SIMONE VAN OLST
  • Home
  • Beelden
    • Beelden 1
    • Beelden 2
    • Beelden 3
    • Exposities
    • Werk in opdracht
  • Workshops
    • Bedrijfsworkshop
    • Studenten
    • Lezingen met workshop >
      • Masterclass: Schets naar Beeld
      • Masterclass: Chaos Schriftje methode
      • In de voetsporen van Henry Moore
      • Metamorfose volgens Arp
      • De natuur volgens Barbara Hepworth
      • Revolutie in Vorm
    • Groepsworkshops
    • Thematische verdiepingsworkshops >
      • Masterclass: Botanisch beeldhouwen 5 dgn
      • Masterclass: Anatomische torso 5 dgn
      • Natuurlijke vormen
      • Organische vormen
      • Torso uit ruwe vorm
      • Uit je Bolletje
      • Schaal maken
      • Vogel maken
      • Beeldhouwen tijdens Kerst
    • Wiskundige verdiepingsworkshop >
      • Masterclass: Drieknoop (Lemniscaat)
      • Binnenstebuiten: Dubbele Hol & Bol
      • Dubbele Lemniscaat
      • Modulelessen: Verdieping
      • Möbiusband één draai
      • Möbiusband vier draai
      • Open Olöide
    • Boek jouw creatieve zaterdag
  • Cursussen
    • Informatie cursussen >
      • Kies jouw strippenkaart!
      • Boek jouw proefles!
    • Ontdek Alex & Simone Unlimited
    • Mastermind: Masters in Steen
    • Winteracademie
    • Zomeracademie
  • Agenda
  • Blogs
  • Boeken
    • Natuur beeldhouwen in steen
    • De kunst van anatomisch beeldhouwen
    • Ontdek: Schets naar Beeld
  • Webshop
    • Cadeaubon
  • Contact
    • Projecten >
      • Publicaties
    • Inspiratienieuws
    • Over ons >
      • Openingstijden
      • Vakantieschema
      • Vacatures
      • ​Beeldhouwwerk voor film, TV en producties
      • Groendecorateurs
    • Veel gestelde vragen
    • Winkel, materialen & service
    • Algemene voorwaarden >
      • Privacyverklaring
      • Cookieverklaring

De visuele hiërarchie: hoe het brein de steen 'scant'

13/5/2026

0 Opmerkingen

 
Stel je voor: een bezoeker stapt ons zonovergoten atelier aan de Kenauweg in Leiden binnen en bevriest plotseling voor een beeld van transparant albast. De buitenwereld vervaagt, de ademhaling stokt even. Wat gebeurt daar op dat magische snijvlak tussen materie en geest? Hoewel jij als maker misschien midden in de fysieke strijd met de steen zit, vindt de werkelijke voltooiing van je kunstwerk pas plaats in de hersenen van de toeschouwer. Je bent namelijk niet alleen marmer aan het bewerken; je bent een neurologische ervaring aan het componeren.

In deze blog duiken we diep in de fascinerende wereld van de neuro-esthetiek. We ontdekken hoe je de cognitieve psychologie kunt inzetten als je krachtigste instrument om de kijker niet alleen te laten kijken, maar ook echt te laten voelen.
De visuele hiërarchie: het brein als actieve scanner
​Wanneer iemand voor jouw beeld gaat staan, start er een razendsnel proces. Het brein fungeert niet als een passieve camera, maar als een actieve scanner die prioriteiten stelt via de ventrale stroom (de 'wat'-route) en de dorsale stroom (de 'waar/hoe'-route).
​

In de eerste fractie van een seconde zoekt onze grijze massa naar herkenning. Evolutionair zijn we geprogrammeerd om menselijke vormen en gezichten te spotten. Daarom hebben de 'baguettes' van de spieren en de 'croissants' van de heupen zo'n enorme impact; de fusiform gyrus in ons brein herkent deze archetypische structuren onmiddellijk. Jij hebt de regie: door een specifieke lijn scherper aan te zetten, geef je de kijker een 'ingang'. Waar jij de meeste definitie aanbrengt, dwing je de blik om te beginnen.
torso licht schets focus beeldhouwen
Meevoelen met de steen: de magie van spiegelneuronen
Een van de meest spectaculaire ontdekkingen is de werking van spiegelneuronen. Wanneer we een beweging zien, vuren onze neuronen alsof we die beweging zelf maken. In de beeldhouwkunst noemen we dit 
embodied simulation.

Kijkt iemand naar een torso met een dynamische torsie? Dan voelt diegene de spanning letterlijk in de eigen rugspieren! Of je nu kiest voor een asymmetrische compositie of een diepe plooi bij de 'rookworst' van de navel, je wekt een fysieke sensatie op. De afwerking bepaalt de intensiteit: een gepolijste huid in albast roept sereniteit op, terwijl een ruw bewerkt vlak de kijker de kracht en de inspanning van het hakken laat meebeleven. De toeschouwer beeldhouwt in gedachten met je mee.
details steenbeeldhouwen handschoen
Neuro-esthetiek: de dans tussen orde en mysterie
Waarom ervaren we sommige beelden als 'belonend'? De neurobiologie laat zien dat symmetrie en contrast ons beloningscentrum (
nucleus accumbens) activeren. Maar pas op: té veel orde wordt saai.

Echte 'esthetische arrest' ontstaat bij inherent ambiguity. Ons brein houdt ervan geprikkeld te worden door zaken die het niet direct kan plaatsen. Een onverwachte textuur of een bewuste inconsistentie vormt een cognitieve puzzel die de kijker dwingt langer te blijven stilstaan. Een perfect, glad beeld is een gesloten boek; een beeld met een mysterie is een open dialoog die de emotionele impact verdiept.
De psychologie van presentatie en licht
De context waarin je je werk plaatst, verandert de neurologische verwerking fundamenteel. Dit is het 
priming effect. Een hoog statief dwingt ontzag af, terwijl een beeld op een ruwe werkbank uitnodigt tot een informele, tactiele interactie.

Licht is hierbij je beste vriend, zeker bij albast. Onze hersenen herkennen volume door schaduwwerking (chiaroscuro). Gebruik strijklicht om de dieptewerking van de 'croissants' en 'mandarijnpartjes' in de anatomie te versterken. De transparantie van de steen zorgt bovendien voor subsurface scattering, waarbij licht de steen binnendringt en weer naar buiten gloeit. Deze 'aura' associeert ons brein onbewust met leven en bezieling; het is alsof het beeld een eigen vitaliteit bezit.
Strategische afwerking: bespeel de toeschouwer
Met deze wetenschappelijke inzichten in je achterhoofd kun je je afwerking tot in de puntjes perfectioneren:
  • Tactiele verleiding. Polijst de delen waar je wilt dat de kijker de zachtheid mentaal 'voelt'. Glans trekt de aandacht naar de diepte van de steen.
  • Visuele rustpunten. Laat secundaire delen ruwer of matter. Het brein filtert deze gebieden, waardoor de focus volledig op je kernpunt komt te liggen.
  • De kracht van drie. Ons brein is dol op oneven aantallen. Drie groeven of vlakken zorgen voor een dynamischer scanpad dan een symmetrisch tweetal.
beeldhouwen in de zon steen
De maker als dirigent
Beeldhouwen is in essentie de psychologie van de ander bespelen. Je gebruikt marmer en albast om neurale paden te activeren en emotionele resonantie op te wekken. Aan de Kenauweg leren we je niet alleen hoe je de beitel vasthoudt, maar ook hoe je de waarneming dirigeert.

Zodra je beseft dat jouw werk pas echt tot leven komt in de geest van de toeschouwer, krijgt elke slag een nieuwe betekenis. Gebruik de kracht van spiegelneuronen en de beloningssystemen van het brein om je werk boven de middelmaat uit te tillen. Zoals we in het atelier vaak zeggen: de steen spreekt, maar jij zorgt ervoor dat de toeschouwer hem werkelijk kan horen!
0 Opmerkingen

Waarom herhaling verdieping brengt: de kracht van de drieknoop

12/5/2026

0 Opmerkingen

 
In ons atelier aan de Kenauweg in Leiden zie ik het keer op keer: de cursist die met ingehouden adem en opperste concentratie werkt aan die ene, eerste perfecte torso. Elke slag is beladen met de angst om het 'fout' te doen. Er heerst een soort heilig ontzag voor de steen, alsof dit het enige blok marmer op aarde is en het resultaat direct in het Rijksmuseum moet komen te staan. Ik loop dan naar ze toe, leg mijn hand op hun schouder en zeg: "Maak je niet druk, sla er maar een gat in. Je volgende wordt toch beter."

Dat klinkt misschien cru, maar het is de diepste waarheid van ons vak. In deze blog gaan we het hebben over de motor van het meesterschap: de kracht van de herhaling. We gaan ontdekken waarom je niet in één keer de perfecte lemniscaat kunt maken, waarom 'fouten' je beste leermeesters zijn en hoe het herhalen van een vorm ervoor zorgt dat de techniek in je cellen wordt geprogrammeerd. Beeldhouwen is namelijk geen intellectuele exercitie; het is een fysieke dialoog die je moet trainen, net als zwemmen, fietsen of het spreken van een nieuwe taal.
Waarom herhaling je bevrijdt
De allergrootste blokkade voor groei is de jacht op perfectie bij je eerste poging. Laten we die druk er direct afhalen. Je eerste torso zal niet perfect zijn. Je eerste drieknoop zal waarschijnlijk ergens een onlogische kronkel hebben. En weet je wat? Dat is fantastisch. Want die eerste versie is niet je eindstation; het is je verkenningstocht.
De biologie van de beitel
Beeldhouwen is een ambacht dat in je lijf moet gaan zitten. Denk eens terug aan toen je leerde fietsen. Je kon in een boek lezen over evenwicht en trappen, maar pas toen je duizend keer bijna omviel, begrepen je spieren wat ze moesten doen. Je hersenen moesten nieuwe verbindingen maken tussen je evenwichtsorgaan en je benen.

In het atelier werkt dit precies zo. Je kunt theoretisch weten hoe je de 'croissant' van de heup moet hakken, maar je hand moet de weerstand van het marmer duizend keer hebben gevoeld voordat de slagkracht van je hamer automatisch wordt. Herhaling zorgt voor 'spiergeheugen'. Wanneer je voor de vijfde keer aan dezelfde vorm begint, hoef je niet meer na te denken over de techniek; je handen weten de weg. De techniek is dan ingeprogrammeerd in je systeem, waardoor er ruimte in je hoofd ontstaat voor de échte creativiteit.
drieknoop steen sculptuur af
drieknoop uit steen beeldhouwen
Waarom de tweede keer pas de diepte begint
De eerste keer dat je een ingewikkelde vorm maakt, ben je aan het overleven. Je bent bezig met de veiligheid van de steen, met de hoek van de beitel, met het niet verliezen van de weg in de massa. Je bent een toerist in een vreemde stad met een kaart in je hand; je ziet de omgeving niet omdat je alleen maar naar de straatnamen kijkt.
​

De tweede, derde en vierde keer dat je diezelfde vorm maakt, ken je de weg. Je herkent de herkenbare punten, de 'baguettes' van de rug en de 'mandarijnpartjes' van de borst. Nu pas kun je gaan letten op de subtiele nuances. Nu pas zie je hoe het licht net anders valt als je de curve een fractie scherper maakt. Herhaling brengt verdieping omdat het de angst wegneemt. Je weet dat je het kunt, dus durf je nu te experimenteren. Je durft de grenzen van de steen op te zoeken omdat je de basis beheerst.
De schoonheid van de 'fout'
In mijn lessen hanteer ik liever niet de term fout, maar spreek ik liever van een onverwacht resultaat dat de weg vrijmaakt voor echte groei. Wanneer er onverhoopt een hoek te diep wordt ingehakt of een stukje van een neus afbreekt, is de eerste reflex vaak frustratie, terwijl zo’n moment juist een reden is voor een klein feestje. Een afgebroken schilfer marmer leert je namelijk op slag meer over de interne kristalspanning dan een uur aan theoretische uitleg ooit zou kunnen doen. Deze onvoorziene wendingen dwingen je om het veilige, oorspronkelijke ontwerp los te laten, te gaan improviseren en oplossingen te verzinnen die het uiteindelijke beeld vaak vele malen spannender maken.

Dit bleek onlangs nog toen Alex me vertelde over een cursist die volledig ontdaan was omdat de lus van zijn drieknoop was afgebroken. Mijn reactie was direct: dit is het beste wat hem had kunnen overkomen. Nu wordt hij immers uitgedaagd om de interne structuur van de steen werkelijk te doorgronden en de vorm zo aan te passen dat er een nieuwe, krachtige eenheid ontstaat. De volgende keer dat hij een steen oppakt, zal hij dat doen met een dieper respect en een scherper inzicht. Zo vormen de fouten van vandaag de onmisbare fundamenten voor het vakmanschap van morgen.
De drieknoop als leermeester
Neem de drieknoop. Dat is een vorm die je dwingt tot herhaling. De eerste keer dat je die probeert te doorgronden, raak je gegarandeerd de weg kwijt. Je hakt aan de voorkant een tunnel en ontdekt aan de achterkant dat je nergens uitkomt. Is dat erg? Nee! Je hebt zojuist een enorme sprong gemaakt in je ruimtelijk inzicht.
​

Je hersenen hebben geprobeerd de 3D-puzzel op te lossen en zijn gestuit op een grens. Door die vorm opnieuw te starten, ga je patronen herkennen. Je begint te begrijpen hoe de negatieve ruimte de massa dicteert. Bij je derde of vierde knoop zie je de vorm al in de ruwe steen zitten voordat je de eerste slag geeft. Dat is de beloning van de herhaling: de chaos in je hoofd wordt orde in de steen.
Durf in het diepe te springen
Ik wil je motiveren om de veilige weg te verlaten. Volg bijvoorbeeld eens de drieknoop masterclass! Het is ontzettend lekker om in iets nieuws te duiken, in een vorm die je nog niet beheerst. Ja, het is oncomfortabel. Ja, je zult je onhandig voelen. Maar dat is precies de plek waar de magie gebeurt. Als je alleen maar doet wat je al kunt, word je een ambachtsman die kunstjes herhaalt. Als je durft te falen in een nieuwe vorm, word je een kunstenaar.
​

Beeldhouwen is een proces van ontdekken. Wees nieuwsgierig naar je eigen 'foutjes'. Analyseer ze in je 'chaos schriftje'. Waarom ging het daar mis? Was ik te gehaast? Was mijn beitelbot? Of begreep ik de anatomie niet goed? Door dit te doen, programmeer je de verbetering in je systeem. Je volgende beeld zal niet alleen beter zijn; het zal krachtiger zijn, omdat de lessen van de vorige steen erin verankerd zitten.
De vreugde van de progressie
Er is geen grotere kick in ons atelier aan de Kenauweg dan het moment dat je je derde of vierde beeld van hetzelfde onderwerp naast je eerste zet. De groei is dan vaak zo spectaculair dat je het zelf nauwelijks kunt geloven. Je ziet hoe de lijnen zelfverzekerder zijn geworden, hoe de volumes beter kloppen en hoe je de steen durft uit te dagen.
​

Dat is waarom wij in het atelier ook altijd zeggen: bewaar je eerste probeersels. Gooi ze niet weg. Ze zijn de getuigen van je moed om te leren. Ze laten zien dat je bent gaan 'zwemmen' in de materie zonder te weten of je de overkant zou halen.
Herhaal, leer en blink uit
Beeldhouwen is een levenslange studie. Alex en ik leren na 25 jaar ook nog elke dag bij. Wij herhalen ook patronen, we maken ook nog steeds 'fouten' en we duiken ook nog steeds in nieuwe stenen die ons uitdagen. De kracht van herhaling is dat het je de techniek geeft om je eigen stem te vinden.

Dus, wees niet bang voor die tweede of derde torso. Omhels de herhaling. Zie het niet als 'hetzelfde doen', maar als 'hetzelfde beter doen'. Laat je passie de motor zijn en je discipline de beitel. Elke slag die je herhaalt, brengt je dichter bij de essentie van de vorm en bij je eigen meesterschap.
​

Kom naar de Kenauweg, pak die nieuwe steen en begin opnieuw. En opnieuw. En opnieuw. Totdat de steen niet meer voelt als een obstakel, maar als een verlengstuk van je eigen ziel. De weg naar de perfecte vorm loopt door een dal van duizend herhalingen, en geloof me: het uitzicht op de top is elke slag meer dan waard!
0 Opmerkingen

De glazen tuin van Cartier: waar de vorm altijd in beweging Is

11/5/2026

0 Opmerkingen

 
Na die prachtige vrijdag in de Marais, was onze zaterdag in Parijs gereserveerd voor de Fondation Cartier pour l'art contemporain. Deze plek is voor ons als beeldhouwers een constante bron van fascinatie, niet alleen om wat er binnen de muren te zien is, maar vooral om hoe de kunst daar "ademt".
Het wonder van Jean Nouvel: een gebouw dat danst
Voordat je überhaupt een stap binnen zet, word je al gegrepen door het bijzondere gebouw aan de Boulevard Raspail. Architect Jean Nouvel heeft hier iets unieks neergezet: een constructie van glas en staal die bijna lijkt op te lossen in de omliggende tuin. Voor ons, die elke dag met de massieve zwaarte van steen werken, is die transparantie een prachtig contrast.
​

Wat dit gebouw voor een curator — en voor ons als toeschouwers — zo spectaculair maakt, is dat het meebeweegt. Nouvel heeft het zo ontworpen dat de vloeren van hoogte kunnen wisselen. De ruimte is dus nooit statisch; het gebouw past zich aan de kunstwerken aan in plaats van andersom. Dat geeft een gevoel van enorme vrijheid en dynamiek, alsof de architectuur zelf een levend organisme is.
cartier museum
cartier museum expositie
De scenografische geschiedenis van een koopmanspaleis
De huidige tentoonstelling, Exposition Générale, ontleent haar naam aan een fascinerende geschiedenis die teruggaat tot het einde van de 19e eeuw. De expositie eert de traditie van het warenhuis Grands Magasins du Louvre, gevestigd in het Haussmann-gebouw dat ooit werd gebouwd voor de allereerste Wereldtentoonstelling in 1855. Door de jaren heen heeft dit bouwwerk zich voortdurend opnieuw uitgevonden: van een luxueus Grand Hotel naar een "koopmanspaleis" waar men handelswaar bezocht zoals men een museum bezoekt. Deze evolutie weerspiegelt een ware scenografische geschiedenis; de transformatie van commerciële zalen naar het latere Louvre des Antiquaires creëerde een aaneengesloten reeks vitrines die bijdroegen aan de democratisering van kunst en cultuur. Het is een geschiedenis van het samenbrengen van objecten uit alle lagen van de bevolking, een filosofie van verzamelen die vandaag de dag nog steeds de kern vormt van de Fondation Cartier.
Exposition Générale: een dialoog door de tijd
In deze context is de expositie opnieuw 'gecomponeerd' door de befaamde curator Jean de Loisy. In plaats van een chronologische volgorde, is er gekozen voor een thematische en bijna poëtische ordening. Wat deze expositie zo diepgaand maakt, is de dialoog tussen kunstwerken die op het eerste gezicht niets met elkaar te maken hebben, maar door hun plaatsing in de ruimte een nieuw verhaal vertellen. Voor een neurodivers brein is deze opzet een zintuiglijke ontdekkingstocht; de tentoonstelling vraagt niet om een lineaire route, maar nodigt uit tot dwalen en het leggen van eigen, creatieve verbanden tussen de getoonde objecten.

Het ruimtelijke ontwerp, bedacht door de innovatieve studio Formafantasma, brengt deze historische dimensie op een hypermoderne manier tot leven. Hun installatie maakt het "tentoonstellingsapparaat" zichtbaar en herinterpreteert de experimentele sfeer van de vroege commerciële evenementen. Formafantasma ontwierp een driedimensionale structuur die slim inspeelt op de dynamische architectuur van Nouvel, waarbij optimaal gebruik wordt gemaakt van de wisselende hoogtes en zichtlijnen. Met modulaire textielconstructies op aluminium profielen worden bezoekers langs de kunstwerken geleid, wat de verbinding tussen het historische erfgoed en de moderne architectuur op een bijna tastbare manier herstelt.
The Living Museum of Fashion: mode als sculptuur
Wat onze zaterdagmiddag echt onvergetelijk maakte, was de performance van Olivier Saillard: The Living Museum of Fashion. Het was werkelijk een van de meest indrukwekkende momenten van ons bezoek. De kledingstukken werden niet alleen gedragen, ze werden gepresenteerd als kostbare artefacten. Soms hielden de modellen een vintage japon voor zich uit alsof het een schild was, of bewogen ze hun armen op een manier die de specifieke snit en de zwaarte van de stof accentueerde. Deze verstilde omgang met materiaal raakte ons diep; het deed ons denken aan de tederheid en precisie waarmee wij een pas gepolijst marmeren beeld aanraken.
The Living Museum of Fashion mode expositie
Waarom dit ons raakt als beeldhouwers
De Fondation Cartier herinnert ons eraan dat kunst een dialoog is. Of het nu gaat om de flexibele vloeren van Nouvel, de gewaagde keuzes van De Loisy of de manier waarop Saillard mode tot een performance maakt: alles draait om durven vervormen en het zoeken naar een nieuwe taal. Het daagt ons uit om in het atelier in Leiden niet alleen te denken in het blok steen voor ons, maar ook in de ruimte en de beweging daaromheen.

Het bezoek aan de Fondation Cartier voelde als een artistieke adempauze, een plek waar de tijd even vloeibaar werd tussen het glas van Nouvel en de geschiedenis van het gebouw. Als je, net als wij, leeft voor de hartslag van moderne en hedendaagse kunst, dan is dit een bedevaartsoord dat je simpelweg niet mag overslaan. Het is een plek die je niet alleen bezoekt, maar die je ondergaat; een herinnering aan het feit dat kunst altijd in beweging is, altijd bevraagt en altijd de ruimte opeist die het verdient. Of je nu kiest voor de verstilde dynamiek aan de Boulevard Raspail of een van de andere indrukwekkende vestigingen wereldwijd bezoekt, de Fondation Cartier laat een vonk achter in je creatieve geest die nog lang na het verlaten van de glazen tuin blijft gloeien.
Over de Fondation Cartier
De Fondation Cartier is een pionier op het gebied van kunstmecenaat. Naast het iconische gebouw van Jean Nouvel in het 14e arrondissement van Parijs, breidt de stichting haar horizon voortdurend uit. Zo is er de indrukwekkende samenwerking met het Triennale Milano in Italië en zijn er regelmatig pop-up exposities en samenwerkingen in steden als Seoul en Shanghai. Elk van deze locaties deelt diezelfde filosofie: het bieden van een vrijplaats voor kunstenaars om te experimenteren buiten de gebaande paden van de traditionele museumwereld.
0 Opmerkingen

Kijken door de ogen van Picasso: van aardetinten tot ruimtelijke revolutie

6/5/2026

0 Opmerkingen

 
Op de vrijdag in Parijs strijken we neer in de Marais. Tussen de smalle straatjes en verborgen binnentuinen ligt het Hôtel Salé, een zeventiende-eeuws stadspaleis dat nu de thuisbasis is van de grootste collectie Picasso’s ter wereld. Het Musée Picasso is voor mij een plek van rust, maar ook van een enorme, bijna chaotische creatieve ontlading. Het is de plek waar je ziet hoe één man een heel tijdperk aan kunstgeschiedenis naar zijn hand zette.
De tastbare revolutie: het ruimtelijke werk
Wanneer we het over Picasso hebben, denken we vaak direct aan Guernica of de kubistische portretten. Maar als beeldhouwer in hart en nieren trekken zijn sculpturen mij misschien wel het meest aan. Picasso benaderde beeldhouwkunst niet zoals de klassieke meesters die een blok marmer te lijf gingen tot er een figuur verscheen. Hij assembleerde, hij speelde en hij daagde de materie uit.

Voor ons als beeldhouwers is Picasso’s werk een bron van bevrijding, vooral door zijn revolutionaire kijk op vervorming en assemblage. Picasso leerde ons dat een beeld niet hoeft voort te komen uit een massief blok, maar dat je de ruimte kunt "tekenen" met materiaal. Zijn assemblages — waarbij hij alledaagse objecten zoals een stuur, een spijker of een houten plank combineerde — braken de wetten van de klassieke beeldhouwkunst open. Hij liet zien dat de essentie van een vorm, zoals de ronding van een rug of de kracht van een stier, sterker overkomt door vervorming dan door een letterlijke kopie van de natuur.

Door proporties uit te rekken of vlakken te verschuiven, legde hij de innerlijke dynamiek van een lichaam bloot. In ons atelier herinnert dit ons eraan dat we de steen niet alleen moeten volgen, maar dat we de vorm mogen dwingen om een verhaal te vertellen dat verder gaat dan wat het oog direct ziet. Het daagt ons uit om buiten de gebaande paden van de anatomie te treden en de expressie van de materie te laten spreken, of dat nu in abstractie is of in de rauwe assemblage van losse ideeën.
Van de eerste lijn tot het doek: de schetsen en schilderijen
Het mooie aan dit specifieke museum is dat het de persoonlijke nalatenschap van Picasso is. Hij bewaarde alles. Dat betekent dat we niet alleen naar de voltooide meesterwerken kijken, maar ook naar de duizenden schetsen en voorstudies die eraan voorafgingen.

De schetsen zijn voor mij de plek waar je zijn neurodiverse brein bijna voelt flitsen. Je ziet de snelheid, de herhaling, het obsessief zoeken naar de juiste lijn. In een eenvoudige potloodtekening zie je vaak meer van de meester dan in een groot olieverfschilderij. Het is de essentie, de pure beweging van de hand. In boeken zoals Het succes en de mislukking van Picasso van John Berger wordt die enorme dadendrang prachtig geanalyseerd. Berger beschrijft hoe Picasso’s werk een voortdurende dialoog is met de geschiedenis en met zichzelf.
De volledige breedte
Het Musée Picasso laat zijn leven zien door middel van verschillende diepgaande periodes. 
De Blauwe Periode vormt een van de meest melancholische hoofdstukken uit zijn oeuvre. Tussen 1901 en 1904 hulde Picasso zijn wereld in koude, monochrome tinten blauw en blauwgroen, diep beïnvloed door de zelfmoord van zijn goede vriend Carlos Casagemas. Het is een periode van verstilling en zwaarte, waarin hij de schaduwkant van het leven — armoede, eenzaamheid en ouderdom — op een bijna verstikkende manier tastbaar maakte. De figuren zijn uitgerekt en breekbaar, wat een enorme emotionele diepgang geeft die je in het museum echt naar de keel grijpt.

Kort daarna vloeide zijn werk over in de Roze Periode, waarin de kou van het blauw plaatsmaakte voor warmere tinten zoals terracotta, roze en zachte roodtinten. Deze verschuiving werd mede ingegeven door zijn relatie met Fernande Olivier en zijn fascinatie voor de wereld van het circus en de komedianten. Hoewel de personages nog steeds een zekere gereserveerdheid uitstralen, voelt het werk lichter en menselijker aan. Het is de fase waarin hij de lijnvoering begon te verzachten, nog voordat hij de hele visuele wereld rigoureus zou gaan afbreken.

Het kubisme is misschien wel de meest radicale breuk met de traditie die de kunstgeschiedenis kent. Picasso begon de werkelijkheid te ontleden in geometrische vormen en verschillende perspectieven tegelijkertijd te tonen. In het museum zie je prachtig hoe hij de driedimensionale wereld plat sloeg op het doek, om vervolgens vanuit elke hoek naar een gezicht of een object te kijken. Het is een intellectuele uitdaging die de kijker dwingt om niet alleen te kijken, maar de beelden in het hoofd opnieuw te construeren. Het breekt met de illusie van diepte en geeft ons een nieuwe, gefragmenteerde waarheid.
Van een rustig palet naar kinderlijke verwondering
Hoewel velen Picasso associëren met felle, bijna primaire kleuren, is er een cruciale fase waarin hij juist koos voor aardetinten en een zeer beperkt palet. Dit gebeurde vooral tijdens het analytisch kubisme, rond 1910-1912. Hij gebruikte toen bewust oker, bruin, grijs en zwarte tinten om de kijker niet af te leiden met emotionele kleuren. De focus moest volledig liggen op de structuur, de vorm en het volume van het object. Door te werken in deze aardse kleuren kon hij de diepte en de onderlinge relatie tussen vlakken veel scherper analyseren. Het was een bijna wetenschappelijke benadering van kunst, waarbij de kleur ondergeschikt werd gemaakt aan de architectuur van het beeld.

schilderijen kleur picasso
In zijn latere jaren zie je een explosie van snelheid en schijnbare eenvoud. Picasso had op dat moment niets meer te bewijzen en schilderde met een bijna kinderlijke drift en directheid. Deze werken worden vaak gekenmerkt door dikke verflagen en een enorme energie, waarbij hij soms meerdere doeken op een dag voltooide. Het is de ultieme uiting van een geest die tot het allerlaatste moment weigerde stil te staan. De trefzekerheid waarmee hij met slechts een paar lijnen een heel karakter neerzette, is een bewijs van de ongekende ervaring die hij in tachtig jaar had opgebouwd.
​

De rust van het museum vormt een prachtig contrast met de dynamiek van de kunst. Je kunt er uren dwalen zonder de hectiek van het Louvre of Orsay. Het nodigt uit om zelf je schetsboek te pakken en de lijnen die hij ooit zette, met je eigen ogen en hand te volgen.
0 Opmerkingen

De fundering van de vorm: de benedenverdieping van Musée d’Orsay

5/5/2026

0 Opmerkingen

 
Na de lichtvoetige droomwereld van de impressionisten boven, voelt het afdalen naar de begane grond van d’Orsay bijna als thuiskomen. Hier, in de monumentale centrale hal van het oude station, staan we met onze voeten weer stevig in de klei en het marmer. Waar de bovenverdieping gaat over de vluchtigheid van het licht, gaat de benedenverdieping over de onverbiddelijke wetten van massa, anatomie en vakmanschap. Voor Alex en mij, Simone van Olst, is dit het echte laboratorium van de beeldhouwkunst.
stenen beeld zij vrouw torso
De centrale hal: een parade van spieren en emotie
Als je de enorme middenas van het museum oploopt, word je omringd door beelden die schreeuwen om aandacht. Wat ik zo fantastisch vind aan de opstelling hier, is dat je letterlijk om de sculpturen heen kunt dansen. Je ziet de rug partijen, de verborgen steunpunten en de manier waarop een beeldhouwer de kijker verleidt om te blijven lopen.

Een absoluut hoogtepunt beneden is Jean-Baptiste Carpeaux. Zijn groeps-sculptuur 'De Dans' is een explosie van expertise. Je ziet de lichamen bijna ademen; de spieropbouw is zo perfect dat het bijna intimiderend is. Als klein meisje droomde ik bij Degas van de tutu’s, maar hier beneden zie ik de rauwe werkelijkheid van het vak: hoe dwing je een onverzettelijk blok steen om de vrolijkheid en de souplesse van een sprong te imiteren? Het is academisch, ja, maar met een vurigheid die de steen bijna vloeibaar maakt.
De taal van het lichaam: meer dan alleen spieren
Terwijl de massa toeristen vluchtig langs de beelden loopt voor een snelle foto, sta ik er letterlijk met mijn neus bovenop. Voor een buitenstaander lijkt het misschien obsessief, maar voor mij is dit pure research. Ik scan de spieraanhechtingen, de draaiing van de wervelkolom en de manier waarop het gewicht van een lichaam rust op één standbeen.

Ik zoek naar de psychologie achter de pose en kijk met name naar de contraposto — de manier waarop een beeld zijn gewicht verplaatst. Ik zie hoe de hele keten van spieren en gewrichten daarop reageert; hoe de heup kantelt en de schouderlijn daarop anticipeert. In mijn Anatomische torso masterclass leer ik cursisten dat een lichaam nooit echt 'stil' staat; er is altijd een interne dynamiek. Hier in d’Orsay zie ik die dynamiek in marmer gevangen op een monumentale schaal. Het is de essentie van wat ik overdraag: begrijpen hoe een menselijke vorm transformeert zodra er beweging in komt.
beeld vrouw torso zij
sculptuur zij arm buik borst man
Onderhuidse spanning en de 'baguette'
Wat me ook fascineert, is de materialiteit. D’Orsay toont soms gipsen originelen naast marmeren versies. In het gips zie je de 'eerlijke' fase; de vingerafdrukken en de zoektocht van de maker zijn nog voelbaar. Ik kijk daar naar de onderhuidse spanning, de fascia en hoe vetweefsel reageert op de zwaartekracht.
​

Zelfs in deze klassieke meesterwerken herken ik de vormen waar ik in mijn eigen lessen mee werk om de anatomie begrijpelijk te maken. Ik zie de sterke, staande buikspieren die ik de baguette noem, en de zachte welvingen rond de navel, mijn rookworstje. De beeldhouwers van d’Orsay begrepen dat schoonheid niet zit in een steriele anatomische atlas, maar in de herkenbaarheid van het echte, levende lijf. Die expertise — het zien van het detail binnen het grote geheel — stelt me in staat om aan de Kenauweg nog preciezer aan te wijzen waar de vorm moet vloeien.
Het realisme van courbet: de rauwe waarheid
Aan de zijkanten van de hal vind je de zalen van Gustave Courbet. Als je praat over 'niet naar de mond praten', dan heb je het over Courbet. Zijn gigantische doeken brachten het gewone, ploeterende leven op een schaal die voorheen alleen was weggelegd voor goden. Die rauwe, ongezouten eerlijkheid spreekt ons enorm aan. Het is niet altijd 'mooi', maar het is wel waar. Dat is precies de diepgang die we in onze eigen beelden ook zoeken: het mag schuren, als het maar echt is.
De kunst van het weglaten: rust in je inspiratie
D’Orsay is simpelweg te veel voor één dag. Door het museum rigoureus in stukken op te delen, hebben we de inspiratie niet alleen bekeken, maar echt kunnen opslaan. Het selecteren van een paar specifieke werken in plaats van alles te willen zien, doet iets met je mentale rust; het haalt de 'moetjes' eraf en maakt de weg vrij voor echte verwondering. In plaats van een vluchtige indruk van duizend beelden, ga ik nu naar huis met de diepe herinnering aan die ene specifieke spiergroep of die bijzondere draaiing in het marmer.

Die focus wordt nog sterker wanneer je de tijd neemt om te gaan zitten met een schetsboek. Tekenen in een museum dwingt je om nog trager te kijken. Je volgt met je potlood de lijn die de beeldhouwer honderd jaar geleden met zijn beitel heeft uitgezet. Het is de ultieme manier om de expertise van de meesters in je eigen vingers te krijgen. Je voelt de verhoudingen en de massa pas echt als je ze probeert te vertalen naar papier.

beeld man rug torso spieren
We verlieten het museum terwijl de Parijse regen nog steeds op de kasseien kletterde, maar we waren gelukzalig verzadigd. Onze hoofden zaten niet 'vol' in de zin van moeheid, maar vol met bruikbare lijnen, volumes en het besef dat vakmanschap van alle tijden is. Voor ons is d'Orsay geen plek om af te vinken, maar een kompas dat ons weer scherp stelt op onze missie in het atelier: de diepte in gaan, altijd.
0 Opmerkingen

Dansen met het licht: een overlevingsgids voor Musée d’Orsay

4/5/2026

0 Opmerkingen

 
Onze vrijdag in Parijs begon zoals de donderdag eindigde: met een onvermoeibare regen die tegen de ramen van de stad kletterde. De perfecte dag dus om ons onder te dompelen in een van de meest iconische gebouwen van de stad: Musée d’Orsay. Voor een beeldhouwer is d’Orsay zowel een droom als een uitdaging. De enorme schaal van het voormalige treinstation uit 1900 is adembenemend, maar de collectie is zo overweldigend dat je het risico loopt om met 'museum-moeheid' naar buiten te komen.
De kunst van het selecteren: hoe houd je het behapbaar?
Normaal ben ik geen fan van grote musea. Je wordt vaak overspoeld met werk, waardoor je brein op een gegeven moment stopt met het echt zien. De details vervagen en je neemt naar mijn mening minder op. Dit heeft te maken met een 'overload' aan visuele prikkels; je inspiratiebron raakt simpelweg verstopt.
​

Om dit behapbaar te houden, maken Alex en ik bewuste keuzes. Op mijn Instagram (@simonevanolstofficial) zag je al dat we het museum over twee reels hebben verdeeld. Dat doen we niet alleen voor de volgers, maar ook voor onszelf: het dwingt ons om te filteren. Mijn tip voor grote musea? Kies één of twee stromingen of verdiepingen en negeer de rest. Ga niet voor de kwantiteit, maar voor de kwaliteit van de verbinding met een werk.
Edgar Degas: jeugddromen en de schaduwzijde van de tutu
Bovenaan mijn lijstje op de bovenverdieping stond Edgar Degas. Voor mij is dit een emotionele ontmoeting. Als klein meisje was ik namelijk altijd met ballet bezig; het was mijn hele wereld. Tekenen en ballet, dat was alles wat ik deed en wilde. Degas was in die tijd een droom, een venster naar een magische wereld van tule en gratie die ik zelf zo intens beleefde.

Maar nu ik als volwassen beeldhouwer in d’Orsay sta, kijk ik met andere, kritischere ogen. Degas’ nalatenschap is complexer dan de lieftallige pastelkleuren uit mijn herinnering. Hij was geobsedeerd door het menselijk lichaam in ongemakkelijke, eerlijke houdingen. Zijn beroemde sculptuur La Petite Danseuse de quatorze ans is technisch briljant, maar roept tegenwoordig ongemakkelijke vragen op. Het model, Marie van Goethem, was een 'opera-ratje' uit de onderklasse. Voor haar was ballet geen droom, maar een overlevingsstrategie in een wereld waar jonge danseressen vaak werden uitgeleverd aan de grillen van rijke mannelijke 'beschermheren'.

kijken naar schilderij danseressen
donkere stenen ballerina's
danseres ballerina tutu strik beeld
Degas presenteerde haar met een bijna antropologische meedogenloosheid. De hyperrealistische details — de echte tutu, het satijnen lint — werden destijds als 'beestachtig' bestempeld. Vandaag de dag schuurt het werk omdat we niet meer om de sociaal-ethische vragen over macht en de kwetsbaarheid van deze jonge modellen heen kunnen. De magie van het ballet die ik als meisje zag, is in d’Orsay onlosmakelijk verbonden met een rauwe, soms duistere werkelijkheid.
schilderij danseressen blauwe jurken
De impressionisten: een gedeelde visie, een eigen handschrift
Verderop de vijfde verdieping hangt een bijna duizelingwekkende hoeveelheid werk van de impressionisten. Wat deze groep bond, was de breuk met de verstikkende academie; ze wilden de vluchtige impressie van het moment vangen, het en plein air schilderen waarbij het licht de eigenlijke hoofdrolspeler is.

Toch zie je bij d'Orsay prachtig de onderlinge verschillen. Waar Monet de vorm bijna volledig liet oplossen in kleurvlekken om de trilling van de atmosfeer te vangen, hield Renoir vast aan een zachtere, meer sensuele weergave van de menselijke huid. Pissarro bleef trouwer aan de structuur van het landschap, terwijl Sisley de meester was van de subtiele grijstinten. De overeenkomst is de losse toets en het gebruik van complementaire kleuren in de schaduwen, maar de individuele 'stem' van de kunstenaar spat van de muren af. Voor ons als 3D-makers is dit een les in hoe je met textuur een eigen atmosfeer creëert.
De collectie: een brug tussen werelden
Musée d’Orsay is uniek in zijn samenstelling. De collectie overbrugt de periode tussen 1848 en 1914. Het vult letterlijk het gat tussen het Louvre (de klassieken) en het Centre Pompidou (de moderne kunst). De kern van de collectie kwam voort uit de oude verzameling van het Musée du Luxembourg en werd later aangevuld met schenkingen die specifiek gericht waren op deze revolutionaire overgang.
​

We verlieten de bovenverdieping met een hoofd vol licht, klaar om later de benedenverdieping en de imposante beeldhouwkunst in de centrale hal te ontdekken. Maar eerst: even zitten bij de enorme stationsklok en de tijd even stilzetten.
klok musee d'orsay
0 Opmerkingen

De anatomie van emotie: hoe je spiegelneuronen activeert met je sculptuur

3/5/2026

0 Opmerkingen

 
In ons atelier aan de Kenauweg in Leiden bereiken we vaak een punt waarop de techniek naar de achtergrond verdwijnt en de bezieling het overneemt. Het is dat moment waarop een blok albast niet langer een verzameling baguettes en croissants is, maar een drager van een menselijk gevoel. In dit blog ter voorbereiding op de vijfdaagse Anatomische torso masterclass in mei 2026, gaan we de diepte in over de ultieme transitie: de overstap van anatomische precisie naar emotionele impact. We gaan ontdekken hoe je door het beheersen van de interne structuren de spiegelneuronen van je toeschouwer activeert. In mei gaan we namelijk geen lichamen maken; we gaan emoties vangen in steen.
De neurologische resonantie: spiegelneuronen in de kunst
Waarom raakt een specifiek beeld ons recht in het hart, terwijl een ander beeld ons koud laat? Het antwoord ligt verscholen in ons brein, specifiek in het systeem van de spiegelneuronen. Ontdekt door neurowetenschappers zoals Giacomo Rizzolatti, laten deze neuronen ons de handelingen en gevoelens van anderen 'meevoelen'. Wanneer je iemand ziet lachen, vuren jouw 'lach-neuronen'. Maar in de beeldhouwkunst gaat dit nog een laag dieper: we reageren op de suggestie van fysieke inspanning en emotie in de dode materie.

Academisch gezien spreken we hier over embodied simulation. Wanneer jij in je sculptuur een kleine torsie in de ruggengraat aanbrengt, registreert de toeschouwer dit niet alleen visueel. De spiegelneuronen in hun motorische cortex simuleren die draaiing in hun eigen lichaam. De kijker voelt de rek aan de ene kant van de taille en de compressie 
studie sculpture block torso steen
van de 'croissant' aan de andere kant. De anatomie fungeert hier als een directe lijn naar het zenuwstelsel van de ander. In mei leren we je hoe je deze 'neurologische knoppen' bewust kunt bedienen om je boodschap over te brengen.
De torsie als emotionele drager
De ruggengraat is de centrale as van ons gevoel. Denk aan de manier waarop we ons lichaam houden wanneer we verdrietig zijn (ineengedoken, gesloten) versus wanneer we trots of extatisch zijn (geopend, overstrekt). In de masterclass focussen we op de contraposto en de S-curve, maar we kijken verder dan de esthetiek. We zoeken naar de kinesthetische empathie.
​

Een kleine draaiing van de schouders ten opzichte van het bekken — een subtiele frictie tussen de baguettes van de torso — kan het verschil maken tussen een statische pop en een figuur die zucht onder het gewicht van een emotie. Door de anatomie te vervormen of juist aan te spannen, dwing je de toeschouwer om die spanning te delen. We boetseren niet de spier, maar de emotionele staat die de spier heeft doen samentrekken. Dit vraagt om een totale overgave aan de vorm; je moet de emotie eerst zelf voelen voordat je hem in de steen kunt hakken.
Van techniek naar innerlijk: de wet van de intentie
Techniek zonder intentie is slechts vakmanschap. In de masterclass dagen we je uit om de stap naar meesterschap te zetten. Meesterschap ontstaat wanneer de techniek zo'n automatisme is geworden dat je handen vrij zijn om het innerlijk te vangen.

Dit proces noemen we in de psychologie de transitie naar de unconscious competence. Je denkt niet meer na over hoe je een 'mandarijnpartje' hakt; je denkt na over de kwetsbaarheid die dat segment moet uitstralen. De intentie waarmee je de beitel vasthoudt, vertaalt zich direct naar de steen. Als je met agressie hakt, zal de steen dat uitstralen. Als je met tederheid de transparantie van het albast opzoekt, zal de kijker die zachtheid ervaren. Tijdens de vijfdaagse begeleiden Alex en ik je in dit proces van loslaten: de techniek als fundament, de emotie als doel.
torso abstract beeldhouwen in steen
De anatomie van de kwetsbaarheid
Laten we kijken naar de 'rookworst' van de buik of de plooi bij de navel. In een anatomisch handboek is dit slechts een verzameling weefsel. Maar in jouw beeld kan diezelfde plooi getuigen van ouderdom, van overgave of van een diepe zucht. We kijken naar de somatische marker hypothese van Antonio Damasio: emoties zijn fysieke reacties op interne of externe prikkels.

In mei gaan we deze somatische markers in steen vertalen. We onderzoeken hoe de breekbaarheid van de steen kan samenvallen met de breekbaarheid van de mens. Wanneer je een stuk albast zo dun maakt dat het licht erdoorheen bloedt, creëer je een visuele metafoor voor de menselijke fragiliteit. De anatomie van de diepte wordt hier de anatomie van het innerlijk. De toeschouwer ziet niet alleen de ribben (de baguettes), maar voelt de ademhaling van de figuur. Je gebruikt de materie om het onstoffelijke tastbaar te maken.
De toeschouwer als mede-auteur
Een krachtig beeld is nooit 'af' zonder de toeschouwer. Omdat we via de spiegelneuronen die directe fysieke link leggen, wordt de toeschouwer een actieve deelnemer in het kunstwerk. In de neuro-esthetiek noemen we dit de aesthetic response. De kijker projecteert zijn eigen ervaringen op de spanning die jij in de steen hebt gelegd.
​​

Als jij de 'interstitiële spanning' in de negatieve ruimte goed hebt geregisseerd, voelt de kijker de behoefte om het beeld aan te raken, of juist om gepaste afstand te bewaren. De anatomie dicteert de sociale ruimte tussen mens en object. Tijdens de masterclass leren we je om als een regisseur naar je werk te kijken. Hoe dwing je de toeschouwer tot stilstand? Hoe zorg je dat de emotie uit de steen 'vreeuwt' zonder dat het een karikatuur wordt? We zoeken naar de subtiele balans tussen anatomische waarheid en artistieke overdrijving.
De vijfdaagse masterclass: een katharsis in steen
De Anatomische torso masterclass in mei is meer dan een cursus; het is een overgangsritueel voor de serieuze maker. We beginnen bij de harde anatomische feiten en de bekende metaforen, maar we eindigen bij het verwerken van persoonlijkheid. Het is een week van intensief werken, waarbij de muren tussen techniek en emotie worden afgebroken.

Je zult merken dat je na drie dagen anders naar je eigen lichaam en dat van het model kijkt. Je ziet geen 'onderdelen' meer, maar een symfonie van krachten. De hand die denkt wordt de hand die voelt. Onder de deskundige leiding van Alex en mij werk je toe naar dat ene moment waarop de steen begint te ademen. Het is een proces van totale overgave aan de materie, waarbij je leert te vertrouwen op de wijsheid van je eigen handen en de kracht van de intentie.
torso beeldhouwen sculpture block cursist
Vang de emotie in mei
We nodigen je uit om de uitdaging aan te gaan. Laat de veilige kaders van de loutere techniek achter je en stap in de wereld van de bezielde anatomie. In de vijfdaagse Anatomische torso masterclass in mei 2026 aan de Kenauweg bieden we je de kennis, de omgeving en de begeleiding om de sprong naar meesterschap te maken.

Leer hoe je de spiegelneuronen van je publiek activeert, hoe je de ruggengraat laat spreken en hoe je de transparantie van de steen inzet als emotioneel instrument. We gaan samen op zoek naar de kern van het mens-zijn, gevangen in de tijdloosheid van marmer en albast.

Meld je nu aan voor deze unieke ervaring. De plekken zijn zeer beperkt omdat we in een kleine, professionele setting werken om de noodzakelijke diepgang te kunnen garanderen. Gun jezelf de transformatie van technicus naar kunstenaar. Wij kijken ernaar uit om samen met jou de emotie uit de steen te bevrijden.
0 Opmerkingen

De vrijheid van de begrenzing: waarom minder juist méér is

30/4/2026

0 Opmerkingen

 
In ons atelier aan de Kenauweg in Leiden horen we vaak die ene verzuchting: "Had ik maar een groter blok," of "Was deze steen maar niet zo breekbaar." We zijn namelijk collectief geneigd te denken dat absolute, grenzeloze vrijheid de ultieme voorwaarde is voor creativiteit. Maar de wetenschap en de kunstgeschiedenis vertellen ons een totaal ander — en veel spannender — verhaal! Paradoxaal genoeg is het namelijk niet de oneindige ruimte, maar juist de strikte beperking die onze diepste artistieke bronnen aanboort.
​
In deze blog onderzoek ik, Simone van Olst, waarom beperkingen — of ze nu technisch, materieel of intellectueel zijn — de ware katalysator vormen voor meesterschap. We duiken diep in de psychologie van de creative constraint en passen dit toe op de weerbarstige, prachtige praktijk van het beeldhouwen in albast en marmer.
De psychologie van de creative constraint
​De aanname dat creativiteit gedijt bij totale vrijheid is een hardnekkige mythe die we vandaag direct doorbreken. In de cognitieve psychologie staat dit fenomeen bekend als 
choice overload. Wanneer de mogelijkheden eindeloos zijn, treedt er geen creatieve explosie op, maar juist verlamming (decision paralysis). Het brein raakt overprikkeld door de oneindige hoeveelheid afslagen die het kan nemen, wat onvermijdelijk leidt tot oppervlakkige beslissingen en een pijnlijk gebrek aan focus.
De academische onderbouwing: beperking als filter
Onderzoek van psycholoog Patricia Stokes (Columbia University) naar Constraints and Creativity toont aan dat beperkingen ons dwingen om 'bottom up' te denken. In plaats van te leunen op bekende patronen, dwingt een beperking ons brein om letterlijk nieuwe neurale paden aan te leggen.

In het atelier betekent dit dat een lastige ader in het albast of een beperkt formaat steen fungeert als een briljant filter. Het sluit 90% van de standaardoplossingen uit, waardoor je gedwongen wordt om in die overgebleven 10% de absolute diepte op te zoeken. Dit is het punt waar de echte innovatie plaatsvindt! De beperking is niet de muur waar je tegenaan loopt, maar de trechter die je visie verscherpt.
beeld personen poppetjes steen
Beperkingen op verschillende niveaus van meesterschap
Beperkingen zijn niet statisch; ze werken anders naarmate je kennis en techniek groeien. Aan de Kenauweg stemmen Alex en ik de uitdagingen daarom nauwkeurig af op jouw niveau. Waarom? Omdat de juiste beperking precies op de grens van je kunnen moet liggen om groei te forceren.


Niveau A: De beginner – de beperking van de vorm
​Voor de beginnende maker is de grootste beperking vaak het gebrek aan technische bagage. Hoewel dat als een hindernis voelt, is het in feite een enorme zegen! Omdat je nog niet alle gereedschappen beheerst, word je gedwongen om alles uit die ene rasp of beitel te halen.
  • De focus: je leert de essentie van de 'baguette' of de 'worstje' begrijpen zonder te verdrinken in micro details. De beperking van je kunnen dwingt je tot een krachtige, heldere vormentaal.

Niveau B: De semi-ervaren maker – de beperking van de methode
Wanneer je de techniek eenmaal beheerst, sluipt de routine er ongemerkt in. Hier introduceren we de intellectuele beperking om je wakker te schudden. We dwingen je bijvoorbeeld om uitsluitend met negatieve ruimte te werken of om een vorm te maken die slechts op één punt de sokkel raakt.
  • De focus: deze 'obstakels' breken je routine. Je moet je haptische intelligentie opnieuw ijken omdat je veilige standaardoplossingen simpelweg niet meer werken.

Niveau C: De mastermind – de beperking van de conceptuele rigor
Voor de professional is de beperking vaak conceptueel van aard. Je legt jezelf een strikt thema of een morfologische regel op (denk aan uitsluitend organische segmentatie zoals mandarijnpartjes). 
  • De focus: de beperking dient hier om een echt oeuvre te smeden. Het dwingt je tot een extreme verdieping binnen een nauw kader, wat leidt tot een onmiskenbaar eigen artistiek handschrift.
beitel op steen beeldhouwen
details close-up beeld tulp
beitel op steen beeldhouwen
De steen als dictator: materiële beperkingen
De meest eerlijke en rauwe beperking in ons atelier komt van de steen zelf. Albast en marmer zijn geen passieve materialen; het zijn persoonlijkheden die hun eigen wil opleggen!


De tyrannie van de dikte (transparantie vs. sterkte)
Wanneer je streeft naar de ultieme transparantie in albast, loop je tegen de keiharde fysieke grens van het materiaal aan. Hoe dunner de wand, hoe groter de breekbaarheid. 
  • De verdieping: deze beperking dwingt je tot een bijna chirurgisch technisch bewustzijn. Je kunt niet zomaar hakken; je moet de kristalstructuur leren 'lezen'. De angst voor de breuk scherpt al je zintuigen. Je waarneming wordt hyper geconcentreerd. De beperking van de materie transformeert je hier van een 'hakker' in een 'chirurg van het licht'.

De onverwachte breuk: een nieuw kader
Laten we eerlijk zijn: een breuk is de ultieme beperking. Opeens is een deel van je volume weg. 
  • Academische invalshoek: dit raakt aan de 'functional fixedness'. We zijn gewend om een object alleen te zien in zijn oorspronkelijke functie of vorm. Een breuk dwingt je om die fixatie radicaal los te laten. Je moet de overgebleven massa herinterpreteren. Vaak ontstaat hier de 'inconsistentie' die de ziel van het werk vormt. De beperking van de breuk is de geboorte van een nieuwe, vaak veel interessantere mogelijkheid!
Belichaamde cognitie en de hand als begrenzer
Zelfs onze eigen anatomie legt ons beperkingen op. Je kunt je arm maar tot een bepaalde hoek draaien en je fysieke kracht heeft een natuurlijk plafond. In plaats van dit als een gebrek te zien, moeten we dit omarmen als onderdeel van onze e
mbodied cognition.

De beperking van je fysieke bereik bepaalt de schaal waarop je werkt en de ritmiek van je gereedschapsporen. Jouw unieke beperkingen — de lengte van je armen, de kracht in je pols — vormen samen de 'biometrische signatuur' van je werk. In de Mastermind groep analyseren we deze fysieke grenzen om je te helpen je eigen stijl te consolideren. Je probeert niet te werken als een machine, maar je viert juist de prachtige beperking van het mens zijn!
Oefeningen in beperking (de training van de geest)
Om de kracht van beperkingen zelf te ervaren, hebben we een serie uitdagende oefeningen ontwikkeld. Voer deze uit met volledige overgave; de frustratie die je zult voelen is het beste teken dat je brein keihard aan het werk is om nieuwe paden aan te leggen!
​

De één-gereedschap uitdaging (technisch)
Maak een volledige vormstudie (zoals een torso) in klei of was, maar gebruik gedurende de hele sessie uitsluitend één gereedschap (bijvoorbeeld alleen je duim of alleen een grove houten spatel).
  • De winst: je wordt gedwongen om de veelzijdigheid van dat ene instrument tot het uiterste te drijven en ontdekt texturen die je normaal zou omzeilen.

De transparantie-grens (materieel)
Neem een klein stukje albast en dwing jezelf om één wand zo dun te maken dat je er de krant doorheen kunt lezen. Stop pas als de steen breekt of als je de transparantie hebt bereikt.
  • De winst: je traint je haptische feedback en leert de subtiele 'waarschuwingen' van de steen (geluid, trilling) feilloos herkennen.

De negatieve ruimte dictatuur (conceptueel)
Je mag de buitenkant van je steen niet aanraken. Je mag alleen vormgeven door van binnenuit gaten en tunnels te maken. De 'buitenkant' moet de ruwe korst van de steen blijven.
  • De winst: dit gooit je ruimtelijk inzicht volledig overhoop. Je leert de 'lucht' te boetseren in plaats van de massa.

De niet-kijken sessie (zintuiglijk)
Werk dertig minuten aan een curve (de croissant van de heup) met een blinddoek om. Vertrouw uitsluitend op je handen.
  • De winst: je schakelt de dominante visuele controle uit en leert volledig te vertrouwen op je eigen waarnemings autoriteit.

De tijd restrictie (psychologisch)
Zet een wekker op 15 minuten. In die tijd moet je een ruwe vormopzet maken van een complex anatomisch onderdeel (het mandarijnpartjes van de borst). Na 15 minuten stop je direct.
  • De winst: je elimineert perfectionisme en dwingt je brein tot snelle, intuïtieve beslissingen zonder de ruis van de ratio.
lemniscaat drieknoop beeld
mandarijnpartjes beeldhouwen steen anatomie
möbius band beeldhouwen uit steen
De vrijheid van de discipline
Beperkingen zijn de architecten van onze creativiteit. In het atelier aan de Kenauweg zien Alex en ik dagelijks dat de meest gedenkwaardige beelden ontstaan op de snijlijn van noodzaak en beperking. Wanneer je stopt met vechten tegen de grenzen van de steen, je techniek of je tijd, en ze gaat gebruiken als de kaders van je onderzoek, ontstaat er een diepe artistieke rust.


Meesterschap is niet het vermogen om alles te kunnen, maar het vermogen om binnen de beperkingen van de materie en de geest een oneindige diepte te vinden. Dus de volgende keer dat je steen breekt of je gereedschap tekortschiet: juich! De beperking heeft zojuist de deur geopend naar een niveau van creativiteit dat je met volledige vrijheid nooit had bereikt.
0 Opmerkingen

Architecturale lef en de magie van het licht in Bourse de Commerce

29/4/2026

0 Opmerkingen

 
Parijs blijft ons keer op keer verrassen, maar wat we die donderdag ervoeren bij de Bourse de Commerce was werkelijk waanzinnig. Er zijn plekken die je artistieke hart sneller doen kloppen, maar dit museum doet er een schepje bovenop. Het is een manifestatie van lef, waarbij de historische grandeur van een graanbeurs botst met de minimalistische, bijna brute kracht van hedendaagse architectuur. Alex en ik, Simone van Olst, waren direct verkocht; dit is een plek waar expertise en expressie in elke korrel van het beton en elk stukje glas voelbaar zijn.
Een dialoog in beton: de architectuur van Tadao Ando
De Bourse de Commerce is de thuishaven van de befaamde Pinault Collectie. Maar voordat je zelfs maar naar de kunst kijkt, word je gegrepen door het gebouw zelf. De Japanse Tadao Ando heeft een meesterstuk geleverd door een enorme betonnen cilinder midden in de historische ronde koepelzaal te plaatsen.

Tadao Ando is een meester van het minimalisme en een architect die beton laat ademen. Je zou hem kunnen kennen van iconische projecten zoals de Kerk van het Licht in Osaka of zijn indrukwekkende werk op het 'kunsteiland' Naoshima, waar hij architectuur en natuur naadloos in elkaar laat overvloeien. Voor mij, met mijn grote liefde voor gedurfde en brutalistische architectuur, is Ando een absolute held. Ik geniet intens van die eerlijke, bijna rauwe expressie van materiaal waarbij de textuur van het beton de hoofdrol speelt. Het is die onverschrokkenheid — het durven neerzetten van een massief, onverzettelijk volume in een historische omgeving — die mij als beeldhouwer inspireert om ook in mijn eigen werk de kracht van de essentie op te zoeken, zonder concessies te doen aan de vorm.

Voor ons als beeldhouwers was dit een visuele traktatie. De manier waarop het gladde, grijze beton contrasteert met de negentiende-eeuwse fresco’s op de koepel is een les in ruimtelijke compositie. Ando heeft een 'gebouw in een gebouw' gecreëerd, waardoor er nieuwe zichtlijnen en looproutes ontstaan die je dwingen om op een andere manier naar de ruimte te kijken. Het is architectuur die niet alleen dient, maar zelf een sculpturale expressie is.
sculptuur Bourse de commerce
werken Bourse de commerce
sculptuur Bourse de commerce
schilderij Bourse de commerce
De Pinault collection
François Pinault is niet zomaar een verzamelaar; hij is een van de meest invloedrijke figuren in de hedendaagse kunstwereld. Als oprichter van het luxeconcern Kering (denk aan merken als Gucci en Saint Laurent) begon hij meer dan vijftig jaar geleden met het opbouwen van een collectie die inmiddels meer dan tienduizend werken omvat. Wat zijn verzameling zo uniek maakt, is zijn onvoorwaardelijke steun aan levende kunstenaars en zijn voorkeur voor werken die de kijker uitdagen. Dat de Pinault collectie juist in de Bourse de Commerce zo prachtig tot recht komt, is geen toeval. De ronde vorm van het gebouw — ooit de plek waar graanprijzen werden bepaald — symboliseert een oneindige cyclus. De versmelting van Pinaults avant-gardistische visie met de verstilde architectuur van Tadao Ando zorgt ervoor dat het museum niet voelt als een statische opslagplaats, maar als een dynamisch organisme. Hier ontmoeten de rijkdom van het verleden en de gedurfde vragen van de toekomst elkaar in een perfecte, cirkelvormige dialoog.
rotonde film Bourse de commerce
De rotonde: een metafysisch ritueel
Onder de indrukwekkende zenitale koepel van het museum vonden we het absolute hart van de huidige tentoonstelling. Op het ronde podium van de Rotonde, dat door Tadao Ando is getransformeerd tot een tijdloos amfitheater, wortelt het werk Camata (2024) van Pierre Huyghe.

Terwijl we daar stonden, werden we meegezogen in een metafysisch ritueel dat de kunstenaar filmde in de onmetelijke uitgestrektheid van de Atacama-woestijn in Chili. Het werk nodigt uit tot een diepe meditatie over onze plek in het universum. De overgangen van nacht naar dag, van schaduw naar licht, en van het menselijke naar het niet-menselijke worden daar voortdurend opnieuw beleefd. Voor ons als makers, die dagelijks werken met de aardse materie van steen, was deze verbinding tussen het rituele en de kosmos adembenemend.
De expositie: "Clair-obscur"
De reis door het museum vervolgt zich met de tentoonstelling Clair-obscur. Deze voert je mee langs een selectie van meer dan honderd werken uit de Pinault Collectie die spelen met de grens tussen duisternis en helderheid. Elders in het museum vonden we de verstilde kracht van de Roemeense kunstenaar Victor Man, wiens werk prachtig aansluit bij dit thema. Ook de poëtische installaties van Laura Lamiel in de Passage maken de lichtinval en kleuren bijna tastbaar, alsof je de schaduwen kunt aanraken.
Een instituut van wereldklasse
​
De Bourse de Commerce is meer dan een museum; het is een levende kunstinstelling die de polsslag van de hedendaagse kunstwereld meet. De expertise die hier spreekt uit de curatie is van een niveau dat ons als makers weer op scherp zet. Het herinnerde ons eraan dat kunst mag schuren en dat expressie geen grenzen kent. Na de verstilling van de kleinere musea was de Bourse de Commerce de broodnodige explosie van moderne kracht die onze blik op de dialoog met een historische ruimte fundamenteel heeft verrijkt.
stenen beeld Bourse de commerce
kleurrijk werk Bourse de commerce
Een staat van artistieke absorptie
Toen we na uren eindelijk weer naar buiten stapten, voelde het alsof we de wereld door een nieuwe lens bekeken. We hadden dit museum niet alleen bezocht; we hadden het opgenomen als een spons. Terwijl we over de zwevende trappen van Ando omhoog cirkelden, veranderde bij elke trede ons perspectief op de ruimte, een bijna fysieke ervaring van de architectuur die de akoestiek en de schaal van het gebouw voelbaar maakte. In de enorme Rotonde zagen we hoe de dansende stofdeeltjes in de brede lichtstralen van de glazen koepel bijna onderdeel werden van de installatie van Pierre Huyghe, waardoor de grens tussen materie en licht volledig vervaagde.

Er hangt in de Bourse de Commerce een soort sacrale rust die je volledig losweekt van de hectiek van de stad, een gelukzalige stilte die ontstaat wanneer vorm en inhoud perfect in balans zijn. Alex en ik liepen de eerste honderd meter in stilte over de kasseien, na eerst even op een bankje te hebben gezeten, simpelweg om de enorme hoeveelheid indrukken een plekje te geven. Het contrast tussen de serene, betonnen wereld binnen en de plotselinge, rauwe levendigheid van de wijk Les Halles buiten was een schok voor de zintuigen die ons weer met beide benen op de grond zette. Dit was voor ons niet zomaar een museumbezoek; het was een van de absolute hoogtepunten van onze reis. We verlieten het pand met een hoofd vol nieuwe ideeën en een hart dat oversloeg van pure makersvreugde. Parijs heeft ons veel gegeven deze week, maar de Bourse de Commerce gaf ons de bevestiging dat kunst, wanneer het met zoveel lef en visie wordt gepresenteerd, de kracht heeft om je ziel even volledig op te tillen.
​Praktische informatie & tickets voor jouw bezoek aan Parijs (en dit museum!)
  • Locatie: 2 Rue de Viarmes, 75001 Parijs (hartje Les Halles).
  • Openingstijden: Dagelijks van 11:00 tot 19:00 uur (vrijdag tot 21:00 uur). Gesloten op dinsdag.
  • Tickets: Reserveer online via de officiële website voor een specifiek tijdslot.

Onze tip: neem de tijd in de Rotonde om de film van Pierre Huyghe echt op je in te laten werken; de akoestiek en de schaal van de ruimte maken het tot een unieke ervaring.
0 Opmerkingen

Een heilige grond voor kleur - onze pelgrimage naar Sennelier

28/4/2026

0 Opmerkingen

 
Er zijn plekken op de wereld waar de geschiedenis niet in boeken staat, maar in de muren is getrokken door de geur van lijnolie, terpentijn en zuivere pigmenten. Voor Alex en mij, Simone van Olst, was er één adres in Parijs dat we absoluut niet konden overslaan: de legendarische kunstenaarswinkel van Sennelier aan de Quai Voltaire.

Gelegen in een prachtig oud pand direct aan de Seine, tegenover het Louvre, voelt deze winkel als het kloppende hart van de schilderkunst. Het is een plek waar de tijd lijkt te zijn gestold, terwijl de creatieve energie er juist van de muren spat.
Een budgettaire 'vrije val' in een historisch decor
​
Laten we eerlijk zijn: we gingen volkomen over ons budget. Het is onmogelijk om deze winkel binnen te stappen en de discipline van de portemonnee te bewaren. Het pand is mega klein en tot de nok toe gevuld met houten ladekastjes, glazen potten vol pigmenten en rijen met de meest exquise penselen. De verleiding was zo groot dat we, nadat we de eerste dag met tassen vol naar buiten liepen, de volgende dag simpelweg weer teruggingen.

Sennelier werd in 1887 geopend door Gustave Sennelier. Sindsdien is het een toevluchtsoord voor kunstenaars die niet zomaar materiaal zoeken, maar die op zoek zijn naar de hoogste kwaliteit en een specifieke 'eigen' in hun gereedschap. Dat de winkel nog steeds in hetzelfde pand zit en die authentieke sfeer ademt, maakt de ervaring bijna sacraal.

De magie van Sennelier is onlosmakelijk verbonden met de visie van de man die het allemaal begon. Gustave Sennelier was zelf geen uitvoerend kunstenaar, maar hij bezat de persoonlijkheid van een alchemist en de nieuwsgierigheid van een chemicus. Toen hij in 1887 de deuren opende, was hij ontevreden over de kwaliteit van de pigmenten die destijds beschikbaar waren. Hij begon als een ware pionier zelf pigmenten te verzamelen en verf te malen, waarbij hij nauwgezet de chemische reacties en lichtechtheid bestudeerde.


kunstwinkel parijs etalage
Zijn winkel werd al snel een soort laboratorium waar kunstenaars niet alleen kwamen om te kopen, maar om te overleggen. De kwaliteit van hun producten is zo uitzonderlijk gebleven omdat ze al die tijd trouw zijn gebleven aan die oorspronkelijke recepturen; ze gebruiken nog steeds dezelfde natuurlijke bindmiddelen en pure pigmenten die de impressionisten al gebruikten. Dat dit vakmanschap al drie generaties lang in dit karakteristieke pand wordt bewaakt, maakt Sennelier tot veel meer dan een winkel; het is de hoeder van de kleuren die onze kunstgeschiedenis hebben bepaald.
In de voetsporen van grootmeesters
Wanneer je over de krakende houten vloeren loopt, loop je letterlijk in de voetsporen van de grootste namen uit de kunstgeschiedenis. Cézanne kocht hier zijn verf, en Picasso was een dusdanig vaste klant dat Henri Sennelier (de zoon van Gustave) speciaal voor hem de beroemde oliepastel-stiften ontwikkelde. Picasso wilde namelijk iets waarmee hij op elk oppervlak kon werken zonder dat het zou barsten of verkleuren. Ook kunstenaars als Gauguin, Monet, Modigliani en later Francis Bacon vonden hier de pigmenten die hun meesterwerken kleur gaven. Vandaag de dag is het nog steeds dé plek waar internationale topkunstenaars hun materialen selecteren.
Expertise gedeeld met liefde
Wat ons misschien nog wel het meest raakte, was de houding van de medewerkers. In veel winkels is de kennis beperkt tot wat er op de verpakking staat, maar bij Sennelier zijn de medewerkers bewakers van een eeuwenoude traditie. Ze behandelen elk tubetje verf en elk vel papier met een liefdevolle eerbied. Ze delen hun enorme kennis zo graag en met zoveel passie dat je je als maker onmiddellijk serieus genomen voelt. Of je nu vraagt naar de lichtechtheid van een specifiek pigment of de zuigkracht van een bepaald papier, de antwoorden zijn doorleefd en deskundig.
Exclusiviteit en Nepalees papier
Veel van de eigen merkproducten van Sennelier zijn in Nederland simpelweg niet te krijgen, of in ieder geval niet in dit volledige assortiment. We hebben dan ook groots ingekocht. Onze koffers zijn een flink stuk zwaarder geworden door de unieke papiersoorten, potloden, pastels en pigmenten die nergens anders zo intens zijn.

Een heel bijzondere vondst was het prachtige, handgeschepte papier uit Nepal. De textuur, de vezels die je nog ziet zitten en de manier waarop het papier reageert op aanraking; het is pure poëzie. Dit papier smeekt bijna om bewerkt te worden met de materialen die we daar hebben gevonden.
simone winkel papier soorten
Terug naar het atelier
Nu we weer terug zijn in onze eigen omgeving, kunnen we niet wachten om de materialen uit te pakken en aan de slag te gaan. Deze inkopen zijn meer dan alleen gereedschap; ze zijn een belofte aan onszelf om de inspiratie van Parijs te vertalen naar nieuwe schetsen en kunstwerken. De geest van de Quai Voltaire reist met ons mee naar Leiden, en we voelen ons bevoorrecht dat we een klein stukje van die rijke historie naar ons eigen atelier hebben kunnen brengen.
Praktische informatie voor jouw bezoek naar dit winkeltje
  • Locatie: 3 Quai Voltaire, 75007 Parijs (gelegen in het 7e arrondissement, pal tegenover het Louvre en de Pont du Carrousel).
  • Openingstijden: Let op, ze hebben vaak een middagpauze, dus plan je bezoek goed (en trek er ruim de tijd voor uit!).
  • Sfeer: Authentiek, krap en overweldigend — een absolute tijdscapsule.
simone winkel sennelier parijs
Een moderne haven voor de kunstenaar
Hoewel de historische locatie aan de Quai Voltaire onze harten heeft gestolen, heeft Sennelier ook een tweede, ruimere vestiging in Parijs. Deze winkel bevindt zich in een moderner pand in de buurt van de Opéra en biedt een heel andere, maar evenzeer indrukwekkende ervaring. Waar het pand aan de Seine uitblinkt in nostalgie en geschiedenis, vind je hier meer licht, ruimte en een overzichtelijker assortiment dat iets meer gericht is op de breedte van de moderne kunstenaars behoeften.


​
Deze tweede vestiging is ideaal als je op zoek bent naar grotere formaten doeken, ezels of een uitgebreidere collectie grafische materialen die in het knusse pandje aan de Quai Voltaire simpelweg niet zouden passen. Hoewel de sfeer moderner is, blijft de expertise van het personeel onveranderd hoog. Ook hier word je geholpen met diezelfde liefde voor het vak die het merk Sennelier al meer dan een eeuw typeert. Voor ons was het de perfecte plek om de rest van onze inkopen te doen, zonder dat we over de koffers van andere toeristen hoefden te struikelen.
Praktische informatie tweede locatie
  • Locatie: 4 bis Rue de la Grande Chaumière, 75006 Parijs.
  • Wijk: Montparnasse (vlakbij de beroemde kunstacademies van weleer, zoals Académie de la Grande Chaumière).
  • Kenmerk: Ruimer opgezet, modern interieur, uitgebreid assortiment aan dragers en grote materialen.
0 Opmerkingen
<<Vorige

    Simone van Olst

    Beeldhouwer, begeleider kunstenaars, museum lover, organisator culturele projecten, kunstlezingen, schrijver.

    Archief

    Mei 2026
    April 2026
    Maart 2026
    Februari 2026
    Januari 2026
    December 2025
    November 2025
    Oktober 2025
    September 2025
    Augustus 2025
    Juli 2025
    Juni 2025
    Mei 2025
    April 2025
    Maart 2025
    Februari 2025
    Januari 2025
    December 2024
    November 2024
    September 2024
    Februari 2022
    Januari 2022
    December 2021
    November 2021
    Oktober 2021
    September 2021
    Juni 2021
    December 2020
    November 2020
    Oktober 2020
    September 2020
    Oktober 2019
    Juni 2019
    Oktober 2018
    September 2018
    Juni 2018
    Mei 2018
    December 2016
    November 2016
    Oktober 2016
    September 2016
    Augustus 2016
    Juli 2016
    Juni 2016
    Mei 2016
    April 2016
    Maart 2016
    Februari 2016
    Januari 2016
    December 2015
    November 2015
    Oktober 2015
    September 2015
    Augustus 2015
    April 2015
    Maart 2015
    Januari 2015
    December 2014
    November 2014
    September 2014

    Categorie

    Alles
    Abstractie
    ADHD
    Albast
    Alex Sluimer
    Angst
    Balans
    Beelden
    Beeldhouwatelier Leiden
    Beeldhouwen
    Boeken
    Brein
    Chaos Schriftjes Methode
    Compositie
    Creatief Proces
    Creativiteit
    Denkwerk
    Diepte En Perspectief
    Divergent Denken
    Doe Het Zelf
    Emotionele Inhoud
    Energie
    Exposities
    Genieten
    Healing
    Hygge
    Innerlijke Rust
    Innovatie
    Inspiratie
    Kristal
    Kunst Leiden
    Kunstroute
    Lagom
    Leidse Kunstroute
    Marmer
    Mentale Rust
    Mindset
    Narratief
    Negatieve Ruimte
    Overvloed
    Persoonlijke Groei
    Persoonlijke Ontwikkeling
    Productieviteits Druk
    Productiviteit
    Psycologie
    Rust
    SamStone
    Schilderkunst
    Sculptuur
    Simone Van Olst
    Slaap
    Slapen
    Speksteen
    Steenbeeldhouwen
    Steensoorten
    Tentoonstelling
    Textuur
    Veerkracht
    Vertouwen
    Waxinelichtje
    Workshop
    Zelfliefde

    RSS-feed


​Neem contact op of kom langs:


Foto

atelier

Kenauweg 17a
​

2331 BA Leiden
​
Openingstijden

CONTACT

Telefoon:
​06-285 68 997
​
Mail:
[email protected]

bedrijfsgegevens

KVK nummer:
​57186820
​
Btw identificatienummer: NL001980586B04

PRIVACY

Privacyverklaring

Cookieverklaring
​

Algemene voorwaarden