecte organisatie, maar in de organische, vrije stroom van ideeën.
​

Deze methode is een directe uitnodiging om meer open te staan voor nieuwe dingen en bereid te zijn meer onorthodoxe, uitdagende en onvoltooide ideeën in overweging te nemen, omdat je een ruime voorraad van alternatieven hebt om uit te kiezen. Je zult jezelf meer openstellen voor verschillende perspectieven, van meer mensen en dingen om je heen. Dit is de essentie van een groei-mindset, een concept gepopulariseerd door Carol Dweck in haar boek Mindset. Waar een 'fixed mindset' gelooft dat talenten vaststaan, omarmt een 'growth mindset' het idee dat capaciteiten kunnen worden ontwikkeld door toewijding en hard werken. Door jezelf toe te staan om te experimenteren en te documenteren zonder oordeel, voed je die groei-mindset in je creativiteit.
​De schoonheid van onvolledigheid: Je creativiteit vrijlaten
We zijn zo geconditioneerd om alleen voltooide, perfecte resultaten te waarderen. Maar in de "Chaos Schriftjes" methode omarm je de onvolledigheid. Een halve gedachte, een snelle schets, een krabbel die alleen jij begrijpt – dat is waar de magie zit. Het is in die onvolledige, rauwe ideeën dat het grootste potentieel schuilt. Ze zijn nog kneedbaar, nog open voor nieuwe invloeden, nog niet vastgeroest in een definitieve vorm. Dit is de psychologie achter het 'incubatie'-proces in creativiteit, zoals beschreven in vroege theorieën door denkers als Graham Wallas. Onbewuste verwerking, weg van bewuste probleemoplossing, kan leiden tot plotselinge doorbraken. Het "Chaos Schriftje" biedt de perfecte omgeving voor deze incubatie.
​

Dus, durf te geloven dat je wél creatief genoeg bent. Durf die innerlijke criticus de mond te snoeren. Durf die chaos te omarmen. Want in die chaos, in die vrije stroom van gedachten, ligt een wereld van overvloed te wachten om ontdekt te worden. En die ontdekking, dat is waar het echte plezier in het leven en in de kunst begint. Het is een keuze die je maakt: blijf je vastzitten in de angst voor schaarste, of stap je in de overvloed van je eigen, unieke creatieve kracht? De weg ligt open. En het pad begint vaak met een leeg schriftje en een open blik.
​Klaar om de chaos te omarmen en te creëren?
Voel je hoe die innerlijke criticus al wat stiller wordt? De theorie is krachtig, maar de echte magie begint pas als je het in de praktijk brengt.

Waarom begin je niet vandaag met jouw eigen chaos schriftje? En als je die bevrijding en die nieuwe blik op creativiteit in 3D wilt ervaren, dan staat de deur van ons atelier in Leiden voor je open. Kom het beeldhouwen in steen zelf ervaren, en breng deze methode van overvloed direct in de praktijk onder de begeleiding van Alex en mij. We werken niet met ingewikkelde jaarprogramma's, maar met een flexibel strippenkaart systeem, perfect voor als je je tijd zelf wilt indelen of als je van verder weg komt. We geven les op dinsdag- en woensdagavond, en ook op zaterdagen (10.00 tot 16.00 uur) om iedereen de kans te geven deze diepgaande ervaring op te doen.
​

Start met beeldhouwen en breng deze methode in de praktijk in ons atelier! We kunnen niet wachten om te zien welke prachtige vormen jij uit de steen – en uit jezelf – zult bevrijden.

0 Opmerkingen

Het fluisteren van de chaos

30/6/2025

0 Opmerkingen

 
Waarom je brein geen fabriek is, en hoe je creativiteit bloeit buiten de lijntjes
Kijk eens om je heen. Adem eens diep in. Wat voel je? De wind van verwachting? De continue stroom van taken die om je aandacht schreeuwen? Thuis, op je werk, en ja, zelfs in je zo gekoesterde vrije tijd, waar creativiteit zou moeten bloeien, voelen we een haast onzichtbare, maar o zo dwingende druk. Overal om ons heen wordt méér van ons verwacht. Meer presteren. Meer weten. Meer doen. En in dat spervuur van eisen lijken we zelfs in onze creativiteit te zoeken naar een systematische benadering. Want stel je voor dat je 'ongeorganiseerd' bent in je scheppingsproces! Dat is toch not done in een wereld die zo geobsedeerd is door efficiëntie?
​

Maar hier komt de ongemakkelijke waarheid: er is geen scheidingslijn tussen ons innerlijke zelf en ons leven. Geen haarscherpe lijn tussen de persoon die je bent en de professional die je probeert te zijn. De overtuigingen en opvattingen die ons denken in de ene context vormen – die diepe, vaak onbewuste programmering – duiken onvermijdelijk ook in andere contexten op. Wat je gelooft over jezelf, over je capaciteiten, over de wereld, dat manifesteert zich overal. In de manier waarop je je mail organiseert, hoe je je werkplek inricht, tot in de diepste vezels van je creatieve proces.
​De onzichtbare architect van ons denken
Onder onze dagelijkse worsteling met productiviteit, met creativiteit en met prestaties, ligt onze fundamentele relatie met de informatie in ons leven. Die relatie, die is niet zomaar ontstaan toen je besloot dat je efficiënter wilde worden. Nee, die is gevormd terwijl je opgroeide en met nieuwe ervaringen werd geconfronteerd. Elk boek dat je las, elke lezing die je bijwoonde, elk gesprek dat je voerde, elke tegenslag, elke overwinning. Al deze momenten hebben kleine, onzichtbare groeven achtergelaten in de structuur van je brein, in de diepte van je ziel.
​

Die relatie is complex en uniek. Ze is beïnvloed door je persoonlijkheid, je leerstijl, je relaties en je genen. Je hebt geleerd om op een bepaalde manier op informatie te reageren. Je hebt een standaard ontwikkeld voor de manier waarop je binnenkomende informatie behandelt: met verwachting, met angst, met opwinding, met twijfel aan jezelf, of met een complexe mix van gevoelens die uniek is voor jou. Het is een soort emotionele filter die bepaalt wat je toelaat, wat je opslaat, en hoe je ermee omgaat.

Die standaard houding ten opzichte van informatie kleurt ieder aspect van je leven. Zo richt jij je werkplek in. Zo richt jij je digitale archief in, of het nu je drive is, je iCloud, of die map 'Downloads' die stiekem je ergste nachtmerrie is. En zeker in deze tijd, waarin alles digitaal is en de informatiestroom onophoudelijk, wordt dit een cruciaal punt. De kwaliteit van ons denkwerk is een van de bepalende kenmerken geworden van onze identiteit, onze reputatie en onze kwaliteit van leven. We krijgen continu te horen dat we méér moeten weten, méér moeten verwerken, méér moeten onthouden om onze dromen en doelen waar te maken.
​De paradox van productiviteit en de doodsteek voor creativiteit
Maar hoe zit dat dan met creativiteit? Hier raken we aan de diepe, ongemakkelijke paradox van onze tijd. We leven in een maatschappij die productiviteit op een voetstuk heeft gezet, vaak ten koste van de ruimte die nodig is om echt iets nieuws te creëren. Denk aan de 'cultuur van constante beschikbaarheid' of de drang om elke minuut van de dag te 'optimaliseren'. Cal Newport, een gerenommeerde computerwetenschapper en auteur van boeken als Deep Work, waarschuwt ons al jaren voor de gevaren van 'shallow work' – oppervlakkige taken die onze aandacht versnipperen en ons vermogen tot diepe concentratie ondermijnen. Zijn werk, hoewel vaak gericht op professionele productiviteit, heeft directe implicaties voor onze creatieve vermogens. Want hoe meer je brein tijd besteedt aan pogingen om te presteren en problemen op te lossen, hoe minder tijd je overhoudt om je verbeelding aan het werk te zetten, écht creatief te zijn, en simpelweg van je leven te genieten.
​

Dit is geen pleidooi tegen leren of informatie vergaren. Absoluut niet. De diepte die kennis met zich meebrengt is van onschatbare waarde. Maar er is een wezenlijk verschil tussen informatie opslaan om te 'presteren' en informatie internaliseren om 'verbinden' en 'creëren'.

Laten we eens kijken naar de neurologische kant van het verhaal. Daniel Kahneman, de Nobelprijswinnaar en auteur van Thinking, Fast and Slow, introduceerde de concepten van Systeem 1 en Systeem 2 denken. Systeem 2 is ons bewuste, inspannende, logische denken – de modus waarin we problemen oplossen, complexe berekeningen uitvoeren, en project deadlines halen. Dit is de modus die continu wordt geactiveerd in onze prestatiegerichte maatschappij. Maar creativiteit, die spontane, intuïtieve sprong, komt vaak voort uit een heel andere staat van zijn. Een staat waarin het brein de vrijheid krijgt om te dwalen, verbanden te leggen die op het eerste gezicht onlogisch lijken, en te putten uit een diepere, minder gestructureerde bron van informatie. Dit is waar de zogenaamde 'Default Mode Network' (DMN) in ons brein een rol speelt. Dit netwerk is actief wanneer we niet gefocust zijn op een externe taak, wanneer we dagdromen, herinneringen ophalen, of nadenken over de toekomst. Studies, zoals die van Dr. Marcus Raichle en zijn team, hebben aangetoond dat dit DMN cruciaal is voor zelfreflectie, perspectief nemen en... je raadt het al, creativiteit. De constante druk om te 'presteren' houdt ons gevangen in Systeem 2 denken en onderdrukt de activiteit van het DMN, waardoor de poorten naar diepe creativiteit gesloten blijven.
Afbeelding
​De illusie van controle en de angst voor chaos
Onze maatschappij heeft ons geleerd dat chaos slecht is. Dat ongeorganiseerd zijn, of erger nog, denken in 'chaos', een zwakte is. We zijn geobsedeerd door het creëren van perfecte systemen, van Getting Things Done (GTD) tot de nieuwste notitie-apps, allemaal in de hoop de stroom van informatie te temmen. En begrijp me niet verkeerd: structuur kan helpen. Maar wanneer de drang naar structuur verstikt, wanneer het een doel op zich wordt in plaats van een middel, dan wordt het gevaarlijk.

Wat gebeurt er als je die druk loslaat? Als je erkent dat je brein geen fabriek is die efficiënt input verwerkt en output produceert, maar eerder een woeste, vruchtbare jungle waarin ideeën groeien en elkaar kruisen op de meest onverwachte manieren? Dit is waar de "Chaos Schriftjes" methode om de hoek komt kijken.
De “Chaos Schriftjes” methode: Omarm je innerlijke databank
Mijn 'chaos schriftjes' zijn de anti-these van de perfect georganiseerde digitale map. Geen specifieke indeling, geen hiërarchie, geen labels die alles in nette categorieën dwingen. Het is een verzameling van gedachten, schetsen, quotes, observaties, losse ideeën, dromen, irritaties, fragmenten van gesprekken – alles wat door mijn hoofd schiet, wordt ergens opgeschreven, op elke willekeurige pagina, met elke willekeurige pen. Soms is het één doorlopende stroom, soms staat er een enkel woord per pagina. Het is een puinhoop, op het eerste gezicht. Maar het is een georganiseerde puinhoop. Een organische databank.

Dit is geen nieuwe truc. Denk aan de aantekeningen van Leonardo da Vinci, vaak chaotisch, vol met uitvindingen, anatomische studies en kunstzinnige schetsen, kriskras door elkaar. Of de notitieboeken van Charles Darwin, een schat aan observaties en ideeën die uiteindelijk leidden tot revolutionaire inzichten. Deze genieën waren geen slaven van systemen; ze lieten hun brein vrij.
​

De "Chaos Schriftjes" methode is de erkenning dat je hoofd een creatieve databank is. Het is een plek waar verbanden worden gelegd die op het eerste gezicht nergens op slaan, maar die later de kiem kunnen zijn van je meest briljante ideeën. En door die gedachten, die flarden van inzicht, ongecensureerd en zonder oordeel vast te leggen, creëer je een spiegel van je innerlijke landschap. Je externaliseert de 'chaos' op papier, waardoor je hoofd de broodnodige ruimte krijgt om te ademen en nieuwe dingen te creëren.
​De verbindende kracht van ongeorganiseerde informatie
Hier komt de diepte om de hoek kijken: het gaat niet om het ontbreken van structuur, maar om het laten ontstaan van organische structuur. Wanneer je niet probeert alles krampachtig te categoriseren, wanneer je die losse flarden van informatie naast elkaar laat bestaan, dan gebeurt er iets magisch. Je brein, dat van nature een patroon herkenner is, begint verbanden te zien. Verbanden die je nooit had ontdekt als je elk idee netjes in een vooraf gedefinieerde map had gestopt.

Denk aan de concepten uit het boek Where Good Ideas Come From: The Natural History of Innovation van Steven Johnson. Hij stelt dat grote ideeën niet zomaar uit het niets ontstaan, maar voortkomen uit de 'adjacent possible' – het combineren van bestaande ideeën op nieuwe manieren. En die combinaties ontstaan vaak in omgevingen waar ideeën vrijelijk kunnen 'botsen' en 'mengen', zonder rigide structuren. De "Chaos Schriftjes" zijn zo'n omgeving voor je eigen gedachten. Het is een persoonlijke 'adjacent possible'.
​

Het omarmen van je "chaos schriftje" en de bijbehorende methode is een daad van verzet tegen de verstikkende productiviteit doctrine. Het is een erkenning dat je niet elk moment van je leven kunt en hoeft te optimaliseren. Het is een uitnodiging aan je brein om te spelen, te dwalen, en te associëren zonder druk. En juist in dat speelse dwalen, in die schijnbare 'inefficiëntie', zit de sleutel tot diepe creativiteit en authentieke voldoening.
Afbeelding
​De rust en de open blik: Terug naar de essentie
De rust die je krijgt in je creativiteit door de "Chaos Schriftjes" methode is een direct gevolg van het loslaten van de druk. Je brein hoeft niet meer continu in die 'prestatie-modus' te staan. Het hoeft niet te bewijzen dat het 'georganiseerd' is. Het mag gewoon ZIJN. En wanneer je brein die ruimte krijgt, die ademruimte, dan gebeurt er iets wonderlijks: de verbeelding krijgt vrij spel.

De neurobioloog Erik Kandel, Nobelprijswinnaar en expert op het gebied van geheugen, heeft uitgebreid geschreven over de complexe processen van leren en geheugen. Hoewel zijn werk diepgaand wetenschappelijk is, kun je eruit afleiden dat het brein geen simpele harde schijf is. Het is een dynamisch systeem dat voortdurend nieuwe verbindingen legt en oude versterkt. Door jezelf de vrijheid te geven om op een 'ongeorganiseerde' manier te associëren, moedig je die plasticiteit van het brein aan. Je creëert een rijkere, meer verbonden interne wereld.
​

En die rijkere interne wereld leidt tot groei en een open blik. Want wanneer je leert vertrouwen op je intuïtie, wanneer je de waarde van 'irrelevante' informatie leert zien, dan ga je de wereld anders bekijken. Je wordt scherper in het observeren van details, het leggen van onverwachte verbanden tussen ogenschijnlijk ongerelateerde concepten. Dit is de kern van divergent denken, een sleutelaspect van creativiteit dat vaak wordt onderdrukt door de focus op convergent (probleemoplossend) denken. De psycholoog J.P. Guilford, die al in de jaren '50 onderzoek deed naar creativiteit, benadrukte al het belang van divergent denken: het vermogen om veel verschillende, unieke ideeën te genereren vanuit één startpunt. De chaos schriftjes zijn de ultieme speeltuin voor divergent denken.
​De steen als metafoor: Vorm geven aan je innerlijke landschap
En hier komen wij, met ons beeldhouwatelier Simone van Olst in Leiden, om de hoek kijken. Wij zien elke dag hoe mensen, vaak geplaagd door dezelfde drang naar perfectie en controle, een ruwe klomp steen benaderen. Ze willen direct het perfecte resultaat. Maar steen laat zich niet dwingen. Steen eist respect, geduld, en een diepgaand luisteren. En net zoals de 'chaos schriftjes' je leren luisteren naar de wirwar in je hoofd, zo leert het werken met steen je luisteren naar de verborgen vorm die al in de materie aanwezig is.

Wij zeggen altijd: "Je voegt geen vorm toe aan de steen; je ontdekt de vorm die er al in schuilt." Dat is exact dezelfde filosofie als die van de "Chaos Schriftjes". Je voegt geen structuur toe aan je gedachten; je onthult de inherente verbanden die er al zijn, wachtend om gezien te worden. Je beitelt weg wat niet essentieel is, zodat de ware essentie tevoorschijn komt. Of het nu een marmeren beeld is of een plotseling inzicht na het doorbladeren van je kris-kras schriftje.

Mijn ADHD, vaak gezien als een "chaos-factor", is voor mij juist een superkracht in dit proces. Het is de motor die me helpt om razendsnel verbanden te leggen, om diep in mijn 'creatieve databank' te duiken en informatie te verbinden op manieren die anderen misschien over het hoofd zien. De "chaos schriftjes" methode is de ultieme uitingsvorm van deze kracht. Ze vormen de brug tussen de schijnbare wanorde van gedachten en de diepe, zinvolle inzichten die daaruit kunnen voortvloeien. Ze zijn mijn externe harde schijf voor mijn interne, snel bewegende gedachtestroom. Ze vangen de vluchtige vonken die anders verloren zouden gaan in de ether van een te gestructureerd digitaal bestaan.
​

De drang om alles digitaal en perfect geordend te hebben, leidt vaak tot een verstikkende sterielheid. Het ontneemt ons de mogelijkheid om de 'geuren en kleuren' van onze eigen gedachten echt te ervaren. De textuur van het papier, de inkt die uitloopt, de haastige krabbel, de onleesbare notitie – het zijn allemaal sporen van een denkproces dat geleefd heeft. Dat authentiek is. Dat menselijk is.
​Durf te voelen, Durf te creëren
De kwaliteit van ons denkwerk is inderdaad bepalend voor onze identiteit. Maar die kwaliteit komt niet voort uit een perfect georganiseerd informatiesysteem. Die komt voort uit de vrijheid om te denken, te voelen, en te experimenteren zonder de constante angst voor 'inefficiëntie' of 'onvolledigheid'.
​

De "Chaos Schriftjes" methode is een uitnodiging om die fundamentele relatie met informatie te herijken. Om die standaardhouding van angst, verwachting of twijfel los te laten, en te vervangen door een houding van nieuwsgierigheid, speelsheid en vertrouwen in je eigen vermogen om verbanden te leggen.
​

Dus, de volgende keer dat je overweldigd wordt door de informatiestroom, of gefrustreerd raakt door de drang om 'productiever' te zijn, pak dan eens een leeg schriftje. Een willekeurig schriftje. En begin. Zonder plan, zonder structuur, zonder oordeel. Laat je gedachten vloeien, precies zoals ze zijn, in al hun rommelige, briljante glorie. Durf die verbanden zichtbaar te laten worden. Durf de rust te vinden in de schijnbare chaos van je eigen creativiteit. En voel de groei en de open blik die daaruit voortkomen. Want in die ongetemde ruimte, daar ligt jouw diepste, meest authentieke scheppingskracht. En daar, in die verworven vrijheid, ligt ook het plezier van het leven. Het plezier van echt aanwezig zijn, met alle 'chaos' van dien.
Klaar om de chaos te omarmen en te creëren?
Voel je hoe die innerlijke criticus al wat stiller wordt? De theorie is krachtig, maar de échte magie begint pas als je het in de praktijk brengt. Deze nieuwe blik op creativiteit, die lens van overvloed, is een deur die wacht om opengegooid te worden.

Waarom begin je niet vandaag met jouw eigen chaos schriftje? Pak die pen, laat de gedachten stromen, en ervaar de bevrijding die het met zich meebrengt. En als je die bevrijding en die nieuwe blik op creativiteit in 3D wilt ervaren, dan staat de deur van ons atelier in Leiden wagenwijd voor je open.

Bij ons kun je beeldhouwen in steen zelf ervaren, en deze methode van overvloed direct in de praktijk brengen onder de bezielende begeleiding van Alex en mij. Vergeet ingewikkelde jaarprogramma's en vaste verplichtingen; wij werken met een flexibel strippenkaart systeem. Dit is perfect voor iedereen die zijn tijd zelf wil indelen, of je nu een druk schema hebt of van iets verder weg komt. We begrijpen dat jouw tijd kostbaar is, en we willen dat je kunt creëren wanneer het jou uitkomt.

We geven les op dinsdag- en woensdagavond, en speciaal voor de weekend-creatievelingen ook op zaterdagen van 10.00 tot 16.00 uur. Dit geeft iedereen de kans om deze diepgaande ervaring op te doen en echt de verbinding aan te gaan met zichzelf en de steen.
0 Opmerkingen

'Mix and Stir': Een wereld in beweging – Hoe hedendaagse kunst mij, als beeldhouwer, anders leert kijken

25/6/2025

0 Opmerkingen

 
Lieve kunstvrienden, collega-makers, en iedereen die gelooft in de grenzeloze kracht van creatie,
Vandaag neem ik jullie mee op een intellectuele reis die mijn blik op kunst, en daarmee ook op mijn eigen werk als beeldhouwer, diepgaand heeft beïnvloed. Ik duik in het boek 'Mix and Stir: New Outlooks on Contemporary Art from Global Perspectives' van Helen Westgeest en Kitty Zijlmans. Hoewel het boek in het Engels geschreven is en de academische diepgang soms vraagt om even extra rust te nemen, is de essentie ervan zo fundamenteel en verrijkend, dat ik, met mijn handen in de steen, absoluut over moet spreken.
Ernst van Alphens 'Seven Logics of Sculpture' heeft me geleerd om de onderliggende structuren van beeldhouwkunst te doorgronden. 'Mix and Stir' doet iets soortgelijks, maar dan op een veel breder, mondiaal canvas, en daagt daarmee de traditionele westerse kunstgeschiedenis uit. Het opent deuren naar nieuwe manieren van denken over kunst, haar context, haar makers en haar kijkers. En dat is iets wat ons, als ambachtslieden in een traditioneel vak, enorm kan inspireren.
Afbeelding
De wereld als atelier: Voorbij de westerse canon
Wat dit boek zo indrukwekkend en noodzakelijk maakt, is de radicale verschuiving in perspectief die het bepleit. Al te vaak is kunstgeschiedenis geschreven vanuit een overwegend westers, eurocentrisch standpunt. 'Mix and Stir' doorbreekt deze blik en nodigt ons uit om hedendaagse kunst te bekijken vanuit globale perspectieven. Het gaat niet alleen over het toevoegen van 'niet-westerse' kunstenaars aan een bestaande lijst; het gaat over het fundamenteel heroverwegen van de categorieën, de theorieën en de criteria waarmee we kunst beoordelen en begrijpen.

​
Het is alsof je altijd door één raam naar buiten hebt gekeken, en dit boek je uitnodigt om het hele huis rond te lopen, en te ontdekken dat er talloze ramen zijn, elk met een ander uitzicht. En elk uitzicht verrijkt je begrip van het geheel.
Westgeest en Zijlmans, beiden verbonden aan de Universiteit Leiden – en dat maakt de connectie voor mij als beeldhouwer in Leiden nog sterker! – pleiten voor een benadering die interdisciplinair en intercultureel is. Ze moedigen ons aan om de kunst te zien als een dynamisch, voortdurend 'mixend' en 'roerend' fenomeen, waarin invloeden, ideeën en praktijken voortdurend met elkaar in dialoog zijn, over culturele en geografische grenzen heen.
De metafoor van 'Mix and Stir': Een beeldhouwer denkt mee
De titel zelf, 'Mix and Stir', is al zo sprekend. Het is een metafoor die perfect past bij het creatieve proces. Als beeldhouwer 'mix' en 'stir' ik ook:
  • Materialen. Ik meng verschillende steensoorten, of combineer steen met hout, metaal, of andere elementen. Elke combinatie roert iets nieuws op.
  • Technieken. Ik experimenteer met traditionele beitels en raspen, maar ook met nieuwe schuur methodes of afwerkingen. Het 'roeren' van technieken leidt tot onverwachte texturen.
  • Ideeën. Mijn inspiratie komt van overal: de natuur, menselijke emoties, architectuur, filosofie. Al die invloeden 'roer' ik door elkaar in mijn hoofd, totdat er een nieuwe vorm ontstaat.
  • Context. Ik denk na over de ruimte waarvoor een beeld is bedoeld, de persoon die het zal bekijken, de verhalen die het kan vertellen. De context 'roert' mee in de uiteindelijke vorm.
Dit boek moedigt kunstenaars aan om deze mix en stir bewust te omarmen, om niet bang te zijn voor invloeden van buitenaf, maar deze juist te zien als bron van vernieuwing en diepgang.
Kernconcepten die mijn beeldhouwblik veranderden
​
'Mix and Stir' introduceert verschillende methodologieën en concepten om hedendaagse kunst globaal te benaderen. Enkele daarvan hebben direct mijn blik op mijn eigen werk als steenbeeldhouwer beïnvloed:
  • De noodzaak van decentratie: Dit is misschien wel de belangrijkste les. Het boek daagt je uit om te 'decentreren', oftewel: niet uit te gaan van één vast referentiepunt (traditioneel: westerse kunstgeschiedenis), maar te erkennen dat er meerdere centra van artistieke productie, theorie en receptie bestaan.
​- Reflectie op mijn werk: Dit heeft me doen nadenken over de 'universaliteit' van de vormen die ik maak. Spreek ik een universele taal, of is mijn esthetiek toch sterk Westers beïnvloed? Hoe kunnen vormen uit andere culturen (bijv. Afrikaanse sculpturen, Aziatische kalligrafie) mijn werk inspireren zonder dat ik aan culturele toe-eigening doe? Het gaat om openstaan voor invloeden, niet om kopiëren. Het moedigt me aan om breder te kijken dan de klassieke Griekse of moderne Europese beeldhouwkunst.
  • Interdisciplinariteit en hybriditeit: Kunst is zelden puur. Het leent van andere disciplines (wetenschap, filosofie, sociologie) en combineert media en ideeën. Deze 'hybriditeit' is een kenmerk van hedendaagse kunst.
​- Reflectie op mijn werk: Hoewel ik met een traditioneel medium werk (steen), kan ik me afvragen: hoe kan ik mijn werk 'hybrider' maken? Kan ik nieuwe technologieën (zoals 3D-modellering voor mijn schetsen) integreren? Kan ik interdisciplinaire vraagstukken (bijv. klimaatverandering, menselijke emoties) in mijn stenen vormen gieten op een manier die verder gaat dan louter representatie? Kan mijn sculptuur deel uitmaken van een grotere installatie of een dialoog aangaan met andere kunstvormen?

  • De rol van context en lokale kennis: Kunst is niet betekenisloos; het is altijd ingebed in een specifieke sociale, politieke en culturele context. 'Mix and Stir' benadrukt dat je kunst niet kunt begrijpen zonder de lokale kennis en de context van de maker te kennen.
​- Reflectie op mijn werk: Dit verdiept mijn waardering voor materialen. Een steen uit Brazilië heeft een ander verhaal dan een stuk marmer uit Italië. Het versterkt ook het belang van mijn eigen atelier in Leiden: de geschiedenis van de stad, de Nederlandse cultuur, mijn persoonlijke achtergrond; dit alles beïnvloedt de kunst die ik hier maak. Het moedigt me aan om meer over de herkomst van mijn stenen te vertellen, en over de verhalen die schuilen achter de technieken die ik gebruik. De ambachtelijke context van Beeldhouwatelier Simone van Olst is dan geen beperking, maar een unieke kracht.

  • Het actieve aandeel van de kijker: Het boek stelt dat de betekenis van kunst niet alleen door de kunstenaar wordt gemaakt, maar ook door de kijker. Kunstwerken zijn 'open', en de interpretatie van de kijker, gebaseerd op zijn/haar eigen culturele achtergrond en ervaring, is essentieel.
​- Reflectie op mijn werk: Dit is een belangrijke les voor elke docent en maker. Het gaat er niet alleen om wat ik wil overbrengen met mijn beeld, maar ook om hoe het ontvangen wordt. Hoe kan ik beelden maken die open genoeg zijn voor diverse interpretaties, die mensen uitnodigen om hun eigen verhaal erin te zien? Dit versterkt ook mijn missie om een veilige en inspirerende omgeving te bieden in het atelier, waar cursisten hun eigen unieke stem in steen kunnen vinden, die weer anders zal resoneren bij hun kijkers.

  • Voorbij dichotomieën (Bijv. ambacht vs. kunst): Het boek daagt vaak binaire opposities uit die de westerse kunstwereld heeft gedomineerd (bijv. high art vs. low art, autonomie vs. engagement). De 'mix and stir' benadering pleit voor het overbruggen van deze kloven.
​​- Reflectie op mijn werk: Dit is bijzonder relevant voor ons als beeldhouwers in steen. Traditioneel wordt beeldhouwen soms gezien als 'ambacht' in plaats van 'kunst'. Dit boek sterkt me in de overtuiging dat deze scheidslijnen arbitrair zijn. De diepgang van het maken, de verbinding met het materiaal, de expressie; al deze elementen maken het tot kunst, ongeacht de tools die je gebruikt of de traditie waaruit je put. Het is een pleidooi voor het vieren van de rijkdom van het ambacht als integraal onderdeel van de kunst.
De praktische impact op mijn atelier en lessen
​
Het lezen van 'Mix and Stir' heeft niet alleen mijn theoretische begrip verdiept; het heeft ook praktische implicaties voor hoe ik naar mijn atelier kijk en lesgeef:
  • Verbreding van de inspiratiebronnen: Ik moedig mijn cursisten nu nog meer aan om verder te kijken dan de klassieke voorbeelden. Wat inspireert hen buiten de westerse kunst? Hoe kunnen ze die invloeden vertalen naar hun werk in steen?
  • Nadruk op context: Ik bespreek vaker de herkomst van de steen, de culturele context van bepaalde technieken. Waarom wordt albast bijvoorbeeld zo anders gebruikt in Italiaanse kerken dan in een modern atelier?
  • Openheid voor interpretatie: Ik benadruk vaker dat het eindresultaat niet alleen mijn 'visie' is, maar ook een beginpunt voor de kijker om een eigen dialoog aan te gaan met het werk. Dit maakt het bespreken van elkaars werk in de les nog rijker.
  • Vieren van de diversiteit in vorm: In een atelier waar iedereen met dezelfde materialen werkt, is het prachtig om te zien hoe elke cursist toch iets totaal unieks en persoonlijks creëert. 'Mix and Stir' helpt me deze inherente diversiteit nog meer te waarderen en te stimuleren.
Een noodzakelijk boek in een veranderende wereld
In een wereld die steeds meer met elkaar verbonden is, kunnen we kunst niet langer isoleren in enge, vooraf bepaalde categorieën. 'Mix and Stir' is een noodzakelijk boek voor iedereen die betrokken is bij kunst – of je nu maakt, kijkt, of doceert. Het is een oproep om nieuwsgierig te zijn, om verder te kijken dan je eigen culturele bubbel, en om de ongekende rijkdom van hedendaagse kunst in al zijn vormen en uitdrukkingen te omarmen.
​

Voor mij, als beeldhouwer in steen, heeft dit boek de complexiteit en de schoonheid van mijn vak in een groter, mondiaal perspectief geplaatst. Het heeft me sterker gemaakt in de overtuiging dat, hoe traditioneel mijn materiaal ook is, de kunst die ik ermee maak, en de manier waarop ik erover denk, volkomen hedendaags en relevant kan zijn. Het heeft me geïnspireerd om de grenzen van mijn eigen creativiteit te blijven 'mixen en stirren'.
Dus, als je klaar bent voor een uitdaging en je blik op kunst, en misschien wel op je eigen creatieve proces, wilt verbreden, dan is 'Mix and Stir: New Outlooks on Contemporary Art from Global Perspectives' een absolute aanrader. Het is een investering in je geest, net zoals een goede beitel een investering is in je handen. En de opbrengst is een wereld vol nieuwe perspectieven.
​

Met creatieve groet en een open blik op de wereld,
Simone van Olst
0 Opmerkingen

De sculptuur als ziel van de tuin: Harmonie, impact en persoonlijke expressie

25/6/2025

2 Opmerkingen

 
​Lieve kunstliefhebbers, tuin visionairs en makers van dromen in drie dimensies,
​Welkom terug op de blog van ons beeldhouwatelier! Ik ben Simone van Olst en vandaag wil ik met jou een bijzonder en persoonlijk domein binnen de beeldhouwkunst verkennen: het creëren van grotere sculpturen die de ziel van een tuin kunnen vormen. Dit is een wereld waar kunst een intieme dialoog aangaat met de natuur, met de architectuur van een huis, en bovenal, met de persoonlijke dromen en verlangens van degenen die de tuin koesteren. Het is een kunstvorm die niet alleen esthetische verrijking biedt, maar ook een diepere laag van betekenis en resonantie kan toevoegen aan die gekoesterde buitenruimte.
Afbeelding
Als ik over tuinen spreek, dan spreek ik vanuit het hart. Ik moet eerlijk bekennen dat ikzelf gek ben op tuinieren en planten! Het is mijn tweede passie, naast het beeldhouwen. Alex en ik hebben dan ook een heerlijke volkstuin plek van 300 m² waar wij, wanneer de zon schijnt en als de weekenden het toelaten, elke zondag te vinden zijn. Daar vind ik mijn rust, mijn inspiratie en een diepe verbinding met de aarde, net zoals ik die vind in de steen. Die volkstuin is onze 'oase' in het klein, en net als ons atelier, een plek waar we met onze handen werken en zien hoe iets moois groeit en verandert. Het is precies die liefde voor het levende groen, die dynamiek van groei en bloei, die mijn visie op sculptuur in de tuin zo diepgaand beïnvloedt.
Afbeelding
In ons atelier in Leiden, waar mijn man en collega Alex Sluimer en ik onze passie en expertise bundelen, beschouwen we de tuin als een canvas van oneindige mogelijkheden. Een plek waar een sculptuur een focuspunt kan zijn, een bron van contemplatie, een speels element, of een stille getuige van het verstrijken van de seizoenen. Maar hoe komt zo'n werk tot stand? Hoe zorg je ervoor dat een grotere sculptuur niet domineert, maar harmonieus samenvloeit met de beplanting, het licht, de paden en de sfeer van de tuin? Hoe wordt een beeld meer dan een object, en werkelijk de belichaming van de geest van de tuin?
De reis van een concept naar een betekenisvolle, grotere sculptuur in een tuin is er een van zorgvuldige overweging, technische scherpzinnigheid en artistieke gevoeligheid. Het vraagt om een delicate balans tussen de visie van de kunstenaar, de wensen van de eigenaar, en de unieke eigenschappen van de tuin zelf. En het is precies op dit snijvlak waar de gecombineerde expertise van Alex en mijzelf – zijn analytische, geometrische meesterschap en mijn intuïtieve, organische benadering – een vruchtbare voedingsbodem biedt. Dit blog is een uitnodiging om dieper in dit thema te duiken, te ontdekken hoe wij in ons beeldhouwatelier deze prachtige kunstvorm benaderen, en hoe we jou, of je nu een tuinbezitter bent met een droom of een kunstenaar die deze dromen wil realiseren, kunnen begeleiden.
De tuin: Een levend theater voor sculptuur
Voor mij is een tuin, en zeker onze eigen volkstuin, een plek van voortdurende verwondering. Het is een dynamisch ecosysteem, een microkosmos van verandering en groei. Een tuin is zoveel meer dan een verzameling planten. Het is een gecreëerde omgeving, een levend kunstwerk dat voortdurend verandert met het licht, het weer en de seizoenen. Binnen deze dynamische context kan een sculptuur een ankerpunt vormen, een element van persistentie te midden van de vergankelijkheid. In tegenstelling tot de vaak neutrale 'white cube' van een galerie, biedt de tuin een rijke, zintuiglijke achtergrond: de kleuren van bloemen, het spel van zonlicht door bladeren, het geluid van wind of water, de geuren van aarde en bloesems.
En precies die connectie met de natuur is ook de basis van hoe wij in onze eigen volkstuin te werk gaan. Alex en ik tuinieren volgens de principes van permacultuur. Voor ons betekent dit dat we niet vechten tegen de natuur, maar mét haar samenwerken. We observeren hoe planten, dieren en elementen elkaar beïnvloeden, en creëren een duurzaam, zelfvoorzienend systeem. Net zoals we in het atelier luisteren naar de steen en zijn eigenschappen benutten, zo luisteren we in de tuin naar de bodem, het water en het licht om een overvloed te creëren met minimale ingrepen. Een sculptuur in zo'n tuin is dan geen vreemd element, maar een natuurlijke, tijdloze toevoeging die de principes van harmonie en veerkracht belichaamt.
Het plaatsen van een groter beeld in een tuin is een kunst op zich. Het gaat niet om het simpelweg 'vullen' van een lege ruimte. Het gaat om het creëren van een relatie. Een goed geplaatst beeld kan een zichtlijn accentueren, een verborgen hoekje tot leven wekken, een overgang markeren of een gevoel van diepte en perspectief versterken. Denk aan de zorgvuldig geplaatste beelden in de tuinen van landgoederen, of de serene harmonie van sculpturen in Japanse zentuinen. Kunstenaars als Barbara Hepworth en Henry Moore, met hun organische, abstracte vormen, creëerden werken die een diepe verbondenheid met het landschap lijken te bezitten, alsof ze eruit zijn voortgekomen. Hun sculpturen nodigen uit tot aanraking en contemplatie, en veranderen van karakter met het wisselende licht en de seizoenen. Ook hedendaagse kunstenaars blijven de tuin als podium voor hun werk verkennen, soms met robuuste, geometrische vormen die een spannend contrast bieden met de organische weelderigheid, of juist met delicate, natuur-geïnspireerde stukken die erin opgaan.
De uitdaging en de schoonheid liggen in het vinden van de perfecte balans. Een sculptuur moet aanwezig zijn, impact hebben, maar ook ruimte laten voor de natuurlijke elementen. Het moet passen bij de schaal van de tuin – of het nu een intieme stadstuin is zoals de mijne of een uitgestrekt landschapspark – en bij de stijl van het huis en de beplanting. En bovenal moet het resoneren met de mensen die de tuin beleven. Precies zoals een perfect geplaatste hosta of een zorgvuldig gesnoeide buxusbol de ziel van een perk kan vangen, zo kan een sculptuur de ziel van de hele tuin belichamen.
Alex Sluimer: De architect van vorm en harmonie in de tuin
​
Wanneer de wens ontstaat voor een grotere sculptuur in een tuin, komt Alex Sluimers analytische en structurele expertise prachtig tot zijn recht. Zijn benadering is die van een meester-ontwerper die niet alleen de esthetische harmonie overziet, maar ook de praktische en technische realisatie tot in de puntjes verzorgt.
Alex begint met een grondige studie van de tuin zelf. Wat is de ligging ten opzichte van de zon? Hoe valt het licht op verschillende momenten van de dag en in verschillende seizoenen? Welke zichtlijnen zijn belangrijk vanuit het huis, vanaf het terras, of vanaf andere cruciale punten in de tuin? Hij houdt rekening met de bestaande beplanting, de groei van bomen en struiken over tijd, en de architectuur van het huis om ervoor te zorgen dat de sculptuur in verhouding is en een dialoog aangaat met zijn omgeving. Zijn kennis van geometrie stelt hem in staat om vormen te ontwerpen die een gevoel van orde en rust brengen, of juist een dynamisch contrapunt vormen voor de organische lijnen van de natuur. Hij kan berekenen hoe een bepaalde vorm het beste tot zijn recht komt vanuit verschillende perspectieven, en hoe het de ruimtelijke beleving van de tuin kan optimaliseren.
Materiaalkeuze en duurzaamheid zijn, net als in de openbare ruimte, ook in de tuin van groot belang, zij het met andere nuances. Een tuinbeeld wordt blootgesteld aan vocht, temperatuurschommelingen en organische processen. Alex adviseert over materialen die niet alleen mooi zijn, maar ook passend bij de gewenste sfeer en bestand tegen de elementen: duurzame steensoorten zoals marmer, graniet of hardsteen, of zelfs moderne composieten. Hij overziet de technische aspecten van de fundering – cruciaal voor een groter beeld – en de plaatsing, zodat het beeld veilig en stabiel staat en de tand des tijds kan doorstaan.
Stel je voor: jij hebt een moderne, strak aangelegde tuin en zoekt een sculptuur die dit karakter onderstreept maar tegelijkertijd een focuspunt van rust creëert. Alex zou kunnen werken met heldere, geometrische vormen, wellicht in marmer of gepolijst graniet. Hij zou de precieze afmetingen en plaatsing zo bepalen dat de sculptuur een prachtig spel van reflecties aangaat met een waterpartij, of dat de schaduwlijnen op een bepaald moment van de dag perfect uitlijnen met de terrastegels. Zijn ontwerp zou getuigen van een diep begrip van proportie, balans en de interactie tussen object en ruimte, resulterend in een beeld dat de architectonische kwaliteiten van de tuin versterkt en een gevoel van verfijnde elegantie toevoegt. Voor Alex is de tuin net zozeer een kwestie van architectuur en precisie als een gebouw; een sculptuur is daar een essentieel, structurerend element van.
Simone van Olst: De vertaler van droom en atmosfeer
Waar Alex de structurele en ruimtelijke harmonie waarborgt, benader ik, Simone, het ontwerpen van een tuin sculptuur vanuit een diep verlangen om de persoonlijke droom van jou als opdrachtgever en de unieke atmosfeer van de tuin te vangen. Voor mij is een tuinbeeld een verlengstuk van de ziel van de tuin en van de mensen die erin leven. En hier komt mijn eigen liefde voor tuinieren en het urenlang staren naar de planten in onze volkstuin om de hoek kijken. Ik voel de adem van de aarde, de energie van de groei, en die wil ik vangen in een beeld.
Mijn proces begint met luisteren - luisteren naar jouw wensen, jouw verhalen, jouw gevoel bij de tuin. Wat zoek jij in een sculptuur? Een blikvanger, een object van contemplatie, een speels accent, een symbool van iets dierbaars? Ik probeer de essentie van jouw verlangen te vatten. Vervolgens ‘luister’ ik naar de tuin zelf. Welke sfeer ademt het? Is het een plek van uitbundige bloei, serene rust, mystieke schaduwen, of openbare vrolijkheid? Ik laat me inspireren door de aanwezige vormen, kleuren en texturen in de beplanting, de manier waarop het licht speelt, de geluiden en geuren. Net zoals ik in onze volkstuin observeer hoe de rozen zich ontvouwen of hoe het licht door het blad van de esdoorn valt, zo zoek ik naar de essentie van jouw tuin.
Mijn vormentaal neigt vaak naar het organische, het vloeiende, het tactiele. Ik geloof dat vormen die geïnspireerd zijn op de natuur - een ontluikende knop, de spiraal van een schelp, de beweging van water, de contouren van een verweerde tak, allemaal in abstractie gevangen - een natuurlijke resonantie vinden in een tuinomgeving. Ik besteed veel aandacht aan de ‘huid’ van het beeld: de textuur, de manier waarop het materiaal aanvoelt en hoe het zal verouderen en interageren met de natuurlijke processen van de tuin. Een beeld dat uitnodigt tot aanraken, dat van dichtbij nieuwe details onthult, dat verandert met de seizoenen - dat is voor mij een geslaagd tuinbeeld. Het moet een dialoog aangaan met het levende, veranderende landschap, en daar misschien wel een reflectie van zijn.
Stel jij je een weelderige, romantische tuin voor, vol verborgen hoekjes en overdadige bloemenborders. Jij wenst een sculptuur die deze sfeer van dromerige schoonheid versterkt. Ik zou kunnen denken aan een stenen beeld met zachte, ronde vormen, misschien een gestileerde menselijke figuur die opgaat in de natuurlijke lijnen, of een abstracte vorm die associaties oproept met groei en vruchtbaarheid. De plaatsing zou subtiel zijn, misschien half verscholen tussen het groen, als een verrassing die jij ontdekt tijdens een wandeling. De afwerking zou zo gekozen zijn dat het prachtig contrasteert of juist harmonieert met de kleuren van de omringende bloemen en het veranderende loof. Het beeld zou een gevoel van tijdloosheid en poëzie moeten uitstralen, een stille bewoner die de tuin zijn unieke karakter verleent en jou elke keer weer een moment van verwondering bezorgt.
De synergie in Beeldhouwatelier Simone van Olst: Waar visie vorm krijgt
De kracht van ons atelier ligt in de symbiose van deze twee benaderingen. Alex' structurele helderheid en mijn organische gevoeligheid vullen elkaar perfect aan, vooral bij het creëren van grotere, site-specifieke tuinbeelden. Een tuinbeeld moet niet alleen esthetisch en emotioneel aanspreken, het moet ook technisch goed in elkaar zitten, duurzaam zijn en perfect geproportioneerd zijn voor zijn specifieke plek.
Jij komt misschien bij ons met een vaag idee of een gevoel, misschien geïnspireerd door een moment van rust in je eigen tuin, of een bijzondere plant die je bewondert. Ik help dat gevoel te vertalen naar een concrete vorm, een concept, een schets die de ziel van jouw droom vastlegt. Alex zorgt er vervolgens voor dat dit concept technisch haalbaar is, dat het de juiste schaal heeft, dat het materiaal geschikt is en dat de constructie solide is. Zijn analytische blik kan mijn intuïtieve ontwerpen versterken door ze bijvoorbeeld een onverwachte geometrische basis te geven die de organische vormen nog beter doet uitkomen. Omgekeerd kan mijn gevoel voor sfeer en textuur zijn strakkere ontwerpen verzachten en een diepere emotionele laag geven, zodat zelfs de meest strakke vorm een ziel krijgt.
Deze dynamische wisselwerking is wat wij onze studenten en opdrachtgevers bieden. Of jij nu een kunstenaar bent die leert hoe jij een opdracht voor een tuinbeeld moet aanpakken, of een tuinliefhebber die een uniek kunstwerk voor jouw eigen buitenparadijs zoekt, wij begeleiden jou door het hele proces. Wij geloven dat een sculptuur in de tuin een verlengstuk van jouw persoonlijkheid kan zijn, een stille getuige van jouw liefde voor schoonheid en natuur. Het is de perfecte fusie van twee werelden: de aarde, met al haar organische complexiteit en Alex's beheerste, technische benadering.
Afbeelding
​De tuin wacht op haar ziel, en wij zijn er om jou te helpen die te creëren.
2 Opmerkingen

De kern van 'Masters in Steen' – Persoonlijke groei & netwerk

25/6/2025

0 Opmerkingen

 
Beste creatieve geesten,
​

Vorige keer hebben we de sluier gelicht van 'Masters in Steen', ons unieke jaarprogramma voor gepassioneerde steenbeeldhouwers. Nu duiken we dieper in wat dit traject zo buitengewoon maakt, en waarom het dé springplank is voor jouw artistieke ontwikkeling.
De kern van 'Masters in Steen' ligt in de persoonlijke begeleiding die je ontvangt van twee grootmeesters in het vak: Alex Sluimer en Simone van Olst. Dit is geen standaard lesprogramma; het is een intensieve één-op-één en groepsgerichte coaching die specifiek is afgestemd op jouw behoeften en ambities. Alex en Simone brengen hun decennialange ervaring en diepgaande kennis in, en begeleiden je stap voor stap bij het verfijnen van je techniek, het doorbreken van blokkades, en vooral: het vinden van jouw unieke artistieke stem. Ze dagen je uit, inspireren je en bieden de feedback die je nodig hebt om je ware potentieel te ontketenen.
Afbeelding
Daarnaast is de mastermind groep een cruciaal element. Stel je voor: werken aan je eigen projecten, omringd door gelijkgestemde kunstenaars die dezelfde passie delen. Binnen deze groep vind je een veilige en stimulerende omgeving voor feedback, discussie en wederzijdse inspiratie. Het is dé plek waar je leert van elkaars ervaringen, nieuwe perspectieven opdoet en waardevolle connecties legt. Dit netwerken voor kunstenaars is van onschatbare waarde; het opent deuren naar samenwerkingen, expositiemogelijkheden en een blijvend ondersteunend netwerk in de kunstwereld.
Een ander onderscheidend aspect van 'Masters in Steen' is de focus op conceptontwikkeling. We geloven dat een sterk kunstwerk begint met een krachtig idee. Je leert hoe je je gedachten, emoties en observaties omzet in tastbare concepten die resoneren. Alex en Simone helpen je om je ideeën te articuleren en te vertalen naar impactvolle sculpturen, waarbij de verhalen achter je werk net zo belangrijk worden als de vorm zelf. Dit proces helpt je niet alleen bij het creëren van betekenisvolle kunst, maar ook bij het presenteren en verkopen ervan.
Ben je klaar om deze verdiepende reis aan te gaan en jouw meesterschap in steen te ontdekken?
Om je een nog beter beeld te geven van de diepgang en de structuur van dit programma, nodigen we je uit voor een (online) Q&A sessie waarin we al je vragen beantwoorden. Binnenkort delen we ook de voorlopige programmacontouren, zodat je precies weet wat je kunt verwachten.
Klik hier om je aan te melden voor de Q&A sessie en/of om de eerste details van het programma te bekijken!
Met creatieve groet,
​

Het team van Beeldhouwatelier Simone van Olst
0 Opmerkingen

De onmiskenbare blik: Charley Toorop's liefde voor Van Gogh en de vonk voor jouw eigen kunst

17/6/2025

0 Opmerkingen

 
Lieve kunstvrienden, makers met hart en ziel, en iedereen die zich, net als ik, kan verliezen in de kracht van een geschilderde blik,

Ik ben Simone van Olst, en ik moet jullie gewoon even meenemen in mijn enthousiasme! Afgelopen Pinksteren bezocht ik een tentoonstelling die me diep heeft geraakt en die nog steeds nazindert: "Charley Toorop: Liefde voor Van Gogh" in het altijd weer prachtige Kröller-Müller Museum in Otterlo. Charley Toorop… wat een icoon! Voor mij is zij een van die kunstenaars wier werk een soort thuiskomen is. Altijd als ik in Museum De Lakenhal hier in Leiden ben, of in het Centraal Museum in Utrecht, dan moet ik eerst even langs haar portretten. Die ogen… die kijken je aan met een intensiteit, een directheid, een onverbloemde eerlijkheid die je bijblijft, die je iets doen.
En nu dus deze tentoonstelling, die haar werk koppelt aan een andere reus die haar zo inspireerde: Vincent van Gogh. De titel alleen al, "Liefde voor Van Gogh", belooft een intieme en persoonlijke kijk. En dat is het ook. Het is geen grootschalige blockbuster, maar een zorgvuldig samengestelde, liefdevolle presentatie die de diepe verbondenheid tussen deze twee uitzonderlijke kunstenaars voelbaar maakt. De opbouw van de expositie is prachtig gedaan; de conservatoren hebben echt credits verdiend voor de manier waarop ze de werken laten spreken en de dialoog tussen Toorop en Van Gogh zichtbaar maken.

Deze blog is mijn persoonlijke verslag, een manier om mijn ontroering en de vele vonkjes inspiratie die ik heb opgedaan met jullie te delen. Want hoewel Charley Toorop een schilder was, en Van Gogh natuurlijk ook, is er zóveel in hun werk en benadering dat ons, als beeldhouwers – en zeker als beeldhouwers – kan voeden en prikkelen. En als kers op de taart was er in het museum ook een hoek die mijn hart (en dat van mijn man Alex Sluimer!) sneller deed kloppen, met werk uit de jaren '20 – een periode die ons mateloos fascineert. Misschien een idee voor een nieuwe lezing? Ik ben benieuwd naar jullie animo!
Afbeelding

​
​Het Kröller-Müller Museum: Een oase van kunst en natuur
Voordat ik dieper op de tentoonstelling inga, eerst even een woord van lof voor het Kröller-Müller Museum zelf. Wat blijft dat toch een magische plek! Genesteld in het hart van Nationaal Park De Hoge Veluwe, ademt het museum een sfeer van rust en contemplatie. De combinatie van de indrukwekkende collectie moderne en hedendaagse kunst, de wereldberoemde Van Gogh-verzameling, en de prachtige beeldentuin, omringd door de natuur, maakt elk bezoek tot een verademing. Het is een plek waar kunst en natuur elkaar ontmoeten en versterken, een plek die uitnodigt tot vertragen en aandachtig kijken.

​En dat is precies de juiste stemming om je onder te dompelen in het werk van kunstenaars als Charley Toorop en Vincent van Gogh.
"Charley Toorop: Liefde voor Van Gogh" – Een liefdevolle ontmoeting
De tentoonstelling zelf is, zoals gezegd, niet overdonderend groot, maar juist daardoor zo krachtig. Het voelt als een intieme kennismaking, een kijkje in de ziel van Charley Toorop en haar diepe bewondering voor Van Gogh.

De curatoren hebben op een subtiele manier werken van Toorop naast of in relatie tot die van Van Gogh geplaatst. Soms zie je het in de intensiteit van het kleurgebruik, dan weer in de pasteuze, bijna geboetseerde verfopbreng, of in de keuze van onderwerpen: de portretten van gewone mensen, de zelfportretten, de landschappen die getuigen van een diepe verbondenheid met de aarde. Het is geen letterlijke kopie, maar een doorleefde affiniteit, een geestverwantschap.

Wat mij keer op keer het meest treft in Toorop’s werk, en wat in deze tentoonstelling prachtig naar voren komt, is de onwaarschijnlijke kracht van haar portretten. Haar modellen kijken je vaak recht aan, zonder opsmuk, zonder idealisering. Er zit een enorme psychologische diepgang in die blikken. Ze zijn indringend, soms bijna confronterend, maar altijd vol menselijkheid. Je voelt de persoon achter het portret. Denk aan haar beroemde ‘Zelfportret met drie kinderen’ of de portretten van haar vriendenkring. Elk gezicht vertelt een verhaal, getuigt van een innerlijk leven.

Natuurlijk hangen er bekende werken, maar er zijn ook altijd weer verrassingen te ontdekken. Een minder bekend portret dat je plotseling raakt, een landschap waarin je de echo van Van Gogh’s cipressen of korenvelden voelt, een stilleven dat getuigt van eenzelfde intense observatie van het alledaagse. Een van de parels voor mij was een krachtig portret van een arbeider, waarin de textuur van de huid bijna voelbaar was, en de ogen een wereld van doorleefde ervaringen weerspiegelden. Naast Toorop's werken, werden ook enkele van Van Goghs stukken getoond die haar duidelijk beïnvloed hebben, zoals een studie van een boerenhoofd, vol karakter en mededogen.

Deze prachtige tentoonstelling is nog te bewonderen tot 14 september. Een absolute aanrader als je de kans hebt!
De kracht van de blik: Wat Toorop ons als beeldhouwers kan leren
"Maar Simone," hoor ik je misschien weer denken, "Toorop was een schilder. Wat kunnen wij als steenbeeldhouwers, en zeker als beeldhouwers, daar nu concreet mee?" Heel veel, kan ik je verzekeren!
  • De essentie van vangen: Toorop was een meester in het vangen van de essentie van een persoon, van een karakter. Ze schilderde niet zomaar een gezicht, ze schilderde een ziel. Als beeldhouwer, zeker als je figuratief werkt in steen, is dat precies waar je ook naar streeft. Hoe kun je met de hardheid van de steen toch die kwetsbaarheid, die kracht, die innerlijke wereld van je model suggereren? Toorop’s werk daagt ons uit om verder te kijken dan de oppervlakte.
  • De intensiteit van observatie: Haar portretten getuigen van een ongelooflijk scherpe, bijna genadeloze observatie. Ze keek écht. En dat is een vaardigheid die voor elke beeldhouwer cruciaal is. Voordat je een beitel op de steen zet, moet je je model, je onderwerp, je inspiratiebron door en door bestudeerd hebben. Niet alleen met je ogen, maar met al je zintuigen.
  • Psychologisch inzicht: Het creëren van een portret in steen is niet alleen een technische uitdaging, maar ook een psychologische. Hoe vertaal je persoonlijkheid in volume, lijn en textuur? Toorop’s werk kan ons helpen om na te denken over hoe we karakter en emotie kunnen uitdrukken in onze driedimensionale vormen.
  • Focus en kracht, ook in abstractie: Zelfs als je abstract werkt, is er iets te leren van Toorop’s focus en de innerlijke kracht die haar werken uitstralen. Haar composities zijn vaak sober, direct, zonder overbodige franje. Ze komt snel tot de kern. Dat is een kwaliteit die ook in abstracte steensculptuur heel krachtig kan zijn: het weglaten, het concentreren op de essentie van de vorm, de lijn, het volume.

Toorop’s ‘indringende blik’ gaat dus niet alleen over de ogen in haar portretten, maar ook over haar eigen manier van kijken naar de wereld: intens, zoekend, en altijd gericht op de waarheid achter de façade. Dat is een houding die elke kunstenaar kan inspireren.
Een verrassende hoek: De resonantie van de jaren '20
Naast de focus op Toorop en Van Gogh, was er in een aangrenzende zaal of sectie van het museum (zoals dat soms zo mooi organisch gebeurt in het Kröller-Müller) ook aandacht voor andere kunstenaars uit, of beïnvloed door, de jaren '20 van de vorige eeuw. Ik zag er prachtig werk van Nederlandse pioniers als Ad Dekkers, met zijn minimalistische reliëfs waarin lijn en geometrie zo’n subtiel spel spelen, en internationale grootheden als de Brit Ben Nicholson, wiens abstracte composities een prachtige balans vinden tussen geometrische helderheid en een bijna poëtische gevoeligheid. Ook andere kunstenaars die flirten met De Stijl, het Constructivisme of Bauhaus-ideeën waren vertegenwoordigd.

Deze periode, de jaren '20 en '30, is een tijd die mijn man Alex Sluimer en ik enorm bewonderen. Het was een tijd van radicale vernieuwing, van een zoektocht naar universele harmonie, naar pure vormen en heldere structuren. Kunstenaars zochten naar de essentie, naar een nieuwe beeldtaal die paste bij een nieuwe tijd. De principes van geometrische abstractie, de balans tussen lijn, vlak en kleur (of in sculptuur: volume en ruimte), de ritmische composities – het zijn allemaal elementen die ook in de hedendaagse beeldhouwkunst, en zeker in het werken met steen, nog steeds ongelooflijk relevant zijn. Alex, met zijn passie voor geometrie en structuur, kan uren praten over de mathematische precisie en de conceptuele helderheid van deze kunstenaars. Voor mijzelf zit de aantrekkingskracht ook in de spirituele en esthetische zuiverheid die veel van deze werken uitstralen.

Deze ‘omweg’ langs de jaren '20 was een onverwacht cadeau en zette me aan het denken…
Afbeelding
Een lezing in de maak? De stijlperiode van de jaren '20 en haar impact op vormgeving
Het zien van die prachtige, vaak minimalistische werken van Dekkers, Nicholson en hun tijdgenoten, deed bij mij meteen een belletje rinkelen. Ik merkte aan de reacties van de mensen om me heen dat er veel interesse is voor deze periode, maar dat de achtergronden en de specifieke bijdragen van de verschillende kunstenaars niet altijd even bekend zijn.

Daarom speel ik met het idee om, naast mijn lezing over Henry Moore in 2026, misschien ook een nieuwe lezing te ontwikkelen die specifiek ingaat op de kunst en vormgeving van de jaren '20 en '30. Een periode die zo cruciaal is geweest voor de ontwikkeling van de moderne kunst en die nog steeds doorwerkt in hedendaags design en sculptuur.
  • Wat zou zo'n lezing kunnen inhouden?
    • We zouden kijken naar de belangrijkste stromingen: De Stijl (Mondriaan, Van Doesburg, Rietveld), Bauhaus (Gropius, Klee, Kandinsky), Constructivisme (Tatlin, Rodchenko, Gabo, Pevsner), en de abstracte pioniers in Engeland en Frankrijk.
    • We zouden de filosofieën achter deze bewegingen verkennen: het streven naar universaliteit, de integratie van kunst en leven, de rol van geometrie en abstractie.
    • We zouden specifiek kijken hoe deze principes hun weg vonden naar de driedimensionale vormgeving: sculptuur, architectuur, meubelontwerp. Hoe zochten beeldhouwers in die tijd naar pure, abstracte vormen in materialen als metaal, hout, en ja, ook steen?
    • En natuurlijk zouden we de link leggen naar vandaag: hoe kunnen deze ‘oude’ ideeën over pure vorm, structuur en balans ons, als hedendaagse (steen)beeldhouwers, nog steeds inspireren?

Ik ben heel benieuwd: zou er bij jullie interesse zijn voor zo'n lezing over de boeiende stijlperiode van de jaren '20? Laat het me weten in de reacties onder deze blog, of stuur me een mailtje! Jullie input is voor mij heel waardevol.
Waarom deze inspiratiebronnen delen? Mijn visie als docent
Je vraagt je misschien af waarom ik zo enthousiast word van het delen van mijn museum-bezoekjes of het praten over kunstgeschiedenis. Voor mij is het een essentieel onderdeel van mijn kunstenaarschap en mijn rol als docent in Beeldhouwatelier Simone van Olst.
  • De interne databank voeden. Zoals ik al vaker heb geschreven, geloof ik heilig in het concept van "je hoofd als databank". Elke keer als je kunst bekijkt, een boek leest, een gesprek voert, of de natuur observeert, voed je die databank. Door mijn inspiratiebronnen te delen, hoop ik ook jouw databank te verrijken en je aan te moedigen om zelf op ontdekkingsreis te gaan.
  • Verbindingen leggen. Kunst staat nooit op zichzelf. Er zijn altijd verbindingen, invloeden, dialogen tussen kunstenaars, periodes en disciplines. Het ontdekken van die verbindingen maakt je begrip van kunst dieper en je eigen werk rijker. De link tussen Van Gogh en Toorop, of tussen de schilders van De Stijl en abstracte beeldhouwers – het zijn allemaal fascinerende dwarsverbanden.
  • Nieuwsgierigheid prikkelen. Ik hoop je nieuwsgierigheid te prikkelen, je uit te dagen om verder te kijken dan wat je al kent, en je open te stellen voor nieuwe vormen van expressie.
  • Inspiratie voor steen. En uiteindelijk gaat het er natuurlijk om hoe al deze inspiratie kan doorwerken in jouw eigen creaties in steen. Hoe kan de intensiteit van een Toorop-portret je helpen om meer expressie in jouw figuratieve steenwerk te leggen? Hoe kunnen de heldere principes van de jaren '20 je helpen om krachtigere abstracte composities in steen te maken? Dat zijn de vragen die we in het atelier, tijdens de cursussen en workshops, samen kunnen verkennen.
Afbeelding
Jouw uitnodiging: Ervaar het zelf en laat je inspireren!
Ik kan je van harte aanbevelen om, als je de kans hebt, zelf de tentoonstelling "Charley Toorop: Liefde voor Van Gogh" in het Kröller-Müller Museum in Otterlo te gaan zien. Laat je raken door de kracht van Charley’s blik en de intense dialoog met Vincent. En dwaal daarna ook zeker even door de andere zalen en de beeldentuin; het Kröller-Müller is altijd een feest voor de zintuigen.

En als je na het lezen van deze blog denkt: "Ja, ik wil ook meer leren over hoe ik mijn inspiratie kan omzetten in steen, hoe ik mijn technische vaardigheden kan vergroten, of hoe ik mijn eigen artistieke stem kan vinden," dan ben je natuurlijk van harte welkom in mijn atelier in Leiden. Of het nu gaat om een doorlopende cursus, een gespecialiseerde workshop, of een van mijn (toekomstige) lezingen, er is altijd een manier om jouw creatieve vonk verder aan te wakkeren.
De onuitputtelijke bron
Kunst is een onuitputtelijke bron van inspiratie, troost en verwondering. Kunstenaars als Charley Toorop, Vincent van Gogh, Henry Moore, en de vernieuwers van de jaren '20 laten ons zien hoe je met passie, vakmanschap en een open blik de wereld om je heen kunt vangen en transformeren tot iets nieuws, iets eigens, iets blijvends. Het is een erfenis waar we allemaal uit kunnen putten.

​Ik hoop dat deze blog je heeft geïnspireerd. Laat me vooral weten of een lezing over de kunst van de jaren '20 je zou interesseren! En wie weet, tot ziens in Otterlo, of in mijn atelier in Leiden!

0 Opmerkingen

Ontketen jouw meesterschap in steen – Een nieuw hoofdstuk begint

11/6/2025

2 Opmerkingen

 
Beste kunstliefhebber en aspirant steenbeeldhouwer,

Stel je voor: een jaar lang intensieve begeleiding, gericht op jouw complete artistieke ontwikkeling, onder leiding van twee van de meest gerespecteerde namen in de beeldhouwkunst: Simone van Olst en Alex Sluimer. Klinkt dit als een droom? Dan hebben we fantastisch nieuws voor je!
​We zijn enorm enthousiast om jullie te introduceren aan 'Mastermind: Masters in Steen', een uniek jaarprogramma dat verder gaat dan elke traditionele beeldhouwcursus. Dit is geen gewone les; dit is een diepgaande reis naar artistieke ontwikkeling en meesterschap in steenbeeldhouwen, zorgvuldig samengesteld voor de gepassioneerde kunstenaar die zijn of haar vaardigheden naar een ongekend niveau wil tillen.
Maar wat houdt een 'mastermind' eigenlijk in? Het is een dynamische samenwerking van gelijkgestemde individuen, onder de bezielende leiding van experts, die samenwerken aan het bereiken van individuele en collectieve doelen. Simone van Olst en Alex Sluimer, met hun gezamenlijke decennia aan ervaring en onnavolgbare expertise in het werken met steen, geloven stellig in de kracht van deze collectieve intelligentie en persoonlijke begeleiding. Hun visie is helder: elke deelnemer krijgt de tools en inzichten om zijn of haar unieke artistieke stem te vinden en te versterken. Dit is dé kans om te leren van hun diepgaande kennis van materialen, technieken en de filosofie achter het creëren van tijdloze kunstwerken.
Dit Masters in Steen jaarprogramma is speciaal ontworpen voor diegenen die de ambitie hebben om te excelleren. Het is een uitnodiging om je grenzen te verleggen, nieuwe technieken te omarmen en je te verdiepen in de rijke wereld van het steenbeeldhouwen. De enorme expertise van Simone en Alex staat garant voor een traject waarin je niet alleen technische vaardigheden verfijnt, maar ook je creatieve proces en artistieke visie verdiept.​
Afbeelding
We kunnen niet wachten om dit mooie traject met jullie te starten! Om dit jaarprogramma zo goed mogelijk af te stemmen op jullie behoeften, zijn we heel benieuwd naar jullie input.
Wat is jouw grootste uitdaging of droom als steenbeeldhouwer?
​

Deel het met ons door op deze blog te reageren. Jouw inzichten helpen ons om 'Mastermind: Masters in Steen' onvergetelijk te maken. We vertellen je gauw meer!
2 Opmerkingen

De stille dialoog: Hoe tweedimensionale meesters het beeldhouwen in steen kunnen inspireren

11/6/2025

0 Opmerkingen

 
In de wereld van de beeldende kunst lijken de disciplines soms werelden van elkaar verwijderd. Een schilder, met een palet vol kleuren en de vrijheid van het doek, tegenover een beeldhouwer, worstelend met de weerbarstigheid van het materiaal, de beperkingen van de massa en de afwezigheid van aangebrachte kleur. Toch, als we dieper kijken, voorbij de oppervlakte van techniek en materiaal, ontvouwt zich een rijke, stille dialoog. Juist in de wereld van de schilderkunst, op het platte vlak van het schilderij, ligt een schat aan inspiratie verborgen voor wie in steen werkt. Het is een bron die, mits goed aangeboord, kan leiden tot een ongekende ‘burst’ in creativiteit en een verdieping van het eigen driedimensionale werk. Bij ons in beeldhouwatelier in Leiden, waar Simone van Olst en Alex Sluimer dagelijks de grenzen van steen verkennen, moedigen we deze kruisbestuiving actief aan. Want hoe vertaal je de essentie van een kleurrijk, lichtgevend schilderij naar de monochrome, massieve realiteit van steen? Het antwoord ligt in het leren kijken, het leren ontleden, en het leren ‘voelen’ van de fundamentele elementen die elke krachtige visuele expressie, tweedimensionaal of driedimensionaal, onderbouwen.
​

Het lijkt misschien contra-intuïtief. Steen is zwaar, onvergevingsgezind en inherent driedimensionaal. Een schilderij is een illusie, een venster op een wereld gecreëerd met pigment en lijn op een plat oppervlak. De beperkingen van steen zijn evident: de kleur is die van de steen zelf, tenzij men later wassen of andere materialen toevoegt, wat in de pure beeldhouwkunst minder gebruikelijk is. Vormen kunnen niet zomaar zweven; ze moeten verbonden zijn, ondersteund door de massa van het materiaal, tenzij men met uiterst complexe constructies en risico’s werkt. Maar juist deze zogenaamde beperkingen dwingen de beeldhouwer tot een diepere focus op de kernelementen van de kunst: vorm, volume, textuur, lijn, en de cruciale interactie met licht en schaduw. En waar beter deze elementen in hun puurste, meest bestudeerde vorm te observeren dan in de meesterwerken van de schilderkunst? Schilders zijn meesters in illusie, maar die illusie is gebouwd op een ijzersterk begrip van hoe wij de wereld waarnemen en hoe visuele elementen emotie en betekenis overbrengen. Voor de beeldhouwer in steen is het de kunst om deze illusionaire technieken te ‘stelen’ en ze te transformeren naar tastbare realiteit. Het gaat er niet om een schilderij letterlijk te kopiëren in steen – een zinloze exercitie – maar om de onderliggende principes, de visuele intelligentie, te absorberen en te herinterpreteren binnen de unieke taal van het steenbeeldhouwen.
Een van de meest directe lessen die een beeldhouwer kan trekken uit de schilderkunst is het meesterschap over compositie. Hoe een schilder elementen binnen het kader van het doek ordent – de balans tussen figuren en achtergrond, de leidende lijnen die het oog van de kijker sturen, de ritmische herhaling van vormen of kleuren, de creatie van een dynamisch of juist sereen brandpunt – dit alles is van onschatbare waarde. Een beeldhouwwerk bestaat weliswaar in een 360-graden ruimte, maar elke individuele aanblik, elk mogelijk standpunt van de beschouwer, vormt in feite een eigen compositie. Door te bestuderen hoe schilders als Vermeer een serene, uitgebalanceerde spanning creëren, of hoe een barok-meester als Rubens met wervelende diagonalen een gevoel van drama en beweging oproept, kan de beeldhouwer leren om zijn massa’s bewuster te verdelen, om de interactie tussen het beeld en de omringende ruimte (de negatieve ruimte, zo cruciaal in zowel 2D als 3D) te optimaliseren. De ‘regels’ van compositie – de gulden snede, de regel van derden – zijn even relevant voor een blok marmer als voor een linnen doek. Het bestuderen van hoe schilders deze principes toepassen, en soms moedwillig doorbreken, scherpt het oog van de beeldhouwer voor de ruimtelijke relaties binnen zijn eigen werk. Het helpt om een sculptuur te ontwerpen die vanuit elke hoek boeit, die een visueel pad biedt voor de kijker, en die een duidelijke artistieke intentie communiceert door de pure ordening van vormen.
​
Vervolgens is er het spel van licht en schaduw, misschien wel de meest directe brug tussen schilderkunst en beeldhouwen. Schilders, van de Renaissance tot heden, hebben licht gebruikt om vorm te suggereren, volume te creëren, textuur te accentueren en een specifieke sfeer of emotionele lading op te roepen. Denk aan het dramatische clair-obscur van Caravaggio of Rembrandt, waar figuren uit een diep duister oplichten, hun vormen gedefinieerd door sterke contrasten. Voor een beeldhouwer is licht niet een illusie die met verf wordt gecreëerd, maar een fysieke partner. De manier waarop het licht over de oppervlakken van de steen strijkt, hoe het in diepe inkepingen duikt en schaduwen werpt die de vorm versterken of juist mystificeren, is een essentieel onderdeel van het uiteindelijke kunstwerk. Door te kijken naar hoe schilders lichtval en schaduwpartijen gebruiken om bijvoorbeeld de ronding van een wang, de plooi van een gewaad of de spanning van een spier te suggereren, kan de beeldhouwer leren om zijn vlakken, curven en inkepingen zo te bewerken dat ze optimaal met het natuurlijke of kunstmatige licht interageren. Een gepolijst oppervlak reflecteert anders dan een ruw gehakt vlak; een scherpe rand vangt het licht anders dan een zachte overgang. De ‘kleur’ van de monochrome steen wordt dan de gradatie van licht naar donker, de subtiele nuances in de schaduwen, de heldere accenten op de hooglichten. De studie van licht in de schilderkunst kan de beeldhouwer inspireren tot moediger gebruik van diepte, tot het creëren van meer dynamische oppervlakken, en tot een beter begrip van hoe het uiteindelijke beeld zal ‘leven’ in zijn omgeving, veranderend met de lichtomstandigheden gedurende de dag.
Ook de lijn en contour bieden een vruchtbaar studiegebied. Schilders gebruiken lijnen niet alleen om de omtrekken van objecten te definiëren, maar ook om beweging, richting, en emotie over te brengen. De vloeiende, sensuele lijnen in een werk van Botticelli, de nerveuze, energieke lijnen van een Egon Schiele (was een Oostenrijks expressionistisch kunstschilder, of de strenge, geometrische lijnen van een Mondriaan – elk type lijn heeft een eigen expressieve kracht. In steen worden lijnen gecreëerd door de randen van vlakken, door de overgang van de ene vorm naar de andere, of door ingekerfde details. De beeldhouwer kan van schilders leren hoe een lijn spanning kan opbouwen, hoe een contour een gevoel van volume kan suggereren nog voordat de massa volledig is uitgewerkt, en hoe de ‘flow’ van lijnen door een compositie een gevoel van eenheid en harmonie kan creëren. Zelfs in sterk abstracte schilderkunst kan de interactie van lijnen en de energie die ze uitstralen een directe inspiratiebron zijn voor de beeldhouwer die op zoek is naar een krachtige, lineaire expressie in steen. Het vertalen van een geschilderde lijn naar een stenen rand vereist een diep begrip van hoe die rand het licht zal vangen en hoe het de algehele perceptie van de vorm zal beïnvloeden.
​

De illusie van diepte en perspectief op een plat vlak is een andere fascinerende uitdaging die schilders al eeuwenlang aangaan. Technieken zoals atmosferisch perspectief (waarbij objecten in de verte vager en blauwer worden), lineair perspectief (met vluchtpunten en verdwijn-lijnen) en het simpelweg overlappen van vormen, creëren een gevoel van ruimtelijkheid. Hoewel een beeldhouwer met werkelijke diepte werkt, kan de studie van deze 2D-technieken toch inspirerend zijn. Hoe kan men bijvoorbeeld in een reliëf, dat ergens het midden houdt tussen 2D en 3D, de suggestie van grote diepte wekken? Hoe kan men in een vrijstaand beeld de interactie tussen voor-, midden- en achterplan zo orkestreren dat er een boeiende ruimtelijke ervaring ontstaat, zelfs als de fysieke diepte beperkt is? Het kijken naar hoe schilders de kijker ‘in’ het schilderij trekken, kan de beeldhouwer helpen om zijn werk zo te componeren dat het uitnodigt tot verkenning vanuit verschillende hoeken, en dat het een dynamische relatie aangaat met de ruimte eromheen.
Misschien wel het meest ongrijpbare, maar tevens meest waardevolle element dat uit de schilderkunst kan worden overgenomen, is de emotionele inhoud en het narratief. Een schilderij kan een verhaal vertellen, een stemming oproepen, een filosofisch idee verkennen, of een diepe menselijke emotie uitdrukken, puur door de keuze van onderwerp, kleur, compositie en licht. Een steenbeeldhouwer, ontdaan van de directe verhalende mogelijkheden van figuratieve schilderkunst of de emotionele directheid van kleur, moet deze aspecten vertalen naar de taal van vorm, textuur en ruimtelijke aanwezigheid. De intense psychologische lading in een portret van Rembrandt, de serene spiritualiteit in een landschap van Caspar David Friedrich, of de rauwe energie in een abstract expressionistisch werk van Jackson Pollock – hoe kan dit vertaald worden naar steen? Dit is waar de alchemie van de artistieke vertaling werkelijk begint. Het gaat erom de essentie van die emotie of dat verhaal te vatten. Een gevoel van melancholie kan worden uitgedrukt in neerwaartse, zware vormen en een gesloten compositie. Vreugde kan zich manifesteren in opwaartse bewegingen, open vormen en een dynamisch spel van licht. De uitdaging is immens, maar de beloning – een beeld dat resoneert op een diep emotioneel niveau – is navenant.
​

En wat te denken van textuur? Schilders zijn meesters in het suggereren van textuur: de zachtheid van fluweel, de ruwheid van een bakstenen muur, de gladheid van huid. De beeldhouwer werkt met werkelijke textuur. De steen zelf heeft een inherente textuur, die kan variëren van de grove korrel van kalksteen tot de fijne, dichte structuur van marmer. Maar daarbovenop kan de beeldhouwer door middel van bewerkingstechnieken – polijsten, schuren, boucharderen, frijnen ( een vorm van handmatige sier bewerking van natuursteen, waarbij evenwijdige lijnen in het oppervlak geslagen worden),  hakken – een oneindige variëteit aan oppervlaktestructuren creëren. De suggestie van textuur in een schilderij kan de beeldhouwer inspireren om te experimenteren met de tactiele kwaliteiten van zijn werk. Een glad geschilderd oppervlak in een portret kan leiden tot een zorgvuldig gepolijste afwerking van een stenen gezicht, terwijl de impasto techniek van een Van Gogh, met zijn dikke verflagen, kan aanzetten tot een ruwere, expressievere behandeling van het steenoppervlak, waarbij de sporen van het gereedschap bijdragen aan de zeggingskracht.
De abstractie van vorm, een proces dat in de schilderkunst van de 20e eeuw een enorme vlucht nam, is eveneens zeer relevant. Schilders als Picasso, Kandinsky of Malevich reduceerden de zichtbare werkelijkheid tot geometrische basisvormen, kleurvlakken of pure lijnen, op zoek naar een diepere, universele waarheid of een directe emotionele expressie. Steen, met zijn massiviteit en de noodzaak tot vereenvoudiging (men kan niet elke minuscule detail uit een blok steen hakken), leent zich bij uitstek voor abstractie. Het bestuderen van hoe schilders vormen abstraheren, hoe ze de essentie van een object of een idee vangen in een vereenvoudigde, maar krachtige vorm, kan de steenbeeldhouwer helpen om los te komen van een louter mimetische weergave en te zoeken naar een meer symbolische of conceptuele uitdrukkingskracht. Het dwingt tot nadenken over welke details weggelaten kunnen worden en welke juist essentieel zijn om de beoogde boodschap over te brengen.
​

En laten we de negatieve ruimte niet vergeten. In de schilderkunst is de ruimte rondom en tussen de objecten net zo belangrijk als de objecten zelf. Het draagt bij aan de compositie, de balans en de algehele sfeer. Voor een beeldhouwer is negatieve ruimte de lucht die het beeld omringt, de openingen die erdoorheen gaan, de leegtes die evenveel ‘vorm’ en betekenis hebben als de massieve delen van de steen. Het bestuderen van hoe schilders negatieve ruimte gebruiken om hun positieve vormen te versterken, kan de beeldhouwer inspireren om moediger om te gaan met het weghalen van materiaal, om te spelen met doorkijkjes en om de interactie tussen het beeld en zijn omgeving te intensiveren.
Nu, hoe vindt deze vertaling van het tweedimensionale naar het driedimensionale, van de kleurrijke illusie naar de monochrome realiteit, concreet plaats? 

Dus, ga in de actiestand, pak je chaos schriftje:

Het begint, zoals gezegd, met intensief en analytisch kijken. Bezoek musea, bestudeer kunstboeken, niet passief, maar met een ‘sculpteurs-oog’. Deconstrueer een schilderij. Wat zijn de dominante lijnen? Waar valt het licht het sterkst? Welke vormen dragen de meeste emotionele lading? Maak schetsen, niet om het schilderij te kopiëren, maar om de elementen te isoleren die u aanspreken. Een snelle schets van alleen de licht-donker contrasten, of alleen de hoofdlijnen van de compositie, kan al enorm verhelderend zijn.
​

De grootste uitdaging is wellicht het gemis aan kleur. Hoe vertaal je de emotionele impact van een vurig rood, een diepblauw, of een zonnig geel naar de beperkte tonaliteit van steen? Hier komt een meer synesthetische benadering van pas. Kleur is niet alleen een visuele sensatie; het roept ook gevoelens, associaties, en zelfs fysieke sensaties op. Een helder, warm rood kan vertaald worden naar scherpe, dynamische, opwaartse vormen in steen, of naar een textuur die energie uitstraalt. Een koel, rustgevend blauw kan inspireren tot gladde, vloeiende, horizontale vormen, of tot een serene, gepolijste afwerking. De intensiteit van een kleur kan zich vertalen in de diepte van de inkepingen of de prominentie van een bepaald volume. Het is een subjectief proces, maar wel een dat getraind kan worden. Soms kan zelfs de keuze van de steensoort een rol spelen: het diepe, bijna zwarte van Belgisch hardsteen kan de dramatiek van een donker schilderij echoën, terwijl het zachte crème van een Franse kalksteen kan aansluiten bij een lichter, etherischer palet.
Vervolgens komt de stap van 2D-analyse naar 3D-creatie. Maak kleine maquettes in klei of was. Draai ze rond, bekijk ze van alle kanten. Hoe verhouden de vormen zich tot elkaar in de ruimte? Hoe verandert de schaduwwerking als de lichtbron beweegt? Dit is het moment om te experimenteren, om de vertaalslag te maken van de platte compositie naar een ruimtelijk object dat vanuit elke hoek moet overtuigen. De ‘achterkant’ van een schilderij bestaat niet, maar die van een sculptuur is even belangrijk als de voorkant. Dit vereist een constante mentale rotatie en een voorstellingsvermogen dat getraind wordt door te doen.
​

De vermeende beperkingen van steen kunnen hierbij juist als een kracht worden ingezet. De afwezigheid van kleur dwingt tot een uiterste concentratie op vorm, textuur en het spel van licht. De weerbarstigheid van het materiaal eist een weloverwogen aanpak, een dialoog met de steen, waarbij de beeldhouwer soms zijn oorspronkelijke plan moet bijstellen als de steen zijn eigen ‘wil’ toont door een onverwachte ader of breuklijn. Deze focus op de pure, tastbare kwaliteiten van het materiaal kan leiden tot werken met een grote directheid en authenticiteit. De permanentie van steen, in tegenstelling tot de relatieve kwetsbaarheid van een doek, geeft het werk een gewicht en een tijdloosheid die uniek is voor dit medium.
Stel je de dramatische lichtval in een schilderij van Caravaggio voor: de diepe schaduwen, de helder uitgelichte figuren. Een beeldhouwer kan dit vertalen door te werken met sterke contrasten in diepte, met diepe ondersnijdingen en scherp gedefinieerde vlakken die harde schaduwen werpen, waardoor een vergelijkbaar gevoel van drama en tastbaarheid ontstaat. Of neem de geometrische abstractie van Mondriaan: de heldere vlakverdeling, de strenge lijnen. Dit kan een beeldhouwer inspireren tot het creëren van abstracte, architectonische vormen in steen, waarbij de nadruk ligt op de pure relatie tussen volumes en de ritmiek van lijnen en vlakken. De emotionele turbulentie en de expressieve textuur in een werk van Van Gogh kunnen aanzetten tot een krachtige, bijna ‘impressionistische’ bewerking van het steenoppervlak, waarbij de sporen van de beitel zichtbaar blijven en bijdragen aan de emotionele zeggingskracht van het beeld. Zelfs de subtiele atmosferische effecten in een landschap van Turner, de suggestie van mist of zonlicht, kunnen, hoe abstract ook, een beeldhouwer prikkelen om na te denken over hoe de oppervlaktebehandeling van de steen – van fluweelzacht gepolijst tot korrelig en ruw – een bepaalde ‘atmosfeer’ kan oproepen.
​

Bij ons atelier in Leiden moedigen we onze cursisten en collega-kunstenaars, vaak aan om musea te bezoeken met precies deze ‘vertalende’ blik. Neem een schetsboek mee. Focus niet op het onderwerp, maar op de onderliggende structuur. Maak ‘licht-donker’ studies. Analyseer de compositie. Probeer de emotionele kern te vatten. Thuis kan je dan experimenteren: hoe zou die geschilderde curve aanvoelen als een stenen volume? Hoe zou die kleur vibratie zich uiten in textuur? Creëer een ‘moodboard’ waarop u reproducties van schilderijen combineert met foto’s van steensoorten, texturen, of zelfs abstracte schetsen van driedimensionale vormen.
Kortom, de wereld van de schilderkunst is geen verre, vreemde planeet voor de beeldhouwer. Het is een complementair universum, vol lessen, inspiratie en visuele strategieën die wachten om ontdekt en getransformeerd te worden. Door de ogenschijnlijke barrières van medium en dimensie te doorbreken, en door te leren kijken naar de fundamentele artistieke principes die alle grote kunst verbinden, kan de beeldhouwer in steen zijn eigen werk verrijken, zijn creatieve horizon verbreden en nieuwe diepten van expressie vinden in de tijdloze taal van de vorm. Het is een ontdekkingsreis die niet alleen leidt tot betere sculpturen, maar ook tot een dieper begrip van de kunst zelf, in al haar verschijningsvormen. En die reis, die stille dialoog tussen het platte vlak en de volle steen, is een van de meest lonende die een kunstenaar kan ondernemen. Wij, Alex en ik nodigen je uit om deze dialoog zelf aan te gaan, en wellicht ontdek je, net als wij, dat de inspiratie voor uw volgende beeld verborgen ligt in de penseelstreken van een oude of nieuwe meester.
​

Laat je weten wat je vond van dit blog? Ik hoor graag je hersenspinsels en je visie!
0 Opmerkingen

Jouw zaterdag transformatie: Elke week nieuwe kunst, nieuwe ontdekkingen!

11/6/2025

0 Opmerkingen

 
Vergeet de alledaagse sleur – Laat je handen spreken!

Droom je van een dag helemaal voor jezelf? Een dag waarop je creativiteit de vrije loop krijgt, waar je met je handen iets tastbaars en moois creëert?

Op zaterdag opent Beeldhouwatelier Simone van Olst haar deuren voor een onvergetelijke reis in de wereld van steenbeeldhouwen. Onder de bezielende leiding van Alex en Simone, meesters in hun vak, ontdek je de oeroude kunst van het transformeren van ruwe steen tot een persoonlijk kunstwerk. Dit is meer dan een workshop; het is een ervaring die je inspireert, ontspant en oplaadt.


​
Maak kennis met de drijvende kracht: Alex & Simone - Jullie mentoren in steen

De ziel van Beeldhouwatelier Simone van Olst wordt gevormd door Alex en Simone. Met samen tientallen jaren ervaring in het beeldhouwen en het met passie begeleiden van cursisten, zijn zij de gidsen die jouw creatieve potentieel helpen ontsluiten.
  • Alex Sluimer: "Met een diepgewortelde liefde voor geometrische vormen en een ongekend technisch inzicht, weet Alex als geen ander de verborgen schoonheid in elke steen naar boven te halen. Zijn geduldige aanpak en vermogen om complexe technieken eenvoudig uit te leggen, maken hem een geliefde mentor."
  • Simone van Olst: "Simone's kracht ligt in haar intuïtieve benadering en haar talent om abstracte concepten en emoties in steen te vangen. Ze inspireert je om buiten de gebaande paden te denken en je eigen, unieke verhaal in je werk te leggen. Haar enthousiasme is aanstekelijk!"
​
Samen vormen Alex en Simone een dynamisch duo dat garant staat voor persoonlijke, diepgaande begeleiding. Ze zien jouw unieke talent, dagen je liefdevol uit en vieren elk succesmoment met je mee. Bij hen ben je geen nummer, maar een gewaardeerde kunstenaar in wording. Hun expertise is de sleutel tot jouw succesvolle en vreugdevolle beeldhouw ervaring.
Jouw creatieve zaterdag: Kies jouw unieke project en laat de magie beginnen!
​

Elke zaterdag workshop biedt een schat aan mogelijkheden. Speciaal voor jou hebben we een diverse selectie van projecten samengesteld, perfect voor beginnende beeldhouwers die de magie van steen willen ontdekken. Welk verhaal ga jij in steen vertellen?

Kies uit een van deze inspirerende projecten:

Wiskundige dag projecten: 
  • De binnenste buiten (enkele draai). Ontdek de spanning van interne en externe vormen in een elegante, vloeiende beweging. Een fascinerend project dat je uitdaagt anders te kijken en leer gebruik maken van maar één lijn in je steen.
  • De dichte Oloïde. Een intrigerende, wiskundige vorm die continu rolt en verrast vanuit elke hoek. (Let op: dit is een prachtige uitdaging, maar die vraagt ook om geduld en precisie).
  • Een simpele Lemniscaat. Het symbool van oneindigheid, gevangen in steen. Een elegant en tijdloos ontwerp met een mooie symboliek. (Let op: een elegante uitdaging vraagt aandacht voor de flow).

Thematische dag projecten: 
  • Een simpele torso. Werk vanuit een startmodel of een ruwe, simpele vorm en ontdek de schoonheid van het menselijk lichaam in abstractie.
  • Een natuurlijke vorm. Laat je inspireren door de natuur - een schelp, een blad, een waterdruppel - en vertaal de organische schoonheid naar steen.
  • Een simpele organische vorm. Geef je intuïtie de vrije loop en creëer een abstracte, vloeiende vorm die spreekt vanuit het hart van de steen en jezelf.
  • Een klein, elegant schaaltje. Praktisch én mooi! Maak een uniek, handgevormd schaaltje, perfect als decoratief object of voor kleine schatten.
  • Het tulpje ("Uit je Bolletje" workshop). Een vrolijk en symbolisch project waarbij je een gestileerd tulpje uit de steen laat ontluiken - een ode aan groei en bloei!
  • Een simpel vogeltje. Breng een charmant vogeltje tot leven in steen. Een geliefd project dat altijd een glimlach tovert.
  • De betoverende kerst workshop. Creëer een uniek kerst thema beeldje (engel, ster, kerstboom) en voeg een persoonlijk, handgemaakt accent toe aan je feestdagen. (Seizoensgebonden thema, ideaal om de kerstspirit in steen te vangen!).
  • De ''Ik weet het nog niet'' optie. Natuurlijk kunnen wij je ook een fantastische workshop ervaring bieden als je van te voren nog geen keuze hebt gemaakt, of zelf een idee hebt wat je wilt maken!
​
Onze belofte: Ongeacht je keuze, Alex en Simone begeleiden je stap voor stap. Ervaring is niet nodig, enkel de wens om te creëren!
​De Beeldhouwatelier Simone van Olst zaterdag ervaring: Meer dan zomaar een workshop!

Op zaterdag transformeer je bij ons niet alleen ruwe steen, maar ook je eigen weekend. Inspiratie ligt er voor het oprapen, wachtend om door jouw handen gevormd te worden, en het beste? Je neemt die creatieve vlam gewoon mee naar huis! Jouw zaterdag wordt een reis van onthulling en genieten, van begin tot eind. Van de eerste slag op de steen tot de laatste polijst beweging, ervaar je die diepe voldoening die alleen echt creëren kan geven. Want aan het einde van de dag ga je niet alleen naar huis met een kunstwerk; je draagt pure trots met je mee.

Wij geloven dat een creatieve dag ook een verwendag mag zijn. Daarom is onze zaterdag workshop een all-inclusive ervaring, ontworpen om jou volledig te ontzorgen en te inspireren:
  • Persoonlijke & zeer uitgebreide begeleiding. Dankzij kleine groepen krijg je alle aandacht die je nodig hebt van Alex en Simone. Hun expertise tilt jouw werk naar een hoger niveau.
  • Een culinaire verwennerij. Tussen het creatieve werk door geniet je van een zeer uitgebreide, huisgemaakte lunch, bereid met liefde. Een moment van rust en gezellig samenzijn, perfect om even op te laden.
  • Alles inbegrepen voor een vaste prijs. Voor slechts €99,00 is alles geregeld:
    • Jouw gekozen project en de bijbehorende inspiratie.
    • Een steen van kwaliteit tot 2 kg (grotere of andere stenen zijn mogelijk tegen een kleine, vooraf besproken bijbetaling).
    • Onbeperkt gebruik van ons zeer diverse en uitgebreide professionele handgereedschap.
    • Alle nodige veiligheidsmiddelen: veiligheidsbril, schort en handschoenen.
    • De uitgebreide lunch, plus onbeperkt koffie, thee en water gedurende de dag.
  • Een inspirerend en veilig atelier. Ons atelier ademt creativiteit en biedt een warme, veilige en goed uitgeruste omgeving waar je je direct thuis voelt.
  • Trots en voldoening gegarandeerd. Aan het einde van de dag ga je niet alleen naar huis met een uniek, zelfgemaakt kunstwerk, maar ook met nieuwe energie, inspiratie en een onvergetelijke herinnering aan jouw creatieve doorbraak.

Jouw zaterdag transformatie kan nu beginnen! 
Deze vernieuwde opzet maakt het nog makkelijker om die eerste stap te zetten, of om je creatieve routine te vinden. Het gaat om het plezier van het maken, de rust van het concentreren en de trots van het resultaat.

In ons beeldhouwatelier voel je die unieke, creatieve stroom, die momenten waarop de wereld stilvalt en jij één wordt met de steen. Het is daar, tussen de rust van het materiaal en de beweging van je handen, dat jouw verhaal tot leven komt. Elke slag, elke schuur, onthult niet alleen een vorm in steen, maar ook een stukje van jezelf. Stap binnen en ontdek de diepe voldoening van het creëren, want jouw unieke kunst wacht om door jou gevormd te worden. Laat die creatieve vonk in jou de weg wijzen en vind jouw flow bij ons in Leiden.


  • Praktische details van jouw zaterdag-avontuur:
    • Wanneer: Vrijwel elke zaterdag! Bekijk onze actuele agenda voor beschikbare data.
    • Tijden: Van 10:00 uur tot 16:00 uur. We nodigen alle deelnemers uit voor een inloop vanaf 9:30 uur. Leer ons, Alex en Simone, alvast kennen en maak contact met je mededeelnemers onder het genot van lekkere koffie en thee, vóór een volle dag creatie!
    • Locatie: Beeldhouwatelier Simone van Olst, Kenauweg 17A, 2331BA Leiden.
    • Parkeren: Voor de deur en op eigen terrein gratis parkeren.
    • Openbaar vervoer: Buslijn 1 & 2 richting Station de Vink, Halte Hadewychlaan, stoppen bij ons om de hoek. Buslijn 43 richting Den Haag, bushalte Haagse Schouw, is op 5 minuten lopen van ons atelier. 
    • Buiten werken: Heb je zin om buiten te werken? Dat kan! Zorg dan zelf voor een laagje kleding en een zonnebril of hoed!
    • Dieetwensen: Laat ons minimaal een week van te voren weten of wij rekening moeten houden met allergieën of diëten!
    • Jouw investering in jezelf: Slechts €99,00, all-inclusive!
    • Wat zelf meenemen: Draag kleding die comfortabel zit en vuil mag worden (beeldhouwen kan stoffig zijn!). Stevige, gesloten schoenen zijn essentieel voor je veiligheid. En natuurlijk: je enthousiasme en zin om te creëren!
Dit is jouw moment – geef je creativiteit de ruimte!
​

Stel het niet langer uit. De zaterdag workshops bij Beeldhouwatelier Simone van Olst zijn een unieke kans om te ontsnappen aan de hectiek, je handen te laten werken en je creatieve ziel te voeden. Onder de deskundige en warme begeleiding van Alex en Simone ontdek je talenten waarvan je misschien niet eens wist dat je ze had.

Op deze zaterdagen wacht er meer dan alleen een workshop; daar wacht een verrassing. Misschien ontdek je talenten waarvan je niet wist dat je ze had, want die zitten diep in jou! Zie hoe je handen iets creëren, slag voor slag, en voel die ongekende trots. Wie weet ben jij wel degene die, verrast door eigen kunnen, gelijk doorgaat met onze doorlopende cursus. Geloof ons: je zult zeker niet de enige zijn die zichzelf verrast en het is een prachtig avontuur om te starten!
​

De voldoening van het creëren van iets blijvends met je eigen handen is ongeëvenaard. Gun jezelf deze boost van creativiteit en inspiratie! De plaatsen zijn gewild en beperkt om optimale persoonlijke begeleiding te garanderen.
Boek nu jouw creatieve zaterdag!
Welkom thuis in ons atelier
​
​
Bij Beeldhouwatelier Simone van Olst zien we ons atelier niet zomaar als een werkplek; het is ons huis. Een plek waar de geur van steen en de klank van creativiteit samenkomen met de warmte van vriendschap. Hier ontvangen we je graag als een goede vriend, en delen we samen de passie voor steen die ons zoveel moois te bieden heeft. We heten je van harte welkom bij onze familie, en zijn er zeker van dat jouw bezoek een fantastische start van je weekend zal zijn.

Nog vragen? We staan met plezier voor je klaar! WhatsApp ons op 06-28568997 of stuur een e-mail naar [email protected].
0 Opmerkingen

De jaarkaart: Jouw ononderbroken stroom van creativiteit

10/6/2025

1 Opmerking

 
Afbeelding
Bij Beeldhouwatelier Simone van Olst is het iedere dag weer een feest om jullie te verwelkomen. We zien hoe jullie passie voor beeldhouwen groeit, hoe jullie techniek zich verfijnt, en hoe elk nieuw project een stukje van jullie ziel blootlegt. Jullie toewijding inspireert ons elke dag opnieuw.

​
De afgelopen jaren hebben we gemerkt dat velen van jullie een constante stroom van creativiteit zoeken. Niet alleen af en toe een les, maar een vaste plek voor jullie passie in een drukke week. De behoefte aan een naadloze voortzetting, zonder het gedoe van strippenkaarten die aflopen of opnieuw gekocht moeten worden, klonk steeds luider.
​

En daarom, met veel enthousiasme en vanuit een diepgevoelde overtuiging, introduceren wij vandaag iets heel bijzonders: Alex & Simone Unlimited - jouw sleutel tot een heel jaar ononderbroken beeldhouwplezier.
Onze gedachte achter Alex & Simone Unlimited: investeren in jouw creatieve flow

Dit jaar is extra speciaal voor ons. We vieren namelijk ons 10-jarig jubileum op deze fantastische atelier locatie in Leiden! Hoewel we als Beeldhouwatelier Simone van Olst al veel langer bestaan - onze reis begon reizend van atelier naar atelier - heeft deze plek zich in de afgelopen tien jaar ontwikkeld tot een ware thuishaven voor creativiteit. De Alex & Simone Unlimited Jaarkaart is onze manier om dit te vieren en onze diepe verbinding met jullie, onze loyale cursisten, verder te verdiepen. Daarnaast is de Unlimited Jaarkaart een start van een reeks aan bijzondere, verdiepende nieuwe ontwikkeling in ons atelier, die van jou een nog betere beeldhouwer gaan maken! 

De Alex & Simone Unlimited Jaarkaart is meer dan zomaar een abonnement; het is een reflectie van onze filosofie en een investering in jóuw creatieve welzijn. We geloven dat echte creativiteit gedijt bij consistentie en de ruimte om diep te duiken.

Mihaly Csikszentmihalyi, de psycholoog die het concept 'Flow' introduceerde, beschrijft het als die staat van opperste concentratie waarin je volledig opgaat in een activiteit. Tijd verdwijnt, zorgen vervagen, en alleen jij en je creatie bestaan. Deze momenten zijn essentieel voor ons welzijn en onze persoonlijke groei. Met de Jaarkaart willen we precies dát faciliteren:
  • Creëer vrijheid in drukte. In een wereld die steeds sneller gaat, is het een bewuste keuze om tijd te maken voor jezelf en je passie. De Jaarkaart neemt de drempel weg. Je hoeft niet elke keer na te denken over het kopen van een nieuwe kaart; je plek is er, altijd. Dit creëert een rustpunt in je week, een vaste afspraak met je creativiteit.
  • Dieper duiken in je projecten. Grote, complexe ideeën vragen om tijd en consistentie. Met een Jaarkaart kun je ongestoord werken aan langlopende projecten, wetende dat je lessen gegarandeerd zijn. Dit leidt tot een nog rijkere ontwikkeling van je vakmanschap en je artistieke expressie.
  • Word deel van de kernfamilie. Als jaarkaarthouder ben je een onmisbaar onderdeel van de Beeldhouwatelier Simone van Olst familie. Je bent een van de meest betrokken en loyale cursisten, en dat waarderen we enorm.
​Wat omvat jouw exclusieve Alex & Simone Unlimited Jaarkaart?
Met de jaarkaart investeer je in een heel jaar vol artistieke groei en plezier. Dit is wat je krijgt:
​

Jouw kernpakket - De basis voor succes:
  • 60 Lessen beeldhouwen. Ruim voldoende om meerdere projecten te realiseren, je technieken significant te verdiepen en écht te groeien als beeldhouwer.
  • 12 maanden geldigheid. Start flexibel wanneer het jou uitkomt; je kaart is een volledig jaar geldig vanaf je eerste les. Geen stress over vervaldata!
  • Onze aller-scherpste lesprijs: Slechts €24,17 per les! Dit is veruit de meest voordelige manier om bij ons te lessen, perfect voor de toegewijde beeldhouwer.
  • Totale investering: €1450,00 (eenmalige betaling voor een jaar lang onbeperkt voordeel).

Jouw exclusieve VIP-voordelen - omdat jij speciaal bent:
✓ 5% korting op materialen. Bespaar op al je stenen, beitels en andere benodigdheden uit ons atelier. Zo wordt experimenteren nog aantrekkelijker.
✓ 10% korting op speciale workshops & masterclasses. Verbreed je horizon met korting op ons aanvullende aanbod. Duik dieper in specifieke technieken of materialen.
✓ Voorrang bij inschrijving. Wees als eerste verzekerd van een plek bij populaire workshops met beperkte plaatsen. Mis nooit meer een kans om je vaardigheden uit te breiden.
✓ Persoonlijk voortgangsgesprek. Een exclusief 1-op-1 gesprek (30-45 min) met Alex of Simone om jouw ontwikkeling en doelen te bespreken. Jouw groei staat centraal.
✓ Welkomst- & loyaliteitsattentie. Een speciaal gebaar van waardering van ons voor jou, omdat jouw toewijding voor ons zo waardevol is.
✓ "Breng een vriend(in) mee" optie. Deel je passie en laat een vriend(in) eenmalig gratis kennismaken met het atelier tijdens jouw les. Samen creëren is nog leuker!

Altijd inbegrepen bij Beeldhouwatelier Simone van Olst:
✓ Deskundige begeleiding. Continue ondersteuning en advies van de ervaren beeldhouwers Alex Sluimer en Simone van Olst. Zij zijn toegewijd aan jouw persoonlijke groei als kunstenaar.
✓ Professioneel atelier & gereedschap. Vrij gebruik van ons goed uitgeruste atelier en een uitgebreid assortiment professioneel handgereedschap. Alle middelen die je nodig hebt, liggen voor je klaar.
✓ Veiligheid & comfort. Inclusief gebruik van veiligheidsbril, werkschort en handschoenen. Jouw comfort en veiligheid staan voorop.
✓ Inspirerende sfeer. Een warme, ondersteunende en motiverende omgeving om in te creëren, omringd door gelijkgestemde zielen.
Jouw plek in het atelier: lesdagen en tijden
Met de Jaarkaart kies je zelf wanneer jij je creativiteit de vrije loop laat. We bieden flexibele lestijden die passen bij diverse agenda's:
  • Dinsdagavond: 19:30 - 22:00 uur
  • Woensdagavond: 19:30 - 22:00 uur
  • Donderdag, vrijdag & zaterdag:
    • Ochtendsessie: 10:00 - 12:30 uur
    • Middagsessie: 13:30 - 16:00 uur
Meerdere lessen per dag koppelbaar, zodat je lekker de hele dag aan de slag kunt! Ideaal om volledig op te gaan in je project en het maximale uit je bezoek te halen.

Is de Alex & Simone Unlimited Jaarkaart de juiste keuze voor jou?
De Jaarkaart is perfect als je:
  • Een toegewijde beeldhouwer bent (of wilt worden) en regelmatig (gemiddeld 1-2 keer per week) wilt lessen om echt vooruitgang te boeken.
  • Een volledig jaar commitment wilt aangaan om serieus aan je vaardigheden te werken, zonder onderbrekingen.
  • Wilt profiteren van de allerlaagste lesprijs per uur en exclusieve extra voordelen.
  • Je artistieke ontwikkeling een serieuze impuls wilt geven met continue, deskundige begeleiding van Alex & Simone.
  • De rust en de focus van het beeldhouwen een vaste en voordelige plek in je leven wilt geven.
Begeleid door experts: Alex & Simone
Jouw creatieve reis wordt begeleid door Alex en Simone, wier gecombineerde ervaring en passie voor steenbeeldhouwen garant staan voor een leerzame en inspirerende ervaring. Zij zijn toegewijd aan jouw persoonlijke groei als kunstenaar, en met de Jaarkaart krijg je de mogelijkheid om een nog diepere band met hen en hun expertise op te bouwen.

Investeer in jouw passie - Kies voor de Beeldhouwatelier Simone van Olst Jaarkaart!
Dit is jouw kans om een jaar lang volop te beeldhouwen, te leren en te groeien in een stimulerende omgeving, met de beste prijs en de meeste voordelen. Laat dit jubileumjaar het jaar zijn waarin jij jouw creativiteit onbeperkt de vrije loop laat!

Ontdek alle details en schrijf je in op onze speciale Jaarkaart-pagina:
Heb je vragen of wil je overleggen welke optie het beste bij jou past? Neem gerust contact met ons op. We denken graag met je mee.
​

We kijken ernaar uit om jou een heel jaar lang te mogen inspireren en begeleiden in ons prachtige atelier. En wie weet, vieren we dan volgend jaar ons 11e jubileum samen!
Bestel hier je Alex & Simone Unlimited Jaarkaart!
1 Opmerking
<<Vorige

    Simone van Olst

    Beeldhouwer, begeleider kunstenaars, museum lover, organisator culturele projecten, kunstlezingen, schrijver.

    Archief

    Juli 2025
    Juni 2025
    Mei 2025
    April 2025
    Maart 2025
    Februari 2025
    Januari 2025
    December 2024
    November 2024
    September 2024
    Februari 2022
    Januari 2022
    December 2021
    November 2021
    Oktober 2021
    September 2021
    Juni 2021
    December 2020
    November 2020
    Oktober 2020
    September 2020
    Oktober 2019
    Juni 2019
    Oktober 2018
    September 2018
    Juni 2018
    Mei 2018
    December 2016
    November 2016
    Oktober 2016
    September 2016
    Augustus 2016
    Juli 2016
    Juni 2016
    Mei 2016
    April 2016
    Maart 2016
    Februari 2016
    Januari 2016
    December 2015
    November 2015
    Oktober 2015
    September 2015
    Augustus 2015
    April 2015
    Maart 2015
    Januari 2015
    December 2014
    November 2014
    September 2014

    Categorie

    Alles
    Abstractie
    ADHD
    Albast
    Alex Sluimer
    Angst
    Balans
    Beelden
    Beeldhouwatelier Leiden
    Beeldhouwen
    Brein
    Chaos Schriftjes Methode
    Compositie
    Creatief Proces
    Creativiteit
    Denkwerk
    Diepte En Perspectief
    Divergent Denken
    Doe Het Zelf
    Emotionele Inhoud
    Energie
    Exposities
    Genieten
    Healing
    Hygge
    Innerlijke Rust
    Innovatie
    Inspiratie
    Kristal
    Kunst Leiden
    Kunstroute
    Lagom
    Leidse Kunstroute
    Marmer
    Mentale Rust
    Mindset
    Narratief
    Negatieve Ruimte
    Overvloed
    Persoonlijke Groei
    Persoonlijke Ontwikkeling
    Productieviteits Druk
    Productiviteit
    Psycologie
    Rust
    SamStone
    Schilderkunst
    Sculptuur
    Simone Van Olst
    Slaap
    Slapen
    Speksteen
    Steenbeeldhouwen
    Tentoonstelling
    Textuur
    Veerkracht
    Vertouwen
    Waxinelichtje
    Workshop
    Zelfliefde

    RSS-feed

Neem contact op of kom langs:


Foto

atelier

Kenauweg 17a
2331 BA Leiden
Openingstijden

Telefoon & WhatsApp

06-285 68 997

E-mail

[email protected]

KVK nummer: 57186820
Btw identificatienummer: NL001980586B04