All Categories - SIMONE VAN OLST

De blijvende invloed van Jean (Hans) Arp op de moderne kunst

16/5/2025

In de wereld van de moderne kunst zijn er maar weinig kunstenaars die zoveel impact hebben gehad als Jean Hans Arp. Als beeldhouwer, dichter en pionier van de abstractie wist hij klassieke grenzen te doorbreken en een geheel nieuwe beeldtaal te introduceren. Zijn organische vormen, speelse benadering van materiaal en unieke kijk op kunst als levend organisme, hebben generaties kunstenaars beïnvloed – en doen dat nog steeds.

Afbeelding

Dada als vertrekpunt
Arp was medeoprichter van de Dada-beweging, die ontstond als reactie op de zinloosheid van de Eerste Wereldoorlog. Hij verzette zich tegen logica en esthetiek zoals we die toen kenden, en omarmde chaos, toeval en intuïtie. Met zijn gescheurde papiersnippers en spontane vormen liet hij zien dat schoonheid ook buiten regels en systemen kan ontstaan.

Van toeval naar poëzie in vorm
Zijn kunst balanceert tussen abstractie en herkenbaarheid. Arp’s sculpturen lijken vaak op iets natuurlijks – een steen, een blad, een menselijk torso – maar blijven altijd mysterieus. Hij vertrouwde op intuïtie en het onderbewuste, een aanpak die ook aansloot bij de surrealisten, met wie hij regelmatig samenwerkte.
Tegelijkertijd was Arp ook een dichter. Zijn gedichten en sculpturen beïnvloedden elkaar; woorden werden vormen, en vormen werden woorden. Deze vloeiende wisselwerking tussen disciplines is vandaag de dag nog steeds een bron van inspiratie.

Een erfenis van vrijheid
Of het nu gaat om zijn zachte abstracties of zijn samenwerking met kunstenaars als Sophie Taeuber-Arp, Van Doesburg en Calder – Arp’s werk laat zien hoe vorm kan ontstaan vanuit gevoel en vrijheid. Hij bewees dat abstractie geen stijl is, maar een manier van denken. Een open uitnodiging aan de kunstenaar om te onderzoeken, voelen en transformeren.

Laat je inspireren in ons atelier
Wil jij zelf ervaren hoe het is om vorm te geven zoals Arp dat deed – vanuit gevoel, intuïtie en experiment? In de workshop Metamorfose volgens Arp duiken we samen in zijn manier van werken. Je leert hoe je kunt abstraheren, hoe je van onderzoek naar vorm komt en hoe je met verschillende materialen iets nieuws en eigens maakt. Laat je eigen vormen ontstaan en ontdek hoe bevrijdend het kan zijn om de controle los te laten.

Bekijk de workshop op onze website en geef jouw creativiteit de ruimte – net als Arp dat deed.

Hoe Henry Moore beeldhouwen opnieuw vormgaf

7/5/2025

Henry Moore, een van de meest invloedrijke beeldhouwers van de twintigste eeuw, stond bekend om zijn monumentale sculpturen waarin de menselijke vorm op abstracte wijze werd verbeeld. Wat begon als een realistische studie aan de kunstacademie, groeide uit tot een levenslange zoektocht naar de essentie van vorm, ruimte en emotie. De abstractie bood Moore niet alleen artistieke vrijheid, maar gaf hem ook de ruimte om universele thema’s als rust, veerkracht en verbondenheid te verbeelden.

Afbeelding

Van klassiek realisme naar persoonlijke taal
Moore begon zijn carrière met een klassieke kunstopleiding waarin realisme en technische precisie centraal stonden. Maar al vroeg raakte hij gefascineerd door niet-westerse kunst: de krachtige eenvoud van Afrikaanse maskers, de symboliek van pre-Columbiaanse beeldhouwwerken, de ritmiek van Oceanische vormen. Deze invloeden vormden het begin van zijn geleidelijke overgang naar abstractie — een pad dat hem hielp zijn eigen artistieke stem te vinden.

Vorm als vertaling van gevoel
In Moore’s werk wordt abstractie nooit kil of afstandelijk. Integendeel: juist door te abstraheren wist hij diepe menselijke emoties te vangen. Zijn beroemde Reclining Figures zijn hier het perfecte voorbeeld van. Liggende figuren, soms ontdaan van herkenbare anatomie, maar altijd doordrenkt van rust, kracht en verbondenheid met de aarde. Ook in zijn Family Groups laat hij zien hoe abstractie gebruikt kan worden om relaties en bescherming tastbaar te maken; zonder overbodige details, maar met maximale zeggingskracht.

Materiaal als medespeler
Moore’s liefde voor materialen speelde een grote rol in zijn abstracte benadering. Of hij nu werkte in hout, brons of steen, hij liet zich leiden door de eigenschappen van het materiaal. De natuurlijke texturen, nerven, breuken en weerstanden kregen allemaal een plek in zijn beeldtaal. Het resultaat? Organische vormen die lijken voort te komen uit de natuur zelf, maar toch onmiskenbaar menselijk aanvoelen.

Abstractie als vrijheid
Voor Moore was abstractie geen stijlkeuze, maar een vorm van vrijheid. Weg van academische regels en de illusie van perfectie, richtte hij zich op de essentie: massa, ruimte, spanning en stilte. Zeker na de Tweede Wereldoorlog, waarin hij als oorlogstekenaar het leed van mensen in schuilkelders vastlegde, werd zijn werk nog expressiever. In plaats van directe weergave zocht hij naar tijdloze symboliek — beelden die iets universeels raken.

Zelf ervaren? Stap in de voetsporen van Moore
Ben je als beeldhouwer of kunstliefhebber geïnspireerd door Henry Moore’s werkwijze? Dan is de workshop In de voetsporen van Henry Moore van beeldhouwer Simone van Olst een absolute aanrader. In deze verdiepende workshop onderzoek je hoe abstractie een brug kan slaan tussen gevoel en vorm. Je leert kijken, schetsen, abstraheren én durven maken — precies zoals Moore zelf deed.

Afbeelding

Van inspiratie naar eigen signatuur: Hoe beeldhouwers groeien door te kijken naar anderen

7/5/2025

Beeldhouwen in steen is een intens proces. Het vraagt kracht, geduld en aandacht – maar bovenal vraagt het visie. Die visie groeit niet in isolatie. Ze wordt gevoed door kijken, onderzoeken en geïnspireerd raken. Vaak ligt de sleutel tot groei verscholen in het werk van anderen. Niet om na te bootsen, maar om te begrijpen. Om je eigen stem juist krachtiger te laten klinken.

Waarom inspiratie essentieel is voor beeldhouwers
Iedere kunstenaar kent het: momenten waarop het creatieve vuur even dooft, of waarin het lijkt alsof je steeds hetzelfde maakt. Dat is precies het moment om buiten jezelf te kijken. Inspiratie van buitenaf is geen zwaktebod: het is brandstof. Het helpt je nieuwe vormen te ontdekken, andere composities te onderzoeken en technieken te verkennen die je blik verruimen.

De grote meesters, van Brancusi tot Calder, deden dat niet anders. Ze lieten zich inspireren door elkaar, door andere disciplines, door natuur, architectuur of mythologie. En steeds opnieuw kwamen ze uit bij iets unieks. Iets van henzelf.

Afbeelding

Afbeelding

Hoe leer je van het werk van anderen?
1. Bestudeer meesterwerken, maar kijk écht
Het is gemakkelijk om snel door een museum te wandelen, of door een boek te bladeren. Maar echt kijken betekent: analyseren. Waarom raakt een werk je? Wat doet de vorm, het materiaal, de afwerking? Wat gebeurt er met de ruimte om het beeld heen?

Neem Jean Arp, wiens organische sculpturen een gevoel van gewichtloosheid oproepen. Of Barbara Hepworth, die met openingen en gaten in haar beelden juist de lucht onderdeel van het werk maakt. Wat zou er gebeuren als jij die principes loslaat op steen?

2. Bezoek, beleef, verwonder
Ga naar tentoonstellingen, werkplaatsen, beeldenparken. Niets inspireert zo sterk als het fysiek ervaren van kunst. De schaal, de schaduwval, de ruwe of juist gepolijste huid van een beeld – dit zijn elementen die je op een scherm nooit volledig voelt. Neem een schetsboek mee, maak notities van wat je raakt. Niet om te kopiëren, maar om te onderzoeken.

3. Combineer invloeden tot iets nieuws
Louise Bourgeois haalde haar inspiratie uit herinneringen, dromen en angsten. Alexander Calder bracht beweging en lichtheid in de sculptuurkunst. Wat gebeurt er als je invloeden van meerdere kunstenaars combineert? Misschien werk je met Brancusi’s eenvoud én Hepworths openingen. Of voeg je Calder’s speelsheid toe aan een massieve vorm. Door vrij te associëren ontstaan nieuwe ideeën – en misschien wel jouw volgende beeld.

Van inspiratie naar jouw handschrift
Inspiratie is slechts het begin. De echte uitdaging is: hoe vertaal je wat je ziet naar iets dat helemaal van jou is? Dat doe je door te experimenteren. Door je niet vast te houden aan wat je al kunt, maar door nieuwsgierig te blijven. Wat gebeurt er als je een vorm ‘verstoort’? Als je een perfect gladde lijn onderbreekt met een ruwe snede? Als je een menselijke figuur abstract maakt? En vooral: door te durven schetsen. Te durven falen. Te durven zoeken. Zoek je eigen grenzen op en laat je verbazen door jezelf!

En nu jij!
Wil je leren hoe je de zoektocht van inspiratie naar vorm praktisch én creatief vormgeeft? Dan is onze workshop Schets naar Beeld een aanrader. In deze verdiepende workshop leer je hoe je inspiratie omzet in schetsen en van daaruit een driedimensionale vertaling maakt in steen. Onder begeleiding van Simone ga je op zoek naar je eigen vormentaal: je leert kijken, schetsen, abstraheren en vooral durven maken. Het resultaat is niet alleen een beeld, maar een verdiept inzicht in je eigen proces. Iedere kunstenaar bouwt immers voort op wat eraan voorafging – maar de ware kunst is om invloeden los te weken van hun bron en ze opnieuw te vormen met jouw handen, jouw intuïtie, jouw materiaal. Laat je dus inspireren: door grootheden uit de kunstgeschiedenis, door collega-beeldhouwers, muziek, natuur of architectuur. Combineer, experimenteer en blijf zoeken naar wat jou beweegt. Want precies daar, in dat spanningsveld tussen inspiratie en zelfexpressie, ontstaat het werk dat je echt verder brengt. Vergeet niet: zelfs de grootste kunstenaars begonnen met kijken.

Afbeelding

De realistische kant van Henry Moore

30/4/2025

Henry Moore staat wereldwijd bekend als een pionier van de moderne beeldhouwkunst. Zijn monumentale, abstracte sculpturen domineren menig park en museumplein. Maar minder bekend is dat Moore in zijn vroege carrière ook beelden maakte die verrassend realistisch zijn. In deze blog duiken we in deze minder belichte kant van zijn oeuvre: welke beelden vallen op door hun realisme, welke technieken paste hij toe en wie hielpen hem daarbij?

Van abstract naar herkenbaar: Moore’s meest realistische beelden
Hoewel Henry Moore’s latere werk vooral wordt gekenmerkt door vloeiende abstracties en opengewerkte vormen, begon hij zijn carrière met sculpturen waarin de menselijke figuur veel directer en herkenbaarder aanwezig is.

Reclining Figure (1939)
In dit werk zien we een vrouwelijk naakt dat – ondanks Moore’s kenmerkende stijl – duidelijk verwijst naar de menselijke anatomie. De houding is ontspannen, de proporties herkenbaar. Het is een van de eerste beelden waarin zijn fascinatie voor het liggende menselijk lichaam hand in hand gaat met een realistische benadering.

Family Group (1944–1949)
Dit beeld toont een zittend gezin: vader, moeder en kind. Het straalt geborgenheid uit, en ondanks Moore’s gestileerde aanpak zijn de gelaatsuitdrukkingen en lichaamstaal bijzonder invoelbaar. Het werk is ontstaan tegen de achtergrond van de Tweede Wereldoorlog en weerspiegelt het belang van familie in onzekere tijden.

Afbeelding

Technieken die het realisme mogelijk maakten
Moore beheerste verschillende technieken, die hem in staat stelden zijn ideeën met precisie uit te voeren. Enkele vaardigheden die hij toepaste worden hieronder ingelicht.

Hakken. Veel van zijn vroege beelden werden direct uit steen of hout gehakt, een intensief proces dat nauwkeurigheid vereiste – en realistische vormen mogelijk maakte.
Bronsgieten. Via gieten kon hij complexe, gedetailleerde vormen realiseren die niet uit steen te halen waren. Deze methode werd vooral in zijn latere carrière belangrijk.
Voorstudies en modellen. Moore werkte vaak met klei- of gipsmodellen op kleine schaal. Hiermee onderzocht hij verhoudingen, schaduwwerking en houding - cruciaal bij het streven naar realisme.

Assistenten: een belangrijke schakel in zijn werkproces
Hoewel Moore vaak als solitaire kunstenaar wordt geportretteerd, werkte hij samen met een team van bekwame assistenten.

Bernard Meadows, een van zijn eerste assistenten, speelde in de jaren ’40 en ’50 een sleutelrol bij het uitwerken van modellen en het uithakken van steen.
Alan Ingham hielp Moore in de decennia daarna, vooral bij het technische gieten van brons en het maken van mallen.
Zonder deze vakmensen was de productie van Moore’s grotere werken nauwelijks mogelijk geweest.

Een blijvende indruk
De realistische beelden van Henry Moore laten een andere, meer persoonlijke kant zien van deze iconische kunstenaar. Ze vormen een brug tussen zijn klassieke opleiding en zijn latere, abstracte topstukken.

Voor wie de kans krijgt om zijn vroege werk in het echt te zien - in Londen, Harlow of andere musea wereldwijd - wacht een indrukwekkende ontmoeting met de menselijke vorm in al haar kracht en kwetsbaarheid.

Afbeelding

Voor wie de kans krijgt om zijn vroege werk in het echt te zien - in Londen, Harlow of andere musea wereldwijd - wacht een indrukwekkende ontmoeting met de menselijke vorm in al haar kracht en kwetsbaarheid. Wil je zelf aan de slag in de geest van Henry Moore? Bekijk dan onze workshop In de voetsporen van Henry Moore en ontdek hoe je zijn technieken en vormentaal kunt vertalen naar jouw eigen beeldhouwwerk.

Een onvergetelijke avond in De Lakenhal

23/4/2025

Op 11 april 2025 bracht ik samen met mijn man Alex Sluimer en vrienden & collega’s Fabian van Biene en Marie Veldhuizen een bezoek aan Museum De Lakenhal in Leiden. Deze avond stond in het teken van de bijzondere tentoonstelling van kunstenaar Floris Vester – een maker die me altijd heeft gefascineerd met zijn eigenzinnige stijl en uitgesproken vormentaal.

Bij binnenkomst voelde ik het meteen: een sfeer van creativiteit en inspiratie hing in de lucht. De tentoonstelling Floris Vester – Thuis in het groen was prachtig vormgegeven. De kleuren op de muren, twee imposante tuinkassen midden in de ruimte en het subtiele gebruik van vogelgeluiden gaven de schilderijen van Vester een extra gelaagdheid. Zijn expressieve kleurgebruik en speelse vormen vulden de zalen met levendigheid: iets wat mij als beeldhouwer enorm aanspreekt. Elk werk vertelde zijn eigen verhaal.

Wat deze tentoonstelling extra bijzonder maakte, was de connectie van Vester met de stad Leiden. De stad waarin hij woonde, werkte en inspiratie vond. Zijn band met deze plek was duidelijk voelbaar in de stadsgezichten en lokale scènes die hij op doek wist te vangen.

Een andere grote verrassing die avond was het werk van Esther Hoogendijk. Hoewel haar naam me bekend voorkwam, was dit de eerste keer dat ik haar kunst in levenden lijve zag. En wat een ontdekking. Haar werk ademt een verstilde schoonheid en diepe emotionele gelaagdheid. Elk kunstwerk leek zorgvuldig opgebouwd, met een meesterlijk gebruik van licht en kleur.

Wat mij vooral raakte, was haar toepassing van tarwekiemen in zowel haar sculpturen als schilderijen. Deze kiemen, symbool voor groei en transformatie, gaven haar werk een natuurlijke, bijna tastbare textuur. Ik voelde een diepe verwantschap met haar beeldtaal; alsof zij gevoelens en gedachten had verbeeld die ook in mijn eigen werk resoneren.

Samen met Alex, Fabian en Marie dwaalden we door de zalen, deelden we indrukken en ontdekten we nieuwe perspectieven. Alex, met zijn scherpe oog voor detail, wees me op nuances in Vester’s werk die ik wellicht over het hoofd zou hebben gezien. Fabian, een getalenteerde beeldhouwer en grafisch kunstenaar, en student aan de Willem de Kooning Academie, bracht zijn eigen kijk op compositie en sfeer in. Zijn werk evolueert momenteel van luchtige naar meer donkere en introspectieve thema’s, wat voor boeiende gesprekken zorgde.

Marie, eveneens student aan de Willem de Kooning Academie en een bedachtzame onderzoeker binnen haar beeldend werk, bracht met haar serene aanwezigheid een gevoel van rust in ons gezelschap. Haar sculpturen, die sterk resoneren met natuurlijke materialen, sloten prachtig aan bij het werk van Esther Hoogendijk. Vooral haar onderzoek met klei en zaden van de Brienenoord in Rotterdam vormde een intrigerende parallel. Zowel zij als Fabian werken in ons atelier: iets dat onze connectie alleen maar verdiept.

Na het bekijken van de tentoonstellingen sloten we de avond af in het museumcafé, met een goed glas wijn en gesprekken over kunst, ons eigen maakproces, en de waarde van samen kijken en voelen. Het was een avond vol inspiratie, verwondering, vriendschap en dankbaarheid. De kunst van Floris Vester en Esther Hoogendijk raakte iets essentieels in mij en herinnerde me eraan waarom ik ooit begon met beeldhouwen: om gevoelens, verhalen en innerlijke werelden tastbaar te maken.

De avond van 11 april in De Lakenhal zal me nog lang bijblijven. Het was een viering van kunst, creativiteit en de passie die ons als makers met elkaar verbindt.

De tentoonstelling Floris Vester – Thuis in het groen, met werk van onder anderen Esther Hoogendijk, is nog te zien tot en met 24 augustus 2025. De volgende Lakenhal Laat vindt plaats op vrijdagavond 10 oktober, een aanrader voor elke kunstliefhebber. Zet ‘m alvast in je agenda!

Een dag in museum Het Depot

16/4/2025

Op 9 maart had ik het genoegen om een heerlijke dag door te brengen in Museum Het Depot in Wageningen samen met mijn man, Alex Sluimer. Dit museum, dat bekendstaat om zijn indrukwekkende collectie van beeldhouwkunst, bood mij de perfecte gelegenheid om mijn passie voor kunst en cultuur verder te verkennen.

Toen ik het museum in liep, werd ik onmiddellijk getroffen door de serene en uitnodigende sfeer. Het moderne en lichte interieur vormde een prachtige achtergrond voor de kunstwerken die zo zorgvuldig waren opgesteld. Elke zaal bood een nieuwe verrassing en ik kon niet anders dan me verwonderen over de variëteit en schoonheid van de sculpturen. Werken van Pepe Grégoire, Eppe de Haan, Helaine Blumenfeld en Jan Pater maken elk bezoek weer fantastisch.

Een van mijn favoriete stukken was een elegant marmeren beeldhouwwerk dat gracieus de menselijke vorm uitdrukte. De gedetailleerde afwerking en het delicate vakmanschap lieten me in stilte bewonderen. Ik kon het niet laten om een paar foto's te maken en deze op mijn Instagramprofiel te delen. De reacties van mijn volgers waren overweldigend; het is altijd zo fijn om mijn ervaringen en ontdekkingen met anderen te delen.

Naast de kunst was er ook een heerlijke arboretum rondom het museum, waar ik even kon ontsnappen aan de drukte. De rustige paden en de kleurrijke flora boden een perfect contrast met de dynamische kunst binnen. Dat met de drie verschillende locaties in het arboretum, je een volledige dag zoet kan zijn in dit museum. we namen de tijd om te wandelen, te reflecteren en simpelweg te genieten van het moment.

Afbeelding

Wat ons bezoek aan Museum Het Depot nog specialer maakte, was het ontbreken van informatieve bordjes bij de kunstwerken. In plaats daarvan kreeg ik een boekje met alle informatie, wat een unieke soort interactie met de kunst mogelijk maakte. Wat deze ervaring echt bijzonder maakte, was dat bijna alle kunstwerken aangeraakt konden worden. Ik ken geen ander museum waar je zo vrij aan de beelden mag zitten, wat een buitengewone dimensie toevoegde aan mijn beleving. Ook de werken van kunstenaars zoals Pepe Grégoire en Helaine Blumenfeld openden een nieuwe wereld van artistieke expressie voor mij.

Dit bezoek aan het museum was eigenlijk de vierde keer dat mijn man, Alex Sluimer, en ik er waren. Het blijft bijzonder, mede omdat het zo compleet en mooi is, ook qua architectuur. Bovendien is het volledig gratis! Het museum heeft ook een geweldige serie kunstboeken uitgebracht. Als bibliofiel moet ik altijd met een stapel nieuwe kunstboeken de museumwinkel uitlopen. Het is altijd een plezier om te zien dat ze werken hebben van artiesten zoals Jan Pater en Eppe de Haan.

Afbeelding

Na een paar uur in het museum te hebben doorgebracht, besloten wij onze dag af te sluiten in het café van het museum. Een kopje koffie en een heerlijke taart boden de perfecte afsluiting van het bezoek. Terwijl ik daar zat, keek ik terug op mijn dag met een gevoel van voldoening en vreugde. Het was een ervaring die ik zeker nog eens zou willen herhalen.

Mijn dag in Museum Het Depot was onvergetelijk. Het was een perfecte combinatie van kunst, natuur en ontspanning. Alex en ik raden iedereen aan om dit prachtige museum eens te bezoeken en zelf te ontdekken wat het te bieden heeft. Onze reis naar Wageningen was absoluut een hoogtepunt en we kijken ernaar uit om meer verborgen pareltjes zoals deze te ontdekken.

De wereld in beelden

9/4/2025

Niet iedereen denkt op dezelfde manier. Waar de een informatie ordent in woorden en logica, ervaart de ander gedachten juist als beelden of visuele associaties. Sommige mensen zijn uitgesproken woorddenkers, anderen echte beelddenkers. Deze verschillende manieren van denken zijn geen kwestie van goed of fout, maar weerspiegelen de unieke manier waarop ons brein werkt. In deze blog gaan we dieper in op wat beelddenken precies is, hoe het werkt in het brein, hoe je kunt herkennen of het bij jou past – en wat het betekent in de praktijk.

Wat is beelddenken eigenlijk?
Beelddenken is een manier van denken waarbij gedachten zich vooral visueel vormen. Beelddenkers denken in kleuren, vormen, scenario’s en ruimtelijke patronen. Ideeën worden als het ware voor hun geestesoog geprojecteerd. Dit staat in contrast met woorddenkers, die hun gedachten vooral ordenen in zinnen, structuren en logische verbanden. Beelddenkers zijn vaak goed in het zien van samenhang en hebben een sterke intuïtie, terwijl taaldenkers juist kunnen uitblinken in precisie en analyse. Beide vormen van denken hebben hun waarde, het gaat er vooral om dat je leert herkennen hoe jij informatie het best verwerkt.

De voorkeur voor beeld of taal wordt deels bepaald door de activiteit in verschillende hersengebieden. Bij beelddenkers is vaak de rechterhersenhelft dominanter actief. Die is gespecialiseerd in visuele waarneming, creativiteit, intuïtie en ruimtelijke verwerking. Taaldenkers maken vaker gebruik van de linkerhersenhelft, die zich richt op logica, taal en analytisch denken.

Afbeelding

Hoe weet je of je een beelddenker bent?
Beelddenkers merken vaak al jong dat ze anders informatie verwerken. Misschien herken je dat je een goed visueel geheugen hebt – je onthoudt makkelijk gezichten of plekken. Of je ziet beelden voor je als iemand iets uitlegt, in plaats van de woorden zelf te volgen. Vaak zijn beelddenkers sterk in ruimtelijk inzicht, snel in het bedenken van originele ideeën, en beter in visuele dan verbale taken. Tegelijkertijd kunnen ze moeite hebben met luisteren naar lange uitleg, en lopen ze vast als ze gedetailleerde instructies moeten volgen zonder visuele steun.

Afbeelding

De voor- en nadelen
Beelddenken is een enorme kracht, zeker in creatieve en ruimtelijk georiënteerde vakgebieden. Het stelt je in staat om verbanden te leggen, nieuwe vormen te bedenken en situaties vanuit verschillende invalshoeken te bekijken. Veel ontwerpers, kunstenaars en uitvinders blijken een voorkeur te hebben voor deze manier van denken. Ook bij het onthouden van informatie kan beelddenken helpen. Beelddenkers koppelen kennis vaak aan ruimtelijke of visuele elementen. Daardoor herkennen ze verbanden sneller, onthouden ze beter wat ze hebben gezien, en kunnen ze informatie op een andere manier terughalen dan via woorden.

Hoewel beelddenken veel voordelen heeft, zijn er ook uitdagingen. In veel school- en werksystemen wordt nog altijd veel waarde gehecht aan taal, structuur en lineair denken. Dat kan beelddenkers het gevoel geven dat ze ‘anders’ zijn, of zelfs achterlopen. In werkelijkheid denken ze gewoon op een andere, minder talige manier. Daarnaast zijn beelddenkers vaak gevoelig voor prikkels. Ze nemen veel waar, soms tegelijk, wat kan leiden tot overbelasting. Het helpt dan om rust en overzicht te creëren, bijvoorbeeld door informatie te visualiseren, aantekeningen om te zetten in beelden of te werken met fysieke materialen in plaats van alleen tekst.

Bewustwording en praktijk
Of je nu overwegend in beelden denkt of ergens tussen taal en beeld in zit – het herkennen van je denkstijl helpt je om beter te leren, te communiceren én te creëren. Visueel denken hoeft geen belemmering te zijn; het kan juist een kompas zijn in je ontwikkeling als maker of denker.

In de workshop Schets naar Beeld onderzoeken we hoe jouw denkstijl invloed heeft op je manier van kijken, verwerken en vormgeven. Door gerichte oefeningen leer je je beeldtaal inzetten als krachtig instrument – zonder dat je eerst ‘moet kunnen tekenen’. Je ontdekt hoe beeld en verbeelding hand in hand gaan met analyse en ontwerp, en hoe jouw manier van denken zichtbaar wordt in wat je maakt.

Eerste hulp bij angst voor schetsen

9/4/2025

Schetsen roept bij veel mensen spanning op. Het lijkt iets wat je óf kan, óf niet – alsof er een soort aangeboren talent nodig is om een idee op papier te zetten. Maar wat als je juist niet die vaardigheid bezit, of dat in elk geval denkt? Betekent dat dan dat je geen vormonderzoek kunt doen? Integendeel.

Vormstudie hoeft niet altijd met potlood en papier te beginnen. Sterker nog: soms helpt het juist om het tekenen even los te laten, zodat je vanuit een andere invalshoek leert kijken, denken en voelen. In deze blog ontdek je hoe je vormonderzoek op alternatieve manieren kunt benaderen, hoe je je creatieve proces vrijer maakt, en waarom het oordeel over je eigen schetsen misschien wel de grootste blokkade is die je kunt opheffen.

Vormonderzoek zonder potlood: verrassend rijk
Misschien verrast het je, maar ook zonder een enkele lijn te tekenen, kun je een diepgaand vormonderzoek doen. Zo kan fotografie een krachtige ingang zijn: door een reeks foto's te maken van een object of een landschap, krijg je zicht op contouren, ritme en verhouding.

Ook collages bieden onverwacht veel mogelijkheden. Door stukken papier of afbeeldingen uit tijdschriften te knippen en opnieuw te rangschikken, kun je intuïtief zoeken naar interessante composities. Je denkt in vlakken, in overlappingen, in contrast – precies wat je nodig hebt voor ruimtelijk werk. Of neem het werken met klei. Zelfs met een beetje zelfhardende klei of speksteenwas kun je oefenen in het opbouwen van vormen. Het gebruik van klei leert je hoe massa zich gedraagt. Je ontwikkelt een gevoel voor binnen- en buitenvorm, voor spanning in lijnen en evenwicht.

En voor wie liever beschrijft dan tekent, zijn visuele notities een waardevol alternatief. Door woorden te geven aan wat je ziet, bijvoorbeeld “lange verticale lijn met bolle onderzijde” of “holte aan de rechterkant die in een punt uitloopt”, dwing je jezelf om nauwkeurig te observeren.

Oefenen met schetsen
Op een gegeven moment wil je misschien tóch beginnen met schetsen. Dan is het belangrijk om te onthouden: het gaat niet om het eindresultaat, maar om het proces. Schetsen is geen kunstwerk maken. Het is een manier van denken, voelen, zoeken. Fouten horen daarbij, net als slordigheid en twijfel.

Begin bijvoorbeeld met contourtekeningen. Dit zijn snelle, losse tekeningen waarin je alleen de buitenste lijnen van een vorm vastlegt. Je volgt met je potlood wat je oog ziet, zonder te corrigeren. Deze techniek helpt je om te focussen op de vorm in plaats van op perfectie. Laat het een oefening in aandacht zijn, niet in prestatie.

Een andere ingang is om groot te beginnen. Zet eerst de globale vormen op papier, en werk daarna steeds meer in detail. Zo ontstaat er structuur, en hoef je niet direct in het diepe te springen. Je kunt jezelf ook uitdagen door heel snel te schetsen, bijvoorbeeld door een timer te zetten op één of twee minuten. Deze beperkte tijd dwingt je om losser te werken en intuïtiever te reageren op wat je ziet. De resultaten hoeven niet mooi te zijn; ze zijn waardevol omdat ze eerlijk zijn, direct uit je waarneming of gevoel.

Afbeelding

Schetsen als startpunt voor je beeld
Schetsen is niet alleen een oefening; het is de eerste stap naar een beeld. Het helpt je om te onderzoeken wat je wil maken, om te voelen wat werkt en wat nog niet klopt. In die schetsen, hoe ruw ook, ligt de kern van je uiteindelijke vorm besloten. Of je nu werkt met lijnen, woorden, klei of digitale tools – het gaat erom dat je begint. Dat je je idee serieus neemt, en durft te zoeken naar een vorm die daarbij past.

Wil je je in dit proces verdiepen? In de workshop Schets naar Beeld begeleidt Simone van Olst je door het voortraject van het beeldhouwen. Je onderzoekt, experimenteert en leert schetsen als een ruimtelijke taal te gebruiken, zonder oordeel, maar met aandacht. Want schetsen is geen toets – het is een ingang.

Meesters in vorm

9/4/2025

Een reis langs de meest invloedrijke beeldhouwers in de kunstgeschiedenis
Beeldhouwen is misschien wel de meest tastbare manier om de menselijke ervaring vorm te geven. Door de eeuwen heen zijn er kunstenaars geweest die met hun visie, techniek en verbeeldingskracht de grenzen van hun tijd hebben verlegd. Ze keken anders, dachten grootser, en zagen in steen of brons niet alleen materiaal – maar een verhaal, een emotie, een kracht. In deze blog nemen we je mee op een reis door de tijd, langs enkele van de meest invloedrijke beeldhouwers uit de kunstgeschiedenis. Niet om een compleet overzicht te geven, maar om stil te staan bij de sporen die zij achterlieten – en wat we daar vandaag nog van kunnen leren.

Michelangelo: emotie in marmer
Duizend jaar later, tijdens de Renaissance, werd de menselijke vorm opnieuw het centrum van de kunst. Niemand belichaamde dat meer dan Michelangelo Buonarroti. Zijn David is niet zomaar een beeld – het is een symbool van kracht, strijd en idealisme. En zijn Pietà, waarin Maria haar overleden zoon vasthoudt, toont een ongekende gevoeligheid. Michelangelo's werk is niet alleen een technisch hoogstandje, maar ook een uitnodiging om te voelen. De beweging, de blik, de spanning onder de huid – alles spreekt.

Afbeelding

De geboorte van de moderne sculptuur: Rodin
In de 19e eeuw brak de Franse kunstenaar Auguste Rodin met de klassieke conventies. Zijn beelden waren ruwer, emotioneler, menselijker. In De Denker zien we geen perfecte held, maar een man die worstelt, piekert, overweegt. Zijn werk toont niet alleen het lichaam, maar ook de psyche. Rodin zette de deur open naar een nieuwe manier van kijken – een waarin vorm en betekenis zich losmaken van idealen, en ruimte maken voor het persoonlijke, het onvolmaakte.

Vorm als essentie: Brâncuși en de eenvoud van het universele
Die zoektocht werd voortgezet in de 20e eeuw, onder andere door de Roemeense kunstenaar Constantin Brâncuși. Zijn werk is abstract, minimalistisch – maar raakt aan het oervormige. Zijn Vogel in de Ruimte is geen letterlijke weergave van een vogel, maar de essentie van beweging en lichtheid. Zijn Oneindige Zuil is een meditatie op ritme, herhaling, groei. Brâncuși stripte alles wat overbodig was weg, en liet alleen het meest wezenlijke over.

Sculptuur als landschap: Henry Moore
Tegelijkertijd, in Engeland, gaf Henry Moore een heel nieuwe draai aan beeldhouwen. Zijn organische vormen, vaak geïnspireerd op botten, stenen en heuvels, ademen een diepe verbondenheid met de natuur. Zijn liggende figuren (hol en bol, open en gesloten) nodigen de toeschouwer uit om te kijken, maar ook om te voelen. De leegte in zijn beelden is net zo belangrijk als de massa. Moore liet zien dat sculptuur niet alleen over vorm gaat, maar ook over ruimte.

Inspiratie voor nu
Wat deze beeldhouwers verbindt, is niet alleen hun vakmanschap, maar vooral hun vermogen om te kijken. Ze zagen niet alleen wat er was, maar ook wat er zou kunnen zijn. En dat is precies wat beeldhouwen vandaag nog steeds zo bijzonder maakt. Het begint niet met een hamer of een beitel, maar met een idee. Een gevoel. Een schets.

Wil jij zelf ontdekken hoe je van een eerste gedachte tot een krachtig beeld komt? In de workshop Schets naar Beeld begeleidt beeldhouwer Simone van Olst je in het voortraject van het maakproces. Niet het hakken staat centraal, maar het onderzoeken, het verbeelden, het durven om van binnenuit te creëren. Het is een reis op zich – eentje die je dichter bij je eigen verbeelding brengt.

Van huiskamer naar atelier: Oefeningen met alledaagse objecten voor beeldhouwers

26/3/2025

Als beeldhouwer is het essentieel om een sterk ruimtelijk inzicht te ontwikkelen. Dit helpt je om vormen, verhoudingen en diepte nauwkeurig weer te geven in je sculpturen. Gelukkig kun je met eenvoudige vormen en alledaagse objecten die je thuis hebt liggen, effectieve oefeningen doen om je ruimtelijk inzicht te verbeteren. Door bewuster te kijken en te experimenteren, ontdek je nieuwe mogelijkheden in materialen en vormen. In deze blog bespreken we hoe je met deze objecten kunt oefenen en hoe je er studieobjecten van kunt maken.

De kracht van alledaagse objecten
Alledaagse objecten bieden een uitstekende basis voor het trainen van je ruimtelijk inzicht. Ze zijn overal te vinden, gratis of goedkoop, en bieden eindeloze mogelijkheden om vormen, verhoudingen en diepte te verkennen. Door te werken met materialen zoals kartonnen dozen, plastic flessen en aluminiumfolie, kun je experimenteren zonder de druk van kostbare materialen. Bovendien dwingt het werken met alledaagse voorwerpen je om creatiever en flexibeler te denken, wat een waardevolle vaardigheid is in het beeldhouwen.

Experimenteren met materialen
Kartonnen dozen, plastic flessen en aluminiumfolie zijn verrassend veelzijdige materialen om je ruimtelijk inzicht als beeldhouwer te trainen. Kartonnen dozen kunnen worden gesneden, gevouwen en gestapeld om geometrische vormen zoals kubussen en piramides te creëren, waardoor je een beter begrip krijgt van ruimtelijke relaties. De Britse kunstenaar Rachel Whiteread laat zien hoe je met karton en eenvoudige materialen negatieve ruimten kunt omzetten in intrigerende sculpturen. Plastic flessen bieden op hun beurt een flexibele manier om abstracte structuren te ontdekken: door ze te knippen, stapelen en vervormen leer je hoe licht, schaduw en verhoudingen een rol spelen in sculpturen. Dit is een techniek die de Amerikaanse kunstenaar Tara Donovan op indrukwekkende wijze toepast in haar grootschalige installaties van alledaagse objecten.

Ook aluminiumfolie is een waardevol materiaal om organische vormen te verkennen. Het is licht, flexibel en eenvoudig te bewerken, waardoor je kunt experimenteren met vouwen, kneden en buigen om complexe structuren te creëren. De Japanse kunstenaar Tomoko Takahashi maakt veelvuldig gebruik van dergelijke alledaagse materialen om gelaagde kunstwerken te ontwikkelen en laat zien hoe zelfs de simpelste materialen tot expressieve sculpturen kunnen leiden. Door te werken met deze materialen en technieken ontdek je spelenderwijs nieuwe vormen, composities en texturen die je later kunt toepassen in je steenhouwwerk.

Het creëren van studieobjecten
Studieobjecten helpen je om je sculpturen beter voor te bereiden en bewuster om te gaan met vorm en verhoudingen. Door vooraf te experimenteren met eenvoudige materialen, kun je verschillende ideeën testen voordat je in steen begint te werken. Hieronder volgt een stappenplan om effectieve studieobjecten te maken.

Kies je materialen. Gebruik kartonnen dozen, plastic flessen en aluminiumfolie, maar ook wc-rollen, sinaasappelnetjes en andere herbruikbare objecten. Hoe diverser de materialen, hoe veelzijdiger je oefening.
Maak schetsen. Leg je ideeën eerst vast op papier. Dit helpt je om gerichter te werken en te zien hoe verhoudingen samenkomen voordat je de vormen in 3D creëert.
Bouw je studieobjecten. Combineer en bewerk de materialen om unieke structuren te maken. Denk niet te veel na over perfectie; spelen en experimenteren is de sleutel tot nieuwe inzichten.
Observeer en analyseer. Kijk kritisch naar je studieobjecten en pas ze aan. Maak tussentijdse foto’s, print ze zwart-wit uit en hang ze op zodat je reflecteert op je voortgang. Het helpt ook om veranderingen en observaties in een schetsboek vast te leggen.
Vertaal naar steen. Gebruik je studieobjecten als referentie bij het hakken in steen. Door je voorbereidende werk zul je merken dat je sculpturen krachtiger en evenwichtiger worden. Blijf documenteren en analyseren, zodat je je artistieke proces steeds beter begrijpt.

Van idee naar sculptuur: Ga zelf aan de slag!
Hopelijk heeft deze blog je nieuwe inspiratie gegeven om je ruimtelijk inzicht verder te ontwikkelen! Het trainen van je oog en hand hoeft niet altijd met steen of klei te gebeuren – alledaagse materialen kunnen een verrassende en speelse ingang bieden om vormen en structuren beter te begrijpen. Blijf experimenteren, documenteer je ontdekkingen en ontdek hoe je al deze inzichten kunt meenemen in je eigen beeldhouwproces.

Wil je nog dieper ingaan op het voortraject van beeldhouwen? Doe dan mee met onze tweedaagse workshop Schets naar Beeld! Hierin ga je intensief aan de slag met het vinden van inspiratie en het ontwikkelen van ideeën voordat de beitel de steen raakt. Een unieke kans om je artistieke proces te verdiepen en met nieuwe inzichten aan de slag te gaan. Schrijf je in en laat je creativiteit bloeien!